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Produire du savoir médical en réseau : films et cerveaux

Nous avons le plaisir d’annoncer que le projet Waldau est désormais partenaire du projet FNS/ANR (n° 219457) ArchiMed. Mining Medical Archives in the Digital Media, dirigé par Laurence-Marie Toutou Trellu (HUG, Dermatologie), Christophe Lamy (UNIGE, Anatomie, Psychiatrie et Geneva Brain Bank), Alexandre Wenger (UNIGE, IEH2), Christian Bonah (Université de Strasbourg, SAGE) et Christine Keyser (Université de Strasbourg, BABEL et Institut de médecine légale). Ensemble, il s’agit de réfléchir au rôle épistémologique, culturel et social des archives médicales avec l’appui de nouveaux outils et concepts de recherche.

ArchiMed a pour ambition d’étudier, dans une perspective interdisciplinaire, une série de données biologiques anciennes (en particulier des tissus pathologiques) afin d’en tirer un savoir utile pour comprendre les maladies actuelles. Plus précisément, il s’agit de « transformer des collections historiques en biobanques exploitables » grâce à des outils contemporains, comme l’IA, la biologie moléculaire, l’histopathologie, mais aussi les humanités en médecine. Aux données biologiques du type lames histologiques et blocs de paraffine s’ajoutent des sources écrites comme les dossiers de patient·es (lettres d’entrée et de sortie, suivis cliniques, rapports d’autopsie, etc.). Focalisée sur les troubles neuropathologiques (notamment neurosyphilitiques), cette recherche intègre également une approche sur la longue durée de la maladie, ainsi qu’une réflexion sur les enjeux éthiques relatifs au statut juridique du corps malade et du cadavre.

La jonction entre les deux recherches s’effectue à travers l’étude des travaux conduits respectivement à l’hôpital psychiatrique de Bel-Air (aujourd’hui Belle-Idée à Genève) où le premier directeur, Rodolphe Weber, fonde en 1900 le laboratoire de neuropathologie, et l’hôpital psychiatrique de la Waldau à Berne qui, sous l’initiative d’Ernst Grünthal, crée en 1934 un laboratoire d’anatomie cérébrale (Hirnanatomisches Institut). Au fil du temps, les médecins recueillent des données biologiques destinées à documenter et à étudier les troubles psychiatriques dont l’origine serait d’abord neurologique. Parmi ces données, on trouve des collections de cerveaux (plusieurs milliers à Genève, plusieurs centaines à Berne) qui indiquent l’importance d’une alliance entre neurologie et psychiatrie pour l’exploration des troubles mentaux.

Bel-Air
Thônex, clinique de Belle-Idée alors asile de Bel-Air – Agence Interpresse Genève
– 30.09.1961 – Source : Bibliothèque de Genève

Le rôle de la neurologie dans la psychiatrie suisse

Rappelons que la psychiatrie suisse, comme dans d’autres pays européens, est marquée par une forte influence des théories biologiques. Les pratiques cliniques, les théories et les approches de la recherche psychiatrique sont infléchies par la neurologie qui joue alors un rôle central. L’interaction entre les deux disciplines repose notamment sur une vision intégrative des troubles mentaux et neurologiques qui partagent souvent des bases biologiques communes.

Pendant longtemps, avant la scission institutionnelle qui s’est produite progressivement au cours de la première moitié du XXe siècle en Suisse et en Europe, la neurologie et la psychiatrie sont considérées comme des disciplines interdépendantes. Toutes deux nourrissent un intérêt commun pour les pathologies du cerveau et du système nerveux. En Suisse, comme dans d’autres pays, de nombreux psychiatres sont formés en neurologie, ce qui encourage une appréhension biologique des troubles mentaux. Des figures comme Constantin von Monakow (1853-1930), neurologue suisse, par exemple, mettent en exergue l’articulation entre lésions cérébrales et fonctions mentales-comportementales.

Au début du siècle, grâce aux investigations sur le cerveau et le système nerveux, de nombreux troubles psychiatriques sont interprétés dans une perspective neurologique ou neurobiologique. Celle-ci est particulièrement visible dans l’étude des pathologies telles que les psychoses organiques (souvent associées à des lésions cérébrales ou à des pathologies neurologiques sous-jacentes), les démences (Alzheimer commence à être documentée en Suisse au début du siècle) ou encore les épilepsies (perçues à l’époque comme relevant à la fois de la neurologie et de la psychiatrie).

Une patiente (dont le visage est anonymisé) subit un examen EEG durant un entretien avec un psychiatre (années 1950). Collection Waldau, captures d’écran tirées d’un film traité et numérisé par la Cinémathèque suisse (Penthaz)

La neurologie apporte en outre plusieurs outils à la psychiatrie clinique, lesquels sont souvent à l’œuvre dans les films des collections Waldau. Les examens neurologiques, incluant les tests de réflexes (tendineux, cutanés), les évaluations sensorielles et motrices, les examens des nerfs crâniens, les électroencéphalogrammes (EEG), etc. deviennent des éléments clés pour établir des diagnostics psychiatriques différenciés. À cela s’ajoutent l’histopathologie neurologique, c’est-à-dire l’analyse de tissus cérébraux post-mortem et les techniques de coloration qui permettent de visualiser les cellules nerveuses et leurs connexions.

Les hôpitaux psychiatriques suisses, tels que le Burghölzli à Zurich, la Waldau à Berne ou Bel-Idée à Genève, intègrent progressivement ces outils et ces approches pour mieux comprendre l’origine des maladies psychiques, et distinguer les pathologies purement psychiatriques de celles ayant une base neurologique.

L’apport des sciences humaines et des collections filmiques

Le partenariat ArchiMED X Waldau a pour but d’enrichir la réflexion sur les différentes modalités de visualisation du cerveau, de la maladie et du malade. Les collections filmiques Waldau, croisées avec les dossiers médicaux, fournissent à ce titre un matériau précieux. Non seulement, elles documentent la phénoménologie des troubles neurologiques et neuropsychiatriques à travers l’observation “directe” et “externe” des patient-es, mais elles contiennent des images du fonctionnement du cerveau via des tracés EEG, ainsi que des images du fonctionnement de la machine elle-même. Plus largement, elles fournissent des informations sur l’évolution des pratiques cliniques et scientifiques, offrant un point de convergence possible entre documentation visuelle, avancées médicales et pratiques de recherche.

L’enjeu consiste à resituer les différents supports archivistiques (biologiques, écrits, visuels, etc.) dans le cadre d’une production de savoir médical fonctionnant en réseau afin d’ouvrir la voie à une compréhension globale de ces données et à leur utilisation dans des recherches contemporaines, tant en médecine biologique qu’en histoire. Penser en termes de réseau de médias et d’objets permet, par exemple, de souligner que le médium filmique, loin de se limiter à une fonction purement documentaire, joue un rôle performatif dans la production de connaissances médicales.

Extrait d’EEG intégré dans un film consacré à la démence sénile (environ années 1940). Collection Waldau, Cinémathèque suisse (Penthaz)

À l’instar des collections de cerveaux, les films de recherche interrogent la notion de collection, laquelle transcende les objets eux-mêmes pour inclure les intentions des médecins : qu’entendent-ils regarder, montrer, prouver ? Quels sont les critères motivant la constitution d’un ensemble structuré d’éléments ? En vertu de quelle(s) catégorie(s) ces objets/pathologies/comportements sont-ils considérés comme formant un tout ? Car une collection n’est pas simplement une accumulation ; elle implique une logique d’organisation, une intention de rassemblement, ainsi qu’un objectif d’étude, de préservation ou de transmission. Si la notion est fondamentale en sciences dès lors qu’il s’agit de rassembler, organiser, analyser ou transmettre des éléments pour en extraire du sens, dans quelle mesure peut-on parler de collection de patient.es conservés dans des blocs de paraffine, des tracés EEG et des films ? La valeur épistémologique du geste de la collection sera ainsi au cœur de ce nouveau volet de la recherche.

Les collections filmiques et anatomiques de la Waldau illustrent ainsi une production du savoir en réseau, où chaque médium éclaire un pan du phénomène pris en considération, offrant ainsi une perspective unique sur les pratiques médicales historiques et contemporaines.

MB

Références

Berrios, G. E., & Porter, R. (1995), A History of Clinical Psychiatry: The Origin and History of Psychiatric Disorders, Athlone Press.

Finger, S. (2000), Minds Behind the Brain: A History of the Pioneers and Their Discoveries. Oxford University Press.

Monakow, C. von, & Mourgue, R. (1928), Lokalisation der Hirnfunktionen, Gustav Fischer.

Parent, A. (1996), Developments in Neurology and Psychiatry during the Twentieth Century. Springer.

Shorter, E. (1997), A History of Psychiatry: From the Era of the Asylum to the Age of Prozac, Wiley.

Staehelin, F. (1955), Zur Geschichte der Psychiatrie in der Schweiz, Birkhäuser.

Wolff, H. G., & Angst, J. (1985), Geschichte der Psychiatrie in der Schweiz: Beiträge zu ihrer Entwicklung und ihrem Stand im 20. Jahrhundert, Schwabe Verlag.

[Projection & Table ronde] Film « Les Heures Heureuses » (Martine Deyres, 2019) & « Art et psychiatrie, une histoire de désaliénisme »

Vendredi 23 février, à 20h15, projection-table ronde Les Heures Heureuses (Martine Deyres, 2019), La Ferme des Tilleuls (Renens)

Un événement à ne pas manquer si vous êtes dans la région lausannoise ! La cinéaste Martine Deyres sera là pour parler de son film, Les Heures Heureuses (2019), un documentaire nourri d’archives consacré à l’hôpital de Saint-Alban, un bastion de la psychothérapie institutionnelle et du désaliénisme. Saint-Alban a aussi été un haut lieu de la créativité des patient.e.s, encouragé.e.s à s’exprimer par l’écriture, la peinture, le film, etc., mais aussi des activités communautaires rassemblant sans hiérarchie soignant.e.s et soignés.e.s. Mario Ruspoli, en 1962, réalisera un film sur cette approche humaniste, poétique et politique de la psychiatrie, Regard sur la folie.

Descriptif du site

“Alors qu’en pleine France de Vichy 45 000 internés psychiatriques sont morts de faim dans les hôpitaux psychiatriques de ce pays, l’asile de Saint-Alban sur-Limagnole, en Lozère, est un îlot de résistance et de vie ; il pratique une psychiatrie que l’on peut qualifier de révolutionnaire et désaliéniste. Elle a permis aux malades non seulement de survivre, mais de vivre, vraiment, de créer, et finalement que leurs créations soient vues et reconnues. Grâce à des archives retrouvées dans l’hôpital, Les Heures Heureuses (Martine Deyres, 2019) nous plonge dans une épopée joignant courage politique, humanisme et créativité. L’exemple de Saint-Alban a transformé la psychiatrie d’après-guerre en ouvrant les asiles et en promouvant une psychiatrie communautaire, contribuant en France à la découverte et la reconnaissance des auteur·ices d’Art brut dont plusieurs en francophonie sont issu·e·s de cet hôpital.”

Image tirée du film Les Heures Heureuses (2019)

Ce film est projeté dans le cadre de l’exposition Tous ceux qui errent ne sont pas perdus (du 22 février au 17 mars dans le Caveau), par les artistes de l’Atelier Césure. La projection sera précédée d’une visite guidée de l’exposition par Lailah Simonds (maîtresse socioprofessionnelle) et les artistes, à 18h.

La projection sera suivi d’une table ronde “Art et psychiatrie, une histoire de désaliénisme” en présence de :

Martine Deyres, la cinéaste

Bruno Gravier, psychiatre, professeur à l’UNIL et président du Comité européen du droit éthique et psychiatrique (CEDEP)

Pascal Roman, psychologue, professeur à l’UNIL et commissaire invité de la 6ème biennale de la Collection de l’Art Brut Visages

Mireille Berton, maître d’enseignement et de recherche à la section d’Histoire et esthétique du cinéma à l’UNIL, responsable du projet de recherche « Cinéma et (neuro)psychiatrie en Suisse : autour des collections Waldau (1920-1970) »

Lailah Simonds, maîtresse socioprofessionnelle auprès des Ateliers de réhabilitation du CHUV, Espace Césure

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Prix libre. Inscriptions vivement recommandées à lfdt@fermedestilleuls.ch

Le Café Restaurant des Tilleuls propose un repas sur inscription, entre 19h et 20h

La Ferme des Tilleuls

Espace d’exposition et de création
Rue de Lausanne 52
1020 Renens – Suisse
+41 21 633 03 50
lfdt@fermedestilleuls.ch

[Trésors d’archives] Humaniser la psychiatrie : entre intentions et réalités

Grand Format : Retour sur archives réalisé conjointement par des chercheurs-euses de l’UNIL, dont Alexandra Tilman, et des journalistes de la RTS. 10 chapitres composés d’entretiens et de documents d’archives pour découvrir l’histoire de la psychiatrie suisse sous un jour inédit.

Descriptif :

“Les années 1960 marquent un tournant dans l’histoire de la psychiatrie. De nouvelles approches dites “modernes” se développent au sein des hôpitaux. On y parle d’ergothérapie, de sociothérapie, de communauté thérapeutique et de psychothérapie institutionnelle. On cherche à déstigmatiser la folie, qui devient une «maladie comme une autre» et les équipes pluridisciplinaires œuvrent pour la guérison rapide et la réintégration du malade mental dans la société. C’est ce que nous racontent les films d’archives de la télévision suisse romande de l’époque.

Pour la première fois, les équipes de journalistes de la RTS sont invitées à entrer dans les hôpitaux et à documenter leurs transformations tout au long des années 1960. Ce dossier propose une réflexion critique sur cette histoire filmée. Il invite à découvrir des extraits des films tournés à l’époque par les journalistes de la RTS et à écouter les paroles de différentes personnalités qui les ont commentées à la lumière de leur expérience et de leur connaissance dans le domaine des troubles psychiques.”

Crédits

Une contribution de l’UNIL pour les archives de la RTS
Avec
Cristina Ferreira
Marie-Christine Roh
Philippe Rey-Bellet
Catherine Fussinger
Alain Riesen
François Valloton
Réalisation : Alexandra Tilman
Avec la collaboration de Sophie Meyer, Les archives de la RTS
Écriture, prise de son et montage : Alexandra Tilman
Mixage audio : Jocelyn Robert

[Travaux d’étudiant·e·s] Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

Cet article présente le travail effectué par deux étudiants de l’Université de Lausanne dans le cadre du cours Master Soigner par l’image : le cinéma au service de la santé (automne 2023), Mathieu Dorner et Timothée Zurbuchen.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

 

Il porte sur le film réalisé par Eric Duvivier (neveu du cinéaste Julien Duvivier) pour la firme Sandoz, Ballet sur un thème paraphrénique (1962), qui traduit en images et en sons le vécu d’une jeune femme atteinte d’un trouble psychique grave, la paraphrénie. Celle-ci se caractérise par : “l’intégrité de l’unité psychique avec une parfaite adaptation à la réalité quotidienne. Les délires paraphréniques témoignent d’une pensée riche, polymorphe, incohérente et invraisemblable avec une verbalisation prolixe, voire poétique, où le patient fait souvent preuve d’inventivité verbale. Paraphrénie vient du grec « para » signifiant « à côté », « hors de » et « phréné », « l’esprit ». (…) Relativement rares, les paraphrénies débutent entre 30 et 45 ans.” (Gérard Pirlot & Dominique Cupa, Approche psychanalytique des troubles psychiques, Paris, Armand Colin, « Collection U », 2017, p. 216).

Ce film participe de l'”âge d’or” du film médical et plus particulièrement de l’alliance entre milieux cinématographiques et firmes pharmaceutiques. Dès les années 1950, ces dernières nouent avec des opérateurs professionnels des liens privilégiés pour élaborer un discours en faveur des nouvelles politiques sanitaires fondées (notamment) sur l’emploi de médicaments. Cependant, Ballet sur un thème paraphrénique se situe davantage dans le registre du film-essai ou du film d’art, comme en attestent ses ambitions esthétiques (décors stylisés, récit enchâssé, musique, etc.). Le point de vue adopté ici est celui de la patiente et non du corps médical souvent montré dans l’exercice de l’observation des  malades. C’est la jeune femme qui guide le récit et donne accès aux méandres de sa perception modifiée par le trouble mental.  Images et sons s’allient pour nous faire entrer dans une psyché à la fois ultra-créative (conformément à l’imagination débridée de la patiente) et codifiée (voire les nombreux symboles psychanalytiques qui émaillent le récit).

Ce travail découle d’une collaboration avec l’équipe de la plateforme MEDFILM de l’Université de Strasbourg, notamment le prof. Christian Bonah et Elisabeth Fuchs. C’est pourquoi cette fiche sera prochainement accessible sur ce site consacré à l’histoire du film médical et sanitaire.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

Générique principal

SANDOZ présente BALLET SUR UN THÈME PARAPHRÉNIQUE
Conseiller médical : Didier-Jacques DUCHÉ
Interprétation : Odet ARCAMBOT
Chorégraphie : Arthur PLASSCHART
Décors : Michel DARMONT, Jean CAILLON, Françoise ARNOULD, Michèle BERTRAND, Michelle LEBRETON
Maquillage : Hagop ARAKELIAN
Montage : Annie CHOLLET
Enregistrement : SIS
Images : Pierre FOURNIER
Régie : Albert LUZUY
Réalisation : Eric DUVIVIER
Une production SCIENCEFILM

Sujet : Représentation visuelle et sonore des hallucinations d’une femme atteinte de paraphrénie.

Genre dominant : Film expérimental / Art et essai

Résumé

Une femme, internée dans un hôpital psychiatrique, relate à son médecin, muet et de dos, les multiples épisodes psychotiques dont elle a fait l’expérience. Ces derniers sont ensuite mis en images à travers une suite de séquences où la jeune patiente évolue, dansante comme dans un ballet, au sein de décors que l’on pourrait qualifier de surréalistes. Dans un mouvement de va-et-vient entre récit-cadre et récit enchâssé, le film présente différentes situations supposées représenter les délires paranoïaques symptomatiques de la paraphrénie.

Contexte

Ballet sur un thème paraphrénique, réalisé en 1962 par Éric Duvivier, s’inscrit dans une série de collaborations entre sa société de production ScienceFilm et la Cinémathèque Sandoz, alors sous la direction de René Chatain, Maurice Lantiez et Michel Breitman (Lefebvre 2014, 394-395). Il fait partie de la large série de films —une soixantaine— dédiés aux troubles psychiatriques et neurologiques que Duvivier produit entre 1950 et 1970 (Bonah 2019, 144). Comme Le monde du schizophrène (Duvivier, 1961) ou Concerto mécanique pour la folie (Duvivier, 1963), Ballet sur un thème paraphrénique se caractérise par la place importante accordée à l’expérimentation formelle. Se démarquant explicitement du cinéma médical à visée exclusivement pédagogique produit à l’époque, il s’agit ici « d’un film de psychiatrie et de psychopathologie subjective utilisant à la fois les ressources du cinéma traditionnel et des trucages complexes et surréalistes » (Bonah 2019, 142). Comme nombre des productions de Duvivier, le film est le produit d’une collaboration étroite avec le corps médical, en l’occurrence ici, le professeur Didier-Jacques Duché, psychiatre français spécialisé dans les troubles psychopathologiques de l’enfant et de l’adolescent. Ayant déjà collaboré avec Duvivier sur Le monde du schizophrène, la présence de Duché apporte un certain renom et une crédibilité scientifique servant d’assurance de qualité auprès, à la fois, des sociétés pharmaceutiques qui financent les films, et du public de professionnels à qui le film est en large partie destiné. En ce sens, Ballet sur un thème paraphrénique est un exemple paradigmatique du système mis en place dans la période de l’après-guerre qui voit trois groupes à priori étrangers les uns aux autres —l’industrie pharmaceutique à la recherche de publicité, des cinéastes expérimentaux à la recherche de financement et des médecins à la recherche de visibilité— unir leurs forces dans un projet commun et profitable à chacun (Bonah 2023, 702).

Imprégné par l’approche psychologisante et l’attention particulière portée aux récits des patients eux-mêmes qui caractérise le film médical dans la décennie précédente (Berton 2023 ; Bonah 2023, 692), Ballet sur un thème paraphrénique est marqué par une volonté évidente d’exprimer formellement l’expérience intérieure du.de la patient.e souffrant de paraphrénie. Comme l’explique Lea Petříková, « cette proximité étroite avec les sujets représentés, malgré leur maladie » semble en effet « typique du travail de Duvivier et du thème psychologique des films de Sandoz en général» (2019, 176-177). Partant de l’idée que « c’est par les formes que s’exprime la folie et [que] c’est dans les formes […] qu’il est possible de la lire » (Pic 2020, 83), Duvivier tire avantage des développements esthétiques proposés par les avant-gardes artistiques des décennies précédentes afin d’offrir aux spectateur.rice.s l’expérience imaginée et imagée de la paraphrénie. En ce sens, il participe d’un mouvement cinématographique dont le but serait « l’objectivation d’une subjectivité, mais encore, plus précisément, la transmutation filmique des représentations données dans le film lui-même comme internes » (Château 2019, 77), par une série de transvisualisations des hallucinations relatées par la patiente à son thérapeute. Qui plus est, même s’il montre un intérêt évident pour l’expérience individuelle de la patiente, Ballet sur un thème paraphrénique atteste aussi d’une ambition artistique plus grande : dépasser le domaine du film médical traditionnel et se rapprocher du champ plus directement cinéphilique du film d’art et d’essai. À ce titre, il est intéressant de noter le nom de la compagnie de production créée par Duvivier avant ScienceFilm —Films Arts et Science— qui déjà supposait le désir du réalisateur de mêler cinéphilie et médecine.

Cette ambition artistique de Duvivier se développe en parallèle et en collaboration avec celle de Sandoz qui, à cette même époque, entre dans une période d’ouverture du marché psychopharmacologique aux drogues dites psychotropiques. Le résultat de ce nouvel intérêt pour les médicaments psychotropes dont l’effet principal est de « stimuler l’inventivité formelle à une époque où la science est devenue attentive aux phénomènes de la perception » (Pic 2020, 65) peut être observé tant dans le graphisme de la revue Panorama/Sandorama,  éditée par Sandoz, que dans ses productions cinématographiques. On peut notamment penser à Images d’un monde visionnaire (1963), directement inspiré « des écrits et dessins mescaliens et haschichiens du poète Henri Michaux » (Lefebvre 2014, 398), ou encore Concerto mécanique pour la folie (ou folle métamorphose), créé en collaboration avec le musicien Jacques Higelin.

Mettant directement en scène ce qu’Arnold M. Ludwig propose d’intituler en 1966 les « états modifiés de conscience » (« altered state(s) of consciousness » en anglais) (Ludwig 1966, 225), ces productions Sandoz, dont Ballet sur un thème paraphrénique fait intégralement partie, s’offrent comme des tentatives tant scientifiques que cinématographiques de ce que Dominique Château appelle « la représentation d’un monde mental » (2019, 77). Représentatif de la confluence entre renouveau scientifico-commercial du milieu psychiatrique (Pic, 2020, 65) et ambitions artistiques marquées, Ballet sur un thème paraphrénique illustre à merveille le caractère unique de la période que Thierry Lefebvre désigne comme « l’âge d’or du film médical », âge qui prendra fin « au début des années 1980, avec la montée en puissance du marketing et de la publicité qui finiront par absorber les services des relations publiques » (Lefebvre, 2011, 141).

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

Comment le film dirige-t-il le regard du spectateur ?

Le film est structuré sur la base d’une alternance entre un récit cadre —la patiente alitée narrant ses expériences à son médecin— et la mise en images de ces dernières. Le décor de la situation enchâssante est minimaliste. Tourné en studio, il se veut relativement réaliste. Les différents récits enchâssés, en revanche, mobilisent une iconographie plus clairement surréaliste et psychédélique qui marque sa différence tant au niveau du décor que de la mise en cadre (à travers l’utilisation, notamment, de techniques de surimpression, de caches et de fondus enchaînés) et de la mise en scène (jeu d’acteur exagéré, effets spéciaux pratiques, etc.). Le film est organisé selon une structure en deux temps : dans un premier lieu, le récit est d’abord énoncé en voix in par la patiente, puis transvisualisé ensuite, cette fois sans paroles et avec l’ajout de musiques extradiégétiques tirées de compositions préexistantes (comme le générique nous l’informe, aucune musique n’a été produite spécifiquement pour le film). Par l’absence d’explications scientifiques supplémentaires, et par sa double structure (narrative, puis visuelle), le film invite son audience à s’identifier à la patiente et à partager de manière indirecte son expérience de la paraphrénie.

Comment la santé et la médecine sont-elles présentées ?

La représentation du corps et du milieu médical est limitée au récit-cadre. Ainsi la chambre dans laquelle la patiente narre ses différentes expériences ressemble à une chambre d’hôpital psychiatrique d’époque (lit monoplace blanc en métal, murs austères et barreaux à la fenêtre). Le médecin ne parle jamais. Son rôle est donc limité à celui d’auditeur et fait ainsi écho à celui de l’audience du film, dans ce récit-cadre du moins, puisque les spectateur.trice.s ont par la suite accès aux visualisations dont le médecin n’est évidemment pas témoin. Il n’est nul part indiqué que le film se base sur un authentique témoignage, comme c’est le cas avec Autoportrait d’un schizophrène (1978) par exemple, ou s’il s’agit plutôt d’une libre interprétation de la pathologie thématisée. Néanmoins, le film s’appuie sur certains archétypes associés aux recherches psychiatriques et psychanalytiques. On y retrouve ainsi la toile d’araignée, symbole onirique chez Karl Abraham (1922), la figure du double ou Doppelgänger chère à Otto Rank (1914), l’énucléation présente chez Freud, ou la notion de « bon sein » développée par Melanie Klein dans son ouvrage La psychanalyse des enfants (1932). Aussi, on peut légitimement penser que les situations mises en scène sont de l’ordre de l’invention. De plus, l’apparence de la patiente, comme son expression, répond elle aussi à un certain nombre de codes esthétiques tirés d’une part de la représentation traditionnelle de la folie féminine au cinéma (Berton, 2016; 2023) et d’autre part de l’iconographie chrétienne, notamment dans la gestuelle extatique de la patiente qui n’est pas sans rappeler celle de L’extase de Sainte Thérèse du Bernin. Le film étant à la fois dénué d’approche documentaire et d’une quelconque mise en avant de pratiques cliniques ou pharmacologiques, on peut légitimement considérer que son utilité pédagogique dans la formation du corps médical est faible, voire nulle. Aussi, il semble plus pertinent de le considérer comme un objet mondain destiné à flatter la cinéphilie des psychiatres et des psychanalystes et satisfaire les ambitions cinématographiques de Duvivier, tout en fournissant du capital culturel à la société Sandoz.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

Où le film est-il projeté ?

Les films médicaux produits par Duvivier pour Sandoz ont fait l’objet de trois modalités de diffusion : lors d’événements promotionnels organisés par l’industrie pharmaceutique à destination du corps médical ; lors d’événements parfois sponsorisés par les laboratoires, mais organisés par Duvivier lui-même ; enfin lors de séances destinées à un public non exclusivement spécialisé au sein de circuits indépendants traditionnellement réservés au cinéma expérimental ou d’art et essai (Bonah 2023, 689-690). Ces dernières, organisées par le biais de sa société de distribution Centre international du film médical, renouent avec une certaine tradition des projections itinérantes des premiers temps du cinématographe, puisque Duvivier lui-même transportait ses bobines de ville en ville et s’occupait de réserver les salles, comme il le raconte durant la journée d’étude n°2  de MedFilm qui lui était consacrée en 2012.

Les conditions exactes de diffusion du Ballet sur un thème paraphrénique restent malheureusement en grande partie incertaines. Une mention dans le journal espagnol Arbor en 1964 indique que le film semble avoir été projeté à l’Aula de Cine de la Escuela Oficial de Cinematografia (Cours de cinéma de l’École officielle de cinématographie) en compagnie d’un autre film de Duvivier, Le monde du schizophrène. Cette mention confirme l’existence d’une utilisation plus directement cinéphilique du film très tôt après sa date de création. Qui plus est, il est fait mention du film dans le numéro de janvier 1965 du journal Journal of Psychosocial Nursing and Mental Health Services ainsi que dans le journal Mental Hospitals en juillet 1965, deux publications états-uniennes. Ces indications supposent donc que le film de Duviver a fait l’objet de projections extraeuropéennes.

Par bien des aspects, Ballet sur un thème paraphrénique se rapproche de la série de films expérimentaux liés à la psychiatrie que Duvivier regroupe lors de séances ou de programmes Arts et essai sous la forme d’un long-métrage intitulé Hallucinations dès 1968 (Bonah, 2023, 695). Ce dernier est principalement composé des courts-métrages Concerto mécanique pour la folie (1963), La femme 100 têtes (1967), Images du monde visionnaire (1963) et La perception et l’imaginaire (1964). Tous ressembler thématiquement et formellement assez largement au Ballet, mais aucun programme contenant ce dernier n’a pu être retrouvé à ce jour.

Enfin, le film a été diffusé en 2021 au Ji.hlava film festival dans le cadre d’une programmation intitulée Pharm’n’Films: Psychedelic Sandoz qui regroupe deux films de Duvivier —Ballet sur un thème paraphrénique et Images du monde visionnaire— ainsi que The Burning Ear (1970) du réalisateur états-unien Edd Dundas.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

Descriptif libre

Introduction

Le film est structuré par un va-et-vient entre, d’un côté, un récit-cadre prenant place dans un unique espace ressemblant à une chambre d’hôpital dans laquelle une jeune femme (la patiente) narre un rêve, une vision ou un souvenir à un homme (le médecin) et, de l’autre, une série de récits enchâssés ou « tableaux » qui matérialisent ou traduisent visuellement et acoustiquement le contenu de cette narration. Il faut noter que tout le long de sa narration, la patiente oscille entre un engagement avec son audience intradiégétique (le médecin) marqué par des jeux de regards directs et une narration quasi somatique des événements qu’elle décrit. Par exemple, lorsqu’elle évoque « la toile à laquelle je m’agrippais pour ne pas tomber », on la voit assise dans son lit s’accrochant fermement à sa blouse dans un mouvement plus proche de la vision quasi mystique que de la simple remémoration

Récit-cadre :

Le film s’ouvre sur une séquence présentant une femme habillée d’une blouse blanche de patiente et alitée dans une chambre sombre au carrelage noir et blanc qui évoque un damier d’échec et comprenant une seule fenêtre barrée. À son chevet, un homme, de dos et habillé d’une blouse blanche, est assis sur une chaise prenant des notes. La jeune femme, les yeux vers le plafond dans une position pensive, commence à narrer une séquence d’événements: « Je me souviens très bien du jour où cela m’arriva. Je dansais. Je dansais… C’est alors qu’un sentiment bizarre se fit jour en moi. Je dansais devant des portes vides qui s’ouvraient sur nulle part. Des portes béantes, des trous qui devenaient sphères, cubes, ballons. Des portes qu’on ne pouvait pas ouvrir parce qu’elles se fragmentaient dès qu’on voulait les traverser. » Zoom sur la patiente et mise en hors-champ progressive du médecin. Elle continue, de plus en plus animée : « Et je dansais toujours, cherchant quelque chose ou quelqu’un auquel je pourrais m’accrocher. Et c’est alors que je rencontrais la toile à laquelle je m’agrippais pour ne pas tomber dans la cage qui tournait… tournait… tournait. » Sur les derniers mots, le film opère une coupe et un recadrage dans l’axe sur la jeune femme qui se lève et s’approche de la caméra, créant un volet qui amorce le passage vers la première mise en images du récit de la patiente.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

02:36’ Premier « tableau »

Plus directement stylisé et évoquant les tableaux surréalistes de Giorgio de Chirico, le nouvel espace est délimité par une série de murs entrecoupés de plusieurs arches donnant sur une trame de fond peinte, elle-même composée d’arcades. S’éloignant de la caméra dans un léger pas de danse, la jeune fille, vêtue de la même robe/blouse maintenant verte, semble évoluer avec curiosité au sein de ce nouvel espace. En fond sonore, une composition bruitiste mélange des sons de cloches, d’horloges et d’alarmes, bientôt accompagnés d’une marche militaire jouée au tambour. La patiente pénètre dans une des arches. Lorsqu’elle en ressort, la musique change pour adopter une tonalité plus traditionnellement symphonique. Comme apeurée, la jeune femme se met à danser de manière plus agitée avant de pénétrer dans une des arches et se retrouver dans un troisième espace entièrement noir où flottent une série de formes, rappelant directement les « sphères, cubes, ballons » qu’elle évoquait précédemment. Après une courte danse au milieu de ces formes flottantes, une troisième coupe positionne la caméra en plongée sur la jeune femme. Une toile d’araignée apparait progressivement entre la caméra et la patiente qui s’y accroche avant que la toile ne commence à l’encercler puis (à travers une nouvelle coupe) se transforme en grillage circulaire emprisonnant la jeune femme comme dans une roue dont elle ne peut s’échapper.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)
Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

05:29’ Premier retour au récit-cadre

Le plan suivant nous ramène dans la chambre de la patiente. Elle tient dans ses mains un morceau de grillage qui disparaît progressivement. Elle poursuit sa narration : « Et j’ai été précipitée dans l’église, dans l’église de ma première communion. Les petites filles passaient sans me voir. Elles passaient comme des fantômes. J’étais la statue, le vitrail, la plante et l’ombre m’a saisi, entraîné dans la grotte… la grotte, refuge qui m’attirait et me repoussait. » Tout en continuant son récit, la patiente se lève et s’avance vers la fenêtre. « Des nains en défendaient les parages. Des nains qui riaient et jouaient sans m’apercevoir. Au creux de la grotte, je trouvais l’enfant. Un lourd petit enfant sans yeux. Je lui faisais manger des nourritures douces et visqueuses. Alors, j’ai fouillé ses orbites vides, énucléant avec précision ses globes oculaires ronds comme des billes d’agate, rondes et glauques. Et je les ai fait tomber au fond du bocal où nageaient translucides d’autres yeux que j’avais arrachés autrefois. » S’éloignant de la fenêtre, elle s’arrête, un bras nonchalamment levé devant elle, l’autre tombant derrière, et se met sur la pointe des pieds.

07:22’ Deuxième « tableau »

Par une coupe franche, le film nous emmène dans un nouvel espace très sombre et constitué d’une arche d’église et de trois vitraux, le tout posé devant un fond entièrement noir. Debout au milieu de l’arche, la jeune femme est figée dans la même position qui avait clos le plan précédent. Sa robe/blouse est cette fois tachée de rouge et de brun. Du hors-champ droit s’avance une procession de religieuses portant chacune un cierge. Un orgue joue une musique relativement enjouée en contrepoint avec l’ambiance visuelle plus sinistre. Les religieuses se positionnent en cortège et la jeune femme s’avance au sein de l’allée formée par les religieuses avant de s’arrêter vers l’une des figures encapuchonnées. Elle la touche et lorsque celle-ci se retourne, apparait sous le capuchon la patiente elle-même. Apeurée, la jeune femme se retourne et voit son reflet figé au sein d’un vitrail placé derrière elle. Composé de formes géométriques, le vitrail commence progressivement à se déstructurer, entraînant la décomposition de l’image du visage de la patiente qui se mêle au verre coloré ; contrechamp sur le visage de la jeune femme éclairé par des lumières colorées mouvantes, puis dédoublé verticalement et horizontalement, flouté, et enfin reflété dans un miroir brisé, le tout avec un fond sonore de musique concrète. Après un crescendo angoissant, la composition retrouve une certaine régularité tonale tandis que commencent à défiler plusieurs plans de la patiente reflétée dans une série de miroirs brisés qui fragmentent, une fois encore, son visage à la manière d’un tableau cubiste. Les deux plans suivants montrent le regard de la patiente directement face caméra, le reste de son visage d’abord occulté par un cache circulaire, puis par une couronne de feuilles d’arbres ne laissant apparaitre que son œil.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

Le plan suivant montre la jeune femme allongée sur un sol entièrement recouvert de feuilles d’arbres à l’exception d’un rocher en plastique et d’une petite plante. Elle se lève et l’on découvre à ce moment qu’elle était allongée sur une autre danseuse entièrement vêtue de noir qui, toujours allongée sur le sol, imite ses mouvements comme une ombre. Ayant rattrapé la patiente, son ombre se lève soudainement et saisit la jeune femme par le bras pour la tirer hors du champ. Une coupe et un changement d’angle de vue font apparaitre un arrière-plan dans lequel des nains gardent l’entrée d’une grotte. On entend des exclamations masculines en anglais. La figure vêtue de noir danse avec la jeune femme puis la chasse dans la grotte où cette dernière découvre le corps allongé d’une petite fille en tutu rose. Elle s’en approche, lui ouvre la bouche et y glisse plusieurs fils blancs et noirs. D’un geste naturel et sans violence, elle extrait ensuite les deux yeux de la petite fille avant de les mettre dans un vase contenant un liquide transparent.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

En trois plans successifs de plus en plus éloignés allant de son œil à son visage et finissant par un plan poitrine, le film révèle un nouvel espace dans lequel la jeune femme est transformée en aiguille d’un métronome géant sur une plage de sable vide. Un homme habillé en costume et chapeau haut de forme entre dans le champ en poursuivant un ballon jaune. Ce même homme, tenant son ballon dans les mains, passe devant la jeune femme-métronome sur un fond de musique inquiétante. Suivant le mouvement métronomique du visage de la patiente qui oscille de gauche à droite, le plan suivant la montre dans son lit, reproduisant le mouvement de balancier avec sa tête, toujours accompagnée du battement du métronome. Le film passe soudainement à un plan zénithal donnant à voir une immense spirale peinte sur le sol en rouge, noir et blanc sur laquelle danse la jeune femme au son d’une musique symphonique enjouée. Tournant de plus en plus vite, elle finit par s’écrouler par terre, puis se réveille dans son lit d’hôpital.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

16:56’ Deuxième retour au récit-cadre :

Regardant ses mains, la jeune femme continue sa narration : « Je me regarde dans les glaces et c’est l’autre qui me sourit et qui m’embrasse. Ma peau s’effrite, se gaufre et je l’arrache par lambeaux. » La patiente sombre à nouveau. Par un fondu au noir, le film retourne au récit enchâssé.

17:44’ Troisième « tableau »

Le nouveau décor rappelle la chambre d’hôpital tant par son carrelage en damier, que par l’angle du cadrage. Cependant, la chambre est maintenant peinte en rouge et noir et contient deux grands miroirs, un vertical, l’autre horizontal. Le lit et la fenêtre ont disparu. Regardant son reflet dans la glace, la patiente danse sur fond de musique jazz. La caméra se rapproche du miroir qui ne reflète rien. Soudain, glissant depuis la gauche, apparait la patiente allongée, avant qu’elle ne disparaisse, tout aussi soudainement, quand la jeune femme debout essaie de la toucher. Retour au plan large dans lequel la jeune femme fait quelques pas de côté pour aller vers le miroir vertical qui la reflète cette fois bel et bien. Un plan plus rapproché nous la montre dédoublée avant que le reflet traverse le miroir pour attraper la patiente par les épaules. Après une courte pause, la jeune femme s’éloigne du miroir et le reflet disparaît. Elle s’approche alors d’un plus petit miroir arrondi dans lequel apparait son visage. Le plan suivant, plus proche, nous la montre de dos, en plan taille, devant le miroir qui n’a plus de glace et a été remplacé par un fond rouge. Du bord gauche du cadre entre un double de la patiente qui semble léviter au-dessus de la jeune femme de dos. Le double se penche et embrasse la jeune femme sur la bouche. Une coupe renvoie vers un espace entièrement noir où la jeune femme, filmée en plein pied, danse en arrachant progressivement de larges lambeaux de sa peau. Un plan plus serré la montre enlevant la peau de son cou. Une fois encore, les effets visuels — limités ici à de simples carrés de fausse peau sous lesquels le corps de la patiente est peint de manière rudimentaire pour imiter la chair — marquent clairement l’intention poétique et surréaliste des séquences enchâssées. En plan poitrine, la jeune femme commence à se caresser les bras et le cou de manière extatique, avant que la scène ne soit interrompue par un fondu au noir.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)
Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

20:06’ Troisième retour au récit-cadre

La jeune femme est assise à genoux sur son lit. Le cadrage suggère un changement dans la disposition de la chambre. Elle continue sa narration : « Et je me suis couchée ». Elle se couche. « Et les draps sont devenus des vagues blanches qui m’ont enseveli dans un bouillonnement qui déferlait sur un lit d’or. Comme je le lui demandais, la morte est venue doucement, lentement. Elle a d’abord pris mon ventre qui s’est mis à grouiller, puis mes yeux. Et les noirs sont venus qui buvaient et dansaient autour de l’écrin de glace dans lequel ils m’avaient placée. Des noirs qui dansaient autour de la mort qui voulait leur parler et ne pouvait pas le faire parce qu’elle avait commencé à pourrir doucement. Ils l’ont jetée dans la mare où elle s’est mise à flotter très lentement sur l’onde calme et noire. Les nénuphars froissés soupirent autour d’elle. Sur le sable mouillé, sa chevelure dénouée dessine des serpents. » Dans le plan suivant, la chambre est filmée en plongée. Le médecin a disparu et la jeune femme est allongée dans son lit. La caméra zoome sur la patiente qui s’agite. Un drap blanc lui tombe dessus, faisant office de transition vers le récit enchâssé.

21:56’ Quatrième « tableau »

Un zoom arrière révèle la jeune fille, allongée cette fois dans un lit paré de dorures dans une chambre dont l’architecture reprend celle de la chambre d’hôpital, fenêtre à barreau incluse. Cependant, les murs du nouveau décor sont recouverts d’un papier peint au motif floral, blanc et rouge. Un second plan recentre le cadre vers de la fenêtre barrée tout en faisant apparaitre la patiente de l’autre côté des barreaux. Un fondu transforme ensuite la fenêtre en petit miroir orné au milieu duquel apparait toujours le visage de la patiente. La caméra s’approche révélant les larmes qui coulent le long des joues de la jeune femme alors qu’une marche funèbre débute en arrière-fond. Par un panoramique vertical descendant, le plan suivant passe du mur au lit où repose la jeune femme qui porte maintenant un maquillage bleuté indiquant qu’elle est « morte », comme annoncé dans le récit-cadre. Un autre mouvement panoramique, horizontal cette fois, s’éloigne du lit et la dévoile allongée dans un cercueil ouvert, orné de draperies noires. Dans cet athanée « surréaliste » entrent quatre hommes habillés de collants blancs, de frocs rouges et de chapeaux noirs. Leurs visages sont grimés en noir à la manière d’un Ministrel Show. Les hommes passent devant le cercueil en buvant, discutant et riant. Après avoir posé leurs verres, ils soulèvent le cercueil et l’emportent hors champ. Le plan suivant relocalise l’action en extérieur (décor naturel), dans une forêt de nuit, où le cortège funèbre, maintenant équipé de torches, s’avance en direction de la caméra, puis la dépasse. La série de plans suivante montre la procession longeant un lac, se dirigeant vers un ponton et plongeant le corps de la morte dans l’eau. Remplaçant la marche funèbre par une mélodie bucolique, le plan suivant montre la jeune femme, flottant paisiblement dans la mare, son corps entouré de nénuphars. La lumière intense de la lune éclaire la scène à l’iconographie ophélienne.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

26:55’ Quatrième retour au récit-cadre

La jeune femme est à nouveau allongée sur son lit d’hôpital. Elle continue sa narration : « Elle veut revivre, ressusciter, naître à nouveau. Elle cherche le sein, le bon sein qu’elle dévore pour prendre sa tiédeur qui la remplit. Mais le bon sein s’est transformé et le Pierrot funambulesque qui l’a pris à deux mains la menace. Elle voudrait s’en saisir pour le mordre et l’avaler. J’ai couru, dansé, couru après le Pierrot qui m’entraîne. Et je cours dans la boue fécale qui m’avale, m’aspire, m’absorbe. Et j’ai marché, dansé, marché, retrouvé le bon sein. Tout en parlant, elle se lève et quitte le champ. La scène continue dans le plan suivant où, devant la fenêtre, elle s’accroche aux barreaux et se laisse glisser vers le sol, puis remonte et quitte une fois encore le cadre.

27:58’ Cinquième « tableau »

Alors qu’on peut entendre le morceau célèbre de Dave Brubeck Take Five, la jeune femme, en gros plan, s’avance vers un mur violet. Un plan plus large la montre habillée en combinaison de couleur chair, dansant aux pieds d’une femme, vêtue d’une jupe et d’un chemisier, assise devant un berceau en bois. Alors que la patiente s’avance à genoux vers la femme, un plan rapproché dévoile le sein de cette dernière qu’elle offre à la jeune femme. Un court insert montre alors un nourrisson tétant le sein en gros plan avant qu’une nouvelle coupe affiche le visage de la jeune femme couvert de lait. Après un retour sur l’insert du bébé, le plan suivant nous montre la jeune femme poursuivant un biberon géant tenu par un homme habillé en Pierrot. Ce dernier l’entraîne dans une danse jazz énergique au sein d’un décor à nouveau composé de murs rouges et d’arches rappelant le premier « tableau ». Après un moment, la jeune femme parvient à s’échapper hors champ. Le plan suivant, tourné à nouveau en extérieur et en décor naturel, montre la jeune femme, toujours vêtue de sa combinaison couleur chair, courant dans un champ fraîchement labouré. La musique symphonique évoque une scène de chasse ou une course-poursuite et met l’emphase sur les difficultés de la jeune femme qui tombe puis rampe dans la boue, tentant en vain d’avancer en direction de la caméra.

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

30:35’ Cinquième retour au récit-cadre

Filmée en gros plan et à l’envers, la jeune femme, transpirante et essoufflée, continue sa narration  depuis son lit d’hôpital: « Je cours et je me retrouve écartelée, ouverte… ouverte à tous sur la route qui… encore. Encore. Pour que je me dissolve dans l’infini de la nuit. » Elle se calme, respire.

31:02’ Sixième et dernier « tableau »

De retour devant l’entrée de la grotte, filmée en plan large, le décor est chaotique :  une statue de cheval traine au milieu de déchets et un des nains est en train de vomir dans un sceau, pendant que deux autres dorment à ses côtés. La musique, plus entraînante et effrayante, renforce l’impression de chaos dramatique. Couchée sur une plateforme surélevée faite d’une roue de calèche et d’un tronc d’arbre, la jeune femme à la blouse tachée est étendue, immobile et amorphe. Du bord gauche supérieur entre alors la patiente dans un nouveau jeu de dédoublement. Elle longe le décor et s’arrête lorsqu’elle aperçoit son propre corps sur la roue qui se met à tourner sur elle-même. Le dernier plan zoome en plongée sur le corps de la jeune femme en mouvement avant qu’un fondu enchaîné ne la fasse disparaître, laissant sur la roue uniquement la blouse tachée de sang et de boue. La roue tourne de plus en plus vite et entraîne dans sa course le carton final qui apparait dans un fondu enchaîné : « FIN ».

Référence catalogue : n° 173

Ballet sur un thème paraphrénique (1962)

Références et documents externes

ABRAHAM, Karl, « L’araignée symbole onirique (1922) » , dans Karl ABRAHAM et al., Œuvres complètes/II, 1913-1925, Paris, Payot, 1965, pp. 146-150.

ÁLVAREZ VILLAR, Alfonso, « Crónica cultural española: Dos películas de Eric Duvivier: “El mundo del esquizofrénico” y “Ballet sobre un tema parafrénico” »,  Arbor, vol. 57, n° 220, avril 1964, p. 582.

BERTON, Mireille, « Filmer le trouble (neuro)psychiatrique au XXe siècle : du corps à la parole du sujet ? » Cinéma et psychiatrie en Suisse et en Europe (Hypothèse.org), disponible sur : https://waldau.hypotheses.org/7220 (consulté le 30 octobre 2023).

BONAH, Christian, « “Réservé strictement au corps médical” : les sociétés de production audiovisuelle d’Éric Duvivier, l’industrie pharmaceutique et leurs stratégies de co-production de films médicaux industriels, 1950-1980 », Cahiers d’histoire du Cnam, vol. 12, 2019, pp.133-158.

BONAH Christian, « Business and Art: Pharmaceutical Industries, Film Production and Circulation, and the French Film Production Company ScienceFilm, 1960-1980 », dans V. Hediger, F. Hoof, Y. Zimmermann & A. Scott (dir.), Films That Work Harder. The Global Circulations of Industrial Cinema, Amsterdam, AUP, 2023, pp. 679-706.

CHATEAU, Dominique, La subjectivité au cinéma : Représentations filmiques du subjectif, Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2012.

FREUD, Sigmund, L’interprétation du rêve, Paris, Seuil, 2010 [1899].

KLEIN, Melanie, La psychanalyse des enfants, Paris, Presses Univ. de France, 2016 [1932].

LEFEBVRE, Thierry, « Le film médical au XXe siècle. Le cinéma au service de la médecine et des médecins »,  dans Florence DOUGUET (dir.), Image et santé : Matériaux, outils, usages, Rennes :  Presses de l’EHESP, 2011, pp. 135-147.

LEFEBVRE, Thierry, « L’épopée de la cinémathèque Sandoz. », Revue d’histoire de la pharmacie, n° 383, 2014, pp. 393-404.

LUDWIG, Arnold M., « Altered states of consciousness », Archives of General Psychiatry Vol.15 (3), États-Unis: American Medical Association, 1966, pp.225–234.

PETRIKOVA, Lea, « Psychedelic Sandoz », Cahiers d’histoire du Cnam, Le cinématographe pour l’industrie et dans les entreprises (1890-1990), vol.12, 2019 173-180.

PIC, Muriel, « Avant-gardes et expérimentations des formes dans les revues pharmaceutiques suisses : le cas Sandorama (1962–1965) » Gesnerus, vol.77(1), 2020, pp. 64-101.

RANK, Otto, « Der Doppelgänger », Imago, vol.3 (2), 1914, pp. 97-164.

Contributeurs

Mathieu Donner & Timothée Zurbuchen, étudiants de Master à l’UNIL

[Conference] The NECS 2023 Conference: Care – University of Oslo – 13.-17. of June 2023 

Panels from the Media and Mental Health workgroup, led by Mireille Berton & Bregt Lameris

NECS Conference full program

Much as literature can “repair the world” (Gefen 2017), audiovisual cultures, practices, and imaginaries have, from the outset, tried repairing our conditions as victims, to fight against illness, to relieve our traumas, to foster our empathic inclination. By taking the opposite side of the discourse that laments the damaging effects of screens (analog and digital) on the psyche, these panels explore, through case studies, the restorative, healing and reconciling effects of audiovisual images in the field of mental health.

While moving images have often caused concern because of their suggestive power, they have also been perceived as a valuable tool for health education, and sometimes even for health itself. This is evidenced by the recommendations of doctors in defense of the motion pictures (Berton 2015, 2016. 2017; Toropova 2022), the construction, within hospital institutions, of spaces dedicated to cinematographic projections seen as a leisure activity supporting the mental balance of the patients (Hennefeld 2022), moving colors used to heal shell shock soldiers, such as Auroratone films (Pernuit 2021), or more recently the creation of multimedia or immersive dispositifs meant to represent mental illness such as Goliath. Playing with reality or have therapeutical effects (Cavaletti & Grossi 2020).

These panels invite us to reflect on the question of “care” understood in the broad sense at two levels: that of practices, discourses and representations regarding the therapeutic or restorative powers of the media; and that of the historical or archaeological approach, which consists of taking care of “fragile” objects such as films, images, sounds, media, audiovisual devices, etc. (Denis & Pontille 2022).

 

Article by Mary Hallock-Greenwalt published in Motion Picture News (August 1921)

Panel B2, 15th June, 11 am – Caring and Repairing through Audiovisual Images: Films and other Medias for Mental Health – Part I – Film and Video Chair: Mireille Berton (University of Lausanne)

  • Paper 1 –– Beatrice Irwin and the Therapeutic Culture of North American Screen Practices (1910–1940), Pierre-Jacques Pernuit (University of Paris I Panthéon-Sorbonne)
  • Paper 2 — Caring Colours, Bregt Lameris (Open University of the Netherlands)
  • Paper 3 — Videotherapy through self-confrontation. Methods and approaches in the IAAPP (International Working Group for Audiovision in Psychiatry and Psychotherapy) 1977–1999, Renée Winter (Department of Contemporary History at the University of Vienna)
  • Paper 4 — Between self-help and how-to: reproductive (mental) health and prenatal care on film 1920s–1970s, Katrin Pilz (Ludwig Boltzmann Institute for Digital History, Vienna)

Panel C2, 15th June, 14 pm – Caring for the Mentally Disordered; Learning Practice and Empathy from Mental Health Nursing Films Chair: Magdalena Zdrodowska (Jagiellonian University, Poland)

  • Paper 1 –– Papering over the cracks in nursing recruitment: a look at how films from the archives toe the line between fantasy and reality in mental healthcare, Angela Saward (Wellcome Collection, London)
  • Paper 2 –– Filming psychiatric nursing in Switzerland in the 1920s. A maieutic between “care” and “cure”, Raphaël Tinguely (University of Lausanne)
  • Paper 3 –– Studying research and teaching films in psychiatry: What practices of care?, Mireille Berton (University of Lausanne)

Panel D2, 16th June, 9 am – Caring and Repairing through Audiovisual Images: Films and other Medias for Mental Health – Part II – Digital Worlds Chair : Bregt Lameris (Open University of the Netherlands)

  • Paper 1 — On the Couch with Arielle and Mowgli. Therapeutic Narratives in Documentaries about Mental Illness, Janin Tschechel (University of Bonn)
  • Paper 2 The mediated practices and narratives of care. Artists and activists with disabilities under quarantine, Magdalena Zdrodowska (Jagiellonian University, Poland)
  • Paper 3 — Taking Care. VR, Immersiveness, Intimacy, Elisabetta Modena
  • Paper 4 –– Take Care of Your Digital Self: On the Usage of Virtual Reality in Contemporary Psychotherapy Practices, Federica Cavaletti & Giancarlo Grossi (University of Milan)

Panel I9, 17th June, 14 pm – Mental Health in Film and Television

  • Paper 1 – Everything Calls for Salvation: Caring for Mental Health among Adolescent through a TV Show, Romana Andó (Sapienza University of Rome) & Leonardo Campagna (Sapienza University of Rome)
  • Paper 2 – Consenting When in a Vulnerable Position: An Ethical Discussion on TV Participation, Kjersti Blehr Lånkan (Oslo Metropolitan University)
  • Paper 3 – Institutional Films From the Waldau’s Psychiatric Film Collections, or the Shift From the “Cure Gaze” to the “Care Gaze”, Elodie Murtas (University of Lausanne)
  • Paper 4 – Cinemas of Insanity: Popular Culture and the Precarization of Care, Simon Schleusener (Freie Universität Berlin)

NECS Conference full program



[Colloque] L’audiovisuel en question. Etat des lieux et perspectives

Colloque international organisé par Mireille Berton, François Vallotton & Anne-Katrin Weber, en collaboration avec le réseau le réseau mediahistory.ch, 24-25 novembre 2022 – UNIL Lien

Flyer du colloque

Visant à interroger la portée heuristique de la notion d’audiovisuel et des termes qui lui sont associés, ce colloque abordera par certains aspects le domaine de l’enseignement.

Dans l’après-guerre, la réflexion sur l’intégration des moyens audiovisuels (film, télévision, diapositives, etc.) dans l’enseignement primaire, secondaire et tertiaire prend un élan décisif aux États-Unis où les pouvoirs publics se mobilisent afin de mesurer leur valeur pédagogique. Le pédagogue Edgar Dale (1900-1985) est l’une des figures de proue de cette réflexion conduite grâce au soutien de la Fondation Payne — également intéressée, dans les années 1930, par l’étude des effets du cinéma sur le public (Acland 2017). Comme l’explique Gilles Delavaud, cette réflexion est importée en Europe grâce à des universitaires français ayant passé un séjour à l’Université de Columbia où l’on étudie de près les potentialités des technologies audiovisuelles en termes d’éducation, d’enseignement, de recherche, etc. (Delavaud 2010).

Grâce, notamment, à l’expertise de ce groupe de chercheurs, la direction générale de l’enseignement supérieur française décide de créer en 1947 l’École normale supérieure de Saint-Cloud. Il s’agit d’« un laboratoire de pédagogie qui s’adonne […] à l’étude comparative des moyens audio-visuels et de télé-enseignement et s’efforce d’établir une doctrine d’emploi », écrit le Professeur André Lemaire (1898-1994) dans Le Monde (Lemaire 1964).

Article d’André Lemaire dans Le Monde (1964)

Alors professeur de Clinique médicale à l’Hôpital Saint-Antoine, Lemaire définit l’audio-visuel comme « l’ensemble des moyens capables non seulement d’accélérer le flux d’informations passant des éducateurs aux élèves, mais aussi de rendre sensorielle l’approche de questions généralement ardues dans leur présentation conventionnelle ». Ainsi, l’image audio-visuelle est-elle devenue un moyen privilégié pour « exprimer et communiquer la pensée ».

« L’audio-visuel englobe toutes les techniques de transmission de l’image et du son exigeant l’intervention de machines pour la production, l’enregistrement, la reproduction de documents (R. Lefranc). En ce qui concerne l’image, il utilise des matériaux graphiques tels que photographies, tableaux, maquettes, vues et films fixes, films animés, et dans l’ordre sonore, la radio, les disques, les bandes magnétiques. La conjonction du visuel et du sonore se réalise au mieux par le cinéma et la télévision. »

Dans le contexte universitaire, l’audio-visuel peut être interne — « la gamme des machines culturelles qu’il emploie va du banal épidiascope au circuit fermé de télévision dont il n’existe en France qu’une trentaine d’exemplaires contre quatre cents aux États-Unis » — ou externe, selon la logique du « télé-enseignement ». Celui-ci « intéresse les étudiants qui apprennent hors des murs de l’université et qui, exerçant un métier, ne peuvent s’instruire qu’en marge de leur activité professionnelle ».

Passant en revue les différentes modalités d’usage des moyens audiovisuels, Lemaire estime que « pour l’enseignement et la recherche en biologie et en physiologie, le film et la télévision offrent d’énormes avantages ». Pour les chercheurs, « le film procure l’avantage d’un témoignage irrécusable », se prêtant à des « observations répétées » et à des « échanges entre spécialistes ». Pour « l’enseignement clinique, c’est-à-dire celui qui se fait directement sur le malade, peut-on dire, l’audio-visuel est assuré d’un non moins bel avenir, mais sous certaines conditions ».

Le film et la télévision sont « souverains » dans deux cas : filmer les opérations chirurgicales (« la caméra est mieux placée pour voir les moindres détails que les aides mêmes de l’opérateur ») et « les caractères cliniques des maladies, leurs signes de laboratoire, leur évolution ». Lemaire émet des réserves quant au cours magistral « télévisé » : « Il ne faut pas compter sur les machines pour faire une leçon sans faille ou une pédagogie sans effort » – des propos qui ont un écho particulier après nos expériences d’enseignement à distance par écrans interposés.

Cet article témoigne de l’intérêt renouvelé pour l’audio-visuel dans le secteur de l’enseignement supérieur (universités, écoles d’art, écoles professionnelles, etc.). En Suisse, il se développe dès les années 1960, comme l’illustrent les discussions autour de la création d’un Centre d’enseignement audio-visuel au sein de la Faculté de médecine de Lausanne (Bulletin de la séance du Grand Conseil, séance du 18 novembre 1976, sur Scriptorium).

Mais si les années 1960-1990 sont des décennies phares dans le développement d’infrastructures, de pratiques et de discours sur les forces et les limites de l’audiovisuel dans l’enseignement médical, elles sont précédées par de multiples initiatives qui, comme l’avèrent les collections Waldau, anticipent les propos tenus par André Lemaire, lequel semble découvrir un terrain encore vierge (cf. son expression “bel avenir”). Ses arguments, en effet, répètent ce que d’autres observateurs ont dit des atouts de l’image animée pour la recherche et l’enseignement, à l’instar du chirurgien Eugène-Louis Doyen ou du neurologue Paul Sainton.

On pourra objecter que beaucoup des premiers films médicaux étaient privés de bande son, le terme « audio-visuel » impliquant à la fois la vision et l’audition. Pas si l’on prend en compte une autre conception du terme audiovisuel, celle proposée par Michel Chion en 1990 dans L’audio-vision. Son et images au cinéma. Même muet, estime-t-il, le film est en mesure d’exprimer ou de suggérer des sons à travers la composition visuelle et le montage. Tout film apporte ainsi ce qu’il appelle des « informations perceptives transsensorielles », les images étant susceptibles de spatialiser le son.

Par ce tour de passe-passe théorique, j’invite toutes les personnes intéressées à venir sur le campus de Dorigny, le 24 et le 25 novembre pour en savoir plus sur l’audiovisuel, en particulier en Suisse.

L’audiovisuel en question  : état des lieux et perspectives (ouvert au public) (voir aussi le programme ci-dessous)

MB

The Educational Screen (1946)

Références

Charles R. ACLAND, « American AV. Edgar Dale and the Information Age Classroom », Technology and Culture, vol. 58, n°2, 2017, pp. 392-421. DOI : 10.1353/tech.2017.0041

Michel CHION, L’audio-vision. Son et images au cinéma, Paris, Armand Colin, 2021 (1990) (5ème édition).

Gilles DELAVAUD, « Historique du terme “audiovisuel” », dans Pascale Cassagnau, Isabelle Giannattasio, Marc Vernet (dir.), Archimages 2010 : de la création à l’exposition : les impermanences de l’œuvre audiovisuelle : actes du colloque des 17-19 novembre 2010, aaar.fr/wp-content/uploads/2010/11/122209_actes_archimages_2010.pdf, p. 25-28.

André LEMAIRE, « L’actualité médicale : l’audio-visuel et l’enseignement médical », Le Monde, 13 juillet 1964, p. 11.

Programme

Jeudi 24 novembre – Géopolis 2208

Modération : Mireille Berton

14h00 – Keynote – Olivier Lugon, Université de Lausanne 

L’audiovisuel, un art graphique : édition, graphisme et projection dans les années 1950-1970

Modération : Anne-Katrin Weber

15h15 – Pierre-Jacques Pernuit, Université Paris I Panthéon-Sorbonne

Théorie, pratique et régulation d’une « invention féminine » : Mary Hallock-Greenewalt et l’esthétique de l’audiovision [1900-1930] 

15h45Stefanie Bräuer, Université de Bâle

Audiovisuality Reconsidered: The Electronic Oscilloscope and Sound-Image Transformation

Modération : Mireille Berton

17h15 – Gabrielle Duboux, Université de Lausanne

Déploiement et planification des « aides audiovisuelles » au service du secteur universitaire : les Facultés de médecine de Berne et Lausanne

17h45 – Judith Rehmann & Jeanine Reutemann, ETH Zurich

Creative Pleasure in the World of Science Film: Establishing the Audio-Visual as an Epistemological Tool in Academic Culture

Vendredi 25 novembre – Anthropole 2055

Modération : Maria Tortajada

9h15 – Stéphanie Serra, Université de Lausanne

Toutes les images et les sons ensemble. Jean-Luc Godard et la tentative de l’exposition. Ou : pour une définition élargie de l’Audio-Visuel.

9h45 – Guillaume Soulez, Université de la Sorbonne Nouvelle

Schaeffer : de l’audio-vision à l’audio-visuel et retour, parcours d’une pensée

Modération : Anne-Katrin Weber

11h00 Keynote – Judith Keilbach, Utrecht University

Challenging Audiovisual Archives: Materialities, Hierarchies and the Uncertain Future of Television (Archives)

Modération : François Vallotton                                           

13h30 – Felix Rauh, Memoriav

Du bon usage des sources audiovisuelles en Suisse. Le rôle de Memoriav dans la sauvegarde de l’inventaire et la valorisation du patrimoine sonore et visuel

14h00 – Felix Wirth, Museum ENTER

From the Clouds into The Museum. The History of Swiss Sky Projectors from a Media-Historical and Museological Perspective 

15h15 – Rencontre Réseau Mediahistory.ch

Billet sous licence CC BY SA

[Note de recherche] La cinématographie scientifique selon Roberto Omegna (1876-1948)

Employé, puis directeur de la société de production turinoise Ambrosio Film, ainsi que responsable, entre 1926 et 1942, de l’Istituto Luce à Rome (section scientifique de l’Unione Cinematografica Educativa), Roberto Omegna est un connu pour être un pionner du cinéma en Italie.

Il s’est rapidement spécialisé dans deux « genres » : le film scientifique et le film de voyage. Psychatrie-neurologie, médecine, botanique, géologie, vie animalière, agriculture, etc., tels sont quelques-uns des domaines qu’il a couverts, toujours en collaboration avec des experts scientifiques (voir Vita delle Farfalle, 1924).

Roberto Omegna a marqué l’histoire du cinéma psychiatrique grâce à sa collaboration avec le neurologue Camillo Negro (1961-1927) dans le cadre du film Neuropatologia (1908-1915), composé d’une série de captations montrant différents troubles du mouvement, dont des symptômes d’obusite (shellshock) chez des soldats de la Première Guerre mondiale.

Neuropatologie (Camillo Negro & Roberto Omegna, 1908-1915). Ici, capture d’écran d’un film tourné en 1915 à l’Hôpital militaire de Turin.

Publié en 1939 dans la revue historique Bianco e Nero (du Centro Sperimentale di Cinematografia) fondée deux plus tôt, l’article « Cinematografia scientifica » nous fait découvrir le point de vue de Roberto Omegna sur les applications du cinéma dans le secteur scientifique. Il s’agit pour lui de mettre en évidence les difficultés qu’entraîne la réalisation d’une bonne prise de vue, en particulier quand les phénomènes sont éphémères ou labiles. Mais il brosse également le portrait idéal de celui qui souhaite se lancer dans la cinématographie scientifique, laquelle exige d’être animé « d’une grande volonté, de calme, de patience, d’équilibre et d’objectivité ».

Nous avons le plaisir d’offrir aux lectrices et lecteurs du carnet de recherche un long extrait de cet article traduit en français.

Roberto Omegna (1876-1948)

« Souvent, les personnes qui assistent à la projection d’un de mes films me posent des questions pour savoir comment j’ai réussi à faire tel ou tel plan. Tout aussi souvent, ils sont amenés à élaborer dans leur cerveau des solutions qui sont loin d’être exactes, car elles ne tiennent pas compte de nombreux facteurs et circonstances qui ont un impact négatif sur la réussite de la prise de vue.  

Les difficultés à surmonter lors du tournage de films scientifiques sont nombreuses et tout ne se déroule pas aussi facilement qu’il n’y paraît parfois. Et ce, même lorsque vous disposez de cabinets de préparation et d’investigation parfaitement équipés. Avec tout cela, il ne faut pas perdre courage. Au contraire, pour l’amateur de cette œuvre, les difficultés sont un aiguillon, et l’esprit et l’âme, dans la recherche laborieuse, mais réfléchie, de solutions, trouvent un élément vivifiant qui rend la conquête plus belle.

Roberto Omegna, « Cinematografia scientifica », Bianco e Nero, année III, n° 11, novembre 1939

Malheureusement, surtout lorsqu’on travaille sur des êtres infiniment petits ou sur des êtres microscopiques vivants mais très délicats, les difficultés deviennent de plus en plus sérieuses, car on rencontre des éléments contradictoires. L’un d’entre eux, par exemple, est le fait que, pour obtenir une bonne photographie, il faut une source lumineuse puissante, dont la composition même, surtout dans ses limites extrêmes d’ultraviolets et d’infrarouges, a des causes qui perturbent et souvent détruisent la vitalité cellulaire.

Certains objectent que, avec les émulsions panchromatiques modernes très sensibles et les filtres sélectifs, toutes les difficultés peuvent être facilement surmontées. C’est vrai en théorie, mais dans la pratique, malheureusement, les choses sont tout autres : à chaque instant, peut-on dire, apparaissent des quidams perturbateurs qu’il faut d’abord identifier puis, par des études et des tests, éliminer.

Celui qui s’applique donc à la cinématographie scientifique, même s’il est flanqué et assisté d’illustres scientifiques, doit continuellement étudier et se tenir au courant des inventions scientifiques les plus récentes, surtout dans le domaine de la physico-chimie, car la base de la photographie reste la lumière, les objectifs et les émulsions sensibles. Chaque conquête dans ce domaine peut représenter un réel progrès et nous permettre de surmonter les difficultés qui sont restées insurmontables jusqu’à présent et qui entravent la réalisation du succès.

D’autre part, il ne faut pas croire de manière trop simpliste que pour faire de bons films scientifiques, il suffit d’avoir de bonnes caméras et un bon opérateur guidé par un scientifique, car l’opérateur et le scientifique auront beau se comprendre, ils ne parviendront jamais à créer cette fusion parfaite et intime entre eux, qui est la première, sinon la seule, base du succès. L’idéal serait que l’opérateur soit un scientifique et vice versa. Dans ce cas, on éliminerait le grave inconvénient qui se produit souvent, à savoir celui du scientifique qui, connaissant à fond chaque détail minimal de l’objet à filmer, avec son œil mental trompe presque son œil physique, voyant davantage que ce qui est capté par l’objectif.

Roberto Omegna prépare un documentaire sur la vie de canaries (1938, Isituto Luce)

Ceux qui s’appliquent à la cinématographie scientifique doivent également être animés d’une grande volonté, de calme, de patience, d’équilibre et d’objectivité. La patience et l’équilibre sont les deux éléments les plus importants. En effet, de manière générale, le tournage de films scientifiques nécessite un travail assidu et continu, qui met les nerfs de l’opérateur à rude épreuve. Une fois le travail commencé, il ne peut y avoir de pause, car le phénomène filmé ne connaît pas d’arrêt, et une fois qu’il a commencé, il poursuit sans cesse son cycle d’évolution jusqu’à son parfait achèvement.

Pour cette raison, le temps ne compte plus et, si nécessaire, il faut rester sur la brèche même des jours et des nuits, de manière continue, inflexible, en luttant contre la fatigue et le sommeil. Un équilibre maximal est nécessaire pour éviter de déformer la prise de vue. Le film scientifique, en effet, se présente comme une analyse vraie et propre, dans laquelle il faut procéder avec une objectivité totale, afin de ne pas introduire d’éléments qui puissent déséquilibrer le phénomène, en faussant sa détermination partielle et finale.

Titre du film de Virgilio Tosi consacré à Roberto Omegna : “Un pioniere del cinema scientifico. Roberto Omegna 1876 – 1948 ” (Istituto Luce, 1974). Lien

Il suffit, par exemple, qu’exalté par la beauté du phénomène qui se produit, et poussé, comme cela arrive naturellement, par le désir de le voir s’achever, on intervienne avec un facteur d’accélération (chaleur, humidité, intensité magnétique plus grandes, etc.) pour que le cycle évolutif ne soit plus normal et qu’on doive, une fois le travail terminé, ramener le phénomène à sa normalité.

Mais si cela peut avoir un effet peu dommageable dans le cas d’un film didactique, il en va autrement pour un film de recherche scientifique, car le temps sur lequel se déroule un phénomène est également un élément de la plus haute importance. La cinématographie scientifique est destinée à un grand avenir tant dans le domaine didactique que dans celui de la recherche. »

Source : Roberto Omegna, « Cinematografia scientifica », Bianco e Nero, année III, n° 11, novembre 1939, pp. 58-61

[Note de recherche] Le cinéma, « agent propagateur d’hygiène »

Très tôt dans l’histoire des discours sur le cinéma émerge l’idée de mettre celui-ci au service de la santé du corps individuel et social. À contre-courant de ceux qui déplorent les effets délétères des projections lumineuses (en particulier sur les enfants), des médecins, pédagogues et professionnels du cinéma mettent en évidence leur potentiel thérapeutique et éducatif. À condition toutefois que le film soit moralement irréprochable, produit avec l’expertise d’un savant ou encadré par un commentaire qui oriente sa lecture. On connaît désormais les travaux et les thèses du président de la Ligue d’Hygiène Mentale, Édouard Toulouse qui, dès 1912, souligne les bienfaits du cinématographe pour le corps et l’esprit : « D’un point de vue de l’hygiéniste, il est – comme moyen de récréation – à la fois le plus dérivatif des préoccupations obsédantes, et plus reposant pour notre attention intellectuelle qui n’a pas à suivre de conversation dans un langage dramatique, toujours un peu inaccoutumé », affirme-t-il (Toulouse 1912, 2010). Selon certains docteurs, à l’instar de Toulouse, le cinéma soulage la fatigue nerveuse et dynamise les personnes souffrant d’apathie ou d’aboulie.

On connaît cependant un peu moins les discours qui se sont développés au même moment en Suisse, bien qu’ils soient très analogues à ceux des pays voisins, comme le remarquent Gianni Haver et Pierre-Emmanuel Jaques dans Le spectacle cinématographique en Suisse (1895-1945) (Haver & Jaques 2003, 36). Comme en France, après une période de méfiance vis-à-vis d’un divertissement jugé vulgaire, la fin de la première décennie du XXe siècle marque un changement d’attitude. Des « pédagogues recourent à des films lors de conférences […] et mettent en évidence la force de persuasion et le caractère de démonstration de ces images » (idem). Constatant la portée universelle et le succès populaire inégalé du cinéma, les élites intellectuelles encouragent volontiers la production de films d’éducation à la santé.

E. By [Edmond Bohy ?], « De l’utilisation du cinématographe à des fins de bienfaisance et de propagande », Kinema, n°39, 1917, pp. 4-6.

Créée en 1911 par l’Union des Intéressés de la branche cinématographique de la Suisse, la revue Kinema constitue un lieu important de débats sur la nature et les fonctions du médium. Elle accueille deux types de discours en apparence contradictoires mais qui s’avèrent complémentaires : celui qui plaide « pour la valeur morale, culturelle et pédagogique du cinéma » (Haver & Jaques 2003, 97) et celui qui milite pour la réforme du cinéma (Kinoreform) dans le but d’assainir ce spectacle dont l’emprise sur les esprits inquiète (voir Haver & Jaques 2003, 96-98). Convaincu du besoin de développer les usages éducatifs du film, Edmond By déclare que « l’influence exercée par le cinématographe sur la vie émotive du grand public de notre époque est beaucoup plus prononcée et plus profonde qu’on ne s’en doute généralement ». Car le cinéma offre une « image vivante, d’un caractère plus subtil, plus parfait en son genre et qui pour la première fois révéla l’expression de phénomènes en perpétuelle voie de transformation » (By 1917). C’est pourquoi, estime-t-il, il convient de tirer parti d’une telle invention : « Faire contribuer les projections cinématographiques à augmenter la somme de bien-être social, en éclairant les masses sur les dangers qui les menacent et sur les mesures propres à les en préserver, comme en les éclairant aussi sur différents sujets d’ordre scientifique et social. »

Ernst Utzinger, « Le cinématographe au service de l’hygiène », Kinema, n°12, 24 mars 1917, pp. 1-2.

Le rédacteur en chef de Kinema, Ernst Utzinger, partage le même avis. Dans un article traduit de l’allemand intitulé « Le cinématographe au service de l’hygiène », il attire l’attention sur la nécessité, pour les professionnels du cinéma, d’exploiter le cinéma au bénéfice de l’hygiène (Utzinger 1917). Présenté comme « un agent propagateur » d’hygiène, le cinéma est apte à combattre « la superstition et l’ignorance », favorisant au passage « les progrès de la science médicale moderne ». Insistant sur la puissance de conviction du médium filmique, il écrit :

« Le film, en effet, est susceptible de révéler de la manière la plus expressive que l’on puisse imaginer, des choses dont il est impossible de se faire une idée d’après lecture ou même d’après description, à moins que l’on ne soit très versé dans la branche que cela concerne. Preuves en soient les étonnantes conceptions généralement répandues sur les microbes. Dès qu’on a pu voir ces derniers tels qu’ils sont réellement, soit vivants, soient représentés dans leur activité par le film, il va sans dire que les notions changent aussitôt qu’on se fait une idée toute nouvelle du danger qu’ils présentent pour notre corps. L’expérience a d’ailleurs prouvé que les sujets cinématographiques empruntés au domaine de la bactériologie ont trouvé un excellent accueil auprès du public. La circulation du sang et diverses questions de médecine éveillent en général beaucoup d’intérêt. C’est pourquoi il faut tendre à donner un essor bien plus grand que jusqu’ici à des représentations cinématographiques comportant des sujets d’enseignement médical et surtout hygiénique dont le succès est dès maintenant à peu près certain. »

Jean Comandon présente ses travaux à l’Académie de médecine, illustration parue dans Je Sais tout, janvier 1914

Révélés et agrandis par l’écran, bactéries et microbes, d’habitude invisibles, acquièrent un statut de réalité et une force probatoire inédits. La rhétorique visuelle des films de prévention sanitaire mise d’ailleurs régulièrement sur ce jeu d’échelles et sur la dialectique visible-invisible pour entraîner l’adhésion des spectateurs, d’autant plus lorsqu’il s’agit d’exposer les dommages entraînés par des maladies contagieuses. De sorte que de nombreux films d’éducation sanitaire « conjurent » le caractère insaisissable de la maladie en multipliant les images de l’infection et de son possible parcours par le biais de techniques telles que la microcinématographie, les tableaux ou l’animation didactiques (Ostherr 2005).

Bien plus efficace que le livre, le film doit être envisagé, toujours selon Utzinger, comme un outil d’éducation à l’hygiène mentale et physique de premier ordre – une idée mise en acte au même moment par la production de films de propagande et de prévention sanitaire. Les avantages de ce genre de productions sont selon lui multiples : permettre aux médecins de vulgariser leur science pour le bien public, aux exploitants de salle d’améliorer leur « position sociale » et à la société de faire progresser l’hygiène.

On doit le dire (Marius O’Galop, France, 1918), film antisyphilitique combinant animation et images en prise de vue réelle, notamment une séquence micrographique du Dr Jean Comandon reprise dans de nombreux films et qui “montre en réalité des bactéries dans la cornée d’un lapin atteint de kératite syphilitique”. Ces captures d’écran se réfèrent à la visite classique à l’hôpital des vérolés qui permet de prendre la mesure des conséquences physiques de la maladie (source : Syphilis et cinéma : prophylaxie, CineMed, UNIGE)

Mais, estime Utzinger, pour que cela fonctionne, il faut rendre « cette sorte de cours d’hygiène par le cinématographe » aussi attrayant que possible pour le grand public, « en se bornant, au début, à faire entrer dans le programme ordinaire un seul sujet du domaine qui nous occupe » (c’est le principe du pré-programme auxquels seront réservés de nombreux films médicaux). Par la suite, on pourra envisager d’organiser des séances spéciales dédiées uniquement à la santé : « Chacune de ses séries de vues seraient accompagnées de brèves explications lues à haute voix et rédigées par des médecins de telle façon que le but poursuivi, l’enseignement hygiénique, soit rendu plus vivant par la démonstration qu’il accompagne », précise Utzinger qui se réfère à un collègue allemand, le Dr Fürst, lequel, dès 1910, appelle à la coordination entre fabricants de vues, exploitants, éducateurs et écoles.

Ernst Utzinger conclut : « Il est évident qu’en accentuant la direction du cinéma dans ce côté-là, on gagnerait du même coup à sa cause les sympathisants de plusieurs catégories de personnes qui pourraient lui être utiles à de nombreux égards. On peut également être assuré d’avance que beaucoup d’écoles inférieures ou supérieures s’intéresseraient vivement à des programmes de ce genre et nous ne doutons pas qu’il serait facile d’obtenir l’autorisation d’ouvrir les cinématographes, durant les après-midis par exemple, pour des représentations spéciales de ce nouveau genre d’enseignement ».

Ces propositions ne resteront pas lettre morte puisque, dans les années 1920, les projections « spéciales » se multiplient en Suisse, qu’elles portent sur l’éducation sexuelle des jeunes, l’hygiène du mariage ou les dangers de la tuberculose. En examinant quelques titres de la presse suisse romande, on constate que les initiatives en faveur d’un cinéma d’éducation à l’hygiène se propagent. Les projections sont la plupart du temps organisées dans les salles établies et accompagnées d’exposés de médecins, comme au Cinéma Apollo de Payerne où le film Misère humaine succède à une conférence donnée par le Dr Vodoz sur les maladies vénériennes (Le Nord Vaudois, 24 avril 1925). Rares sont en effet les événements qui ne soient pas escortés d’un discours savant livrant les clés nécessaires à la bonne réception du film, comme si le film n’était qu’une partie d’un dispositif pédagogique plus vaste.

Collection Cinémathèque suisse

À la rubrique « Dans nos cinémas » de la Feuille d’Avis de Lausanne, on présente en ces termes un film de sensibilisation à la tuberculose montré dans la salle lausannoise le Lumen :

« Le film médical a fait des progrès considérables. Il devient une illustration vigoureuse de l’enseignement et des théories des médecins. Aussi vulgarise-t-il pour le plus profit de la collectivité, certains principes fondamentaux de l’hygiène et de la thérapeutique. L’ennemie invisible ! c’est une description de la tuberculose, une description impitoyable où l’objectif ne voile rien. L’horrible maladie y apparaît dans toute sa laideur. Par instant on est traversé d’un frisson d’horreur. Voici des peaux et des visages rongés, voici des corps atrocement décharnés. Ailleurs l’écran se couvre de visions hallucinantes. L’imagination romantique ou le réalisme du XVe siècle n’ont jamais été aussi loin. L’objectif scrute des chairs ouvertes où le ciseau du chirurgien coupe. Éclair de l’acier ! Le gros plan ne nous épargne pas, il rend palpable ce corps endormi, ce trou béant dans lequel la main du praticien cherche le mal. C’est la première fois que je vois un tel spectacle à l’écran. C’est une sorte de poème vigoureux et abject. Le film est du reste optimiste : il conclut à la guérison possible. Il montre que la maladie peut être coupée, si l’on sait adopter suffisamment tôt les mesures d’hygiène nécessaires. Au point de vue cinéma, il est excellent et l’image de l’opération est vraiment remarquable. Mais il faut avoir le cœur solide pour ne point se laisser troubler par de telles visions. »

Comparé au scalpel du chirurgien, l’objectif du cinéma dévoile ici des réalités terrifiantes qui fascinent autant qu’elles rebutent. Sans avoir vu le film, on peut légitimement penser que L’ennemie invisible vise à influencer les spectateurs à travers une « mise en scène vériste et dramatique de comportements néfastes à la santé qui produisent des effets de vérité, de réalité et de conviction qui participent à l’intériorisation de codes, de normes, de représentations » (Panese, 2009, 61). Les films de prophylaxie antivénérienne produits dès la Première Guerre mondiale font appel à des stratégies rhétoriques similaires : un récit édifiant conduit le public à reconnaître les sources de la contagion (la grande ville, les prostituées), les dangers qui détournent la personne infectée du droit chemin (le déni, le recours à des faux remèdes vendus par des charlatans) et les solutions pour guérir (la consultation auprès d’un médecin diligenté) (Parascandola 2007 ; Ostherr 2012 ; Vignaux 2009 ; projet Syphilis et cinéma : prophylaxie, UNIGE).

Mais pour convaincre, ces productions choisissent de frapper les esprits en intégrant des images saisissantes, un aspect qui transparaît explicitement dans l’article de la Feuille d’Avis de Lausanne : « L’horrible maladie y apparaît dans toute sa laideur. Par instant on est traversé d’un frisson d’horreur. Voici des peaux et des visages rongés, voici des corps atrocement décharnés », clame le journaliste. La maladie n’est pas tant ici synonyme d’altérité que de laideur, inspirant répulsion et dégoût. La présence, au sein de films d’information médicale, d’images « spectaculaires » flattant le goût du morbide, voire le voyeurisme, ne manque pas de susciter la polémique, comme l’explique Martin S. Pernick pour le contexte anglo-saxon (Pernick 2007). Deux éléments sont alors en cause : le caractère cru de certains plans jugés impropres ou malsains et l’hybridité d’un discours supposément scientifique qui puise dans les codes de la fiction. Défiant les habitudes perceptives du public heurté par les stigmates de la maladie exhibés sur grand écran, mais également les tentatives de classification à une époque où les genres et formats sont encore relativement instables, les films de prévention sanitaire seront peu à peu mis à l’écart du circuit de l’exploitation commerciale.

Feuille d’Avis de Montreux, 3 décembre 1929

Il n’en reste pas moins que l’usage du cinéma dans le domaine de l’hygiène et de la prophylaxie continuera de se frayer un chemin, inspirant à Henry de Forge l’idée d’une « septième science », « auxiliaire précieux pour le médecin » et moyen « de vulgarisation méthodique d’hygiène ». Dans un article intitulé « Ciné-Santé » paru dans la Feuille d’Avis de Montreux, on peut lire : « Admirons ces remarquables efforts de l’invention nouvelle, qui peut s’appeler non seulement le septième art, mais la septième science, de plus en plus utile pour la connaissance des êtres humains, non plus dans leur grâce, leur fantaisie ou leurs prouesses, mais dans la connaissance de leur santé, même en ce qu’elle peut avoir de douloureux ». (De Forge 1929).

Cet apprentissage par la « douleur » a-t-il eu l’effet escompté par les avocats d’un cinéma éducateur ? Si le succès populaire de ces films est confirmé par de nombreux travaux (Bonah et al. 2018 ; Reagan et al. 2007), ils ne participent cependant pas à modifier en profondeur les comportements. Selon Martin S. Pernick, ils contribuent surtout à hisser les médecins au rang d’experts en matière d’hygiène et de santé, et à encourager la pratique des visites médicales régulières. En attestent une étude conduite en 1919 par des psychologues de l’Université John Hopkins, John B. Watson et Karl S. Lashley, à partir d’un film antisyphilitique : celui-ci améliore surtout la foi en la science et en la médecine, à défaut d’influencer concrètement le rapport à la sexualité.

De quoi décevoir les espoirs d’un journaliste qui, dans Le Droit du Peuple, déclare avec emphase : « Vulgariser l’hygiène par l’enseignement, par des conférences, par le cinéma, c’est acculer la maladie dans ses derniers retranchements, c’est améliorer la race, c’est faire entrer le bonheur dans la famille » (Turbin 1922).

Références

Sources

  • Anon., Feuille d’Avis de Lausanne, rubrique Dans nos cinémas, 16 avril 1923, n°88, p. 12.
  • By E. [Edmond Bohy ?], « De l’utilisation du cinématographe à des fins de bienfaisance et de propagande », Kinema, n°39, 1917, pp. 4-6.
  • Forge, Henry de, « Ciné-Santé », Feuille d’Avis de Montreux, 3 décembre 1929, n°283, p. 1.
  • Toulouse, Édouard, « Psychologie du cinéma », Le Figaro, mercredi 28 août 1912 [publié et commenté par Jean-Paul Morel, « Le Docteur Toulouse ou le cinéma vu par un psycho-physiologiste (1912-1928) », 1895, n° 60, mars 2010].
  • Turbin A., « Une lacune », Le Droit du Peuple. Quotidien socialiste, 22 mars 1922, n°68, p. 1.
  • Utzinger, Ernst, « Le cinématographe au service de l’hygiène », Kinema, n°12, 24 mars 1917, pp. 1-2.
  • Watson, John B. Watson & Lashley, Karl Spencer, « A Consensus of Medical Opinion Upon Questions Related to Sex Education and Venereal Disease Campaigns », Mental Hygiene 4, octobre 1920, pp. 769-847 ; « A Psychological Study of Motion Pictures in Relation to Venereal Disease Campaign », Journal of Social Hygiene 7, 1921, pp. 181-219.

Littérature secondaire

  • Bonah, Christian, Cantor, David & Laukötter, Anja (dir.), Health Education Films in the Twentieth Century, Rochester, Rochester University Press, 2018.
  • Haver, Gianni & Jaques, Pierre-Emmanuel, Le spectacle cinématographique en Suisse (1895-1945), Lausanne, Antipodes & SHSR, 2003.
  • Ostherr, Kirsten, « Operative Bodies: Live Action and Animation in Medical Films of the 1920s », Journal of Visual Culture, vol. 11, n°3, 2012, pp. 352-377.
  • Ostherr, Kirsten, Cinematic Prophylaxis: Globalization and Contagion in the Discourse of World Health, Durham, Duke University Press Books, 2005.
  • Panese, Francesco, « Décrire et convaincre : rhétoriques visuelles de la cinématographie médicale », Gesnerus, vol. 66, n°1, 2009, pp. 40-66.
  • Parascandola, John, « Syphilis at the Cinema: Medicine and Morals in VD Films of the U.S. Public Health Service in World War II », dans Leslie J. Reagan, Nancy Tomes & Paula A. Treichler (dir.), Medicine’s Moving Pictures. Medicine. Health, and Bodies in American Film and Television, Rochester, University of Rochester Press, 2007, pp. 71-92.
  • Pernick, Martin S., « More than Illustrations. Early Twentieth-Century Health Films as Contributors to the Histories of Medicine and of Motion Pictures », dans Leslie J. Reagan, Nancy Tomes & Paula A. Treichler (dir.), Medicine’s Moving Pictures. Medicine. Health, and Bodies in American Film and Television, Rochester, University of Rochester Press, 2007, pp. 19-35.
  • Reagan, Leslie J., Tomes, Nancy & Treichler, Paula A. (dir.), Medicine’s Moving Pictures. Medicine. Health, and Bodies in American Film and Television, Rochester, University of Rochester Press, 2007.
  • Vignaux, Valérie, « L’éducation sanitaire par le cinéma dans l’entre-deux-guerres en France», Sociétés & Représentations, n°28, Publications de la Sorbonne, 2009, pp. 67-85

MB

Billet sous licence CC BY SA

“Media and Mental Health”, a call for proposals panel

NECS Conference Epistemic Media: Atlas, Archive, Network, Bucharest, National University of Theatre and Film, 22-26 June, 2022

Since the beginning of the Covid-19 pandemic, many actors in the field of mental health have pointed out the risks that such a phenomenon poses to the psychological balance of citizens under such stress. At a time when the 5th wave of Covid-19 is raging, the question of how to visualize data on the circulation of the disease on a global scale is more important than ever. Often compared to the Spanish flu or even to the various plague epidemics of the Middle Ages, Covid-19, like other respiratory diseases that appeared at the turn of our century, is characterized by its invisibility. It is not only difficult to locate the origin of the virus, but also to track its circulation in a globalized world where a virus can survive over long distances.

COVID-19 Dashboard by John Hopkins University (screenshot of 22.12.21)

Similarly it is difficult, in our times of interconnectedness through media, to locate origins and truthfulness of knowledge, discourses circulating on the pandemic and the virus. With that in mind it is interesting to ask what role the audiovisual and social media play in exacerbating or, on the contrary, countering fears about the pandemic. As Kirsten Ostherr (Ostherr 2020) shows for the Zika Virus, social media can also encourage the development of counter-narratives about the consequences of the disease.

This leads to questions such as: How do current representations and discourses on contagion negotiate the problem of the virus’ elusiveness and what are the consequences on mental health? How do digital and social media contribute to changing the ways in which the disease is codified and represented? What rhetorics are used now and in the past to talk about viruses and what kind of emotions can this evoke? How does the knowledge produced by the media contribute to the impact of users’ mental health? To what extent can contagion be seen as a metaphor for the circulation of knowledge about the pandemic?

Old and new visual rhetorics of contagion

These questions are just a few examples inspired by the current pandemic, to encourage proposals to reflect on the role of (audio)visual media in the construction of mental health-related knowledge and norms. Because it is an epistemic practice that produces discourses on what is normal and what is pathological, it has a central role in social mechanisms of inclusion and exclusion. Therefore, we would like to question the ways in which the audiovisual media participate in drawing the boundaries between mental illness and health and what social, political and ideological issues underlie such processes.

Despite this important social role of media, research on audiovisual materials concerning mental health issues has long been a niche in media studies and medical humanities. A similar development can be noticed for research on mental health problems in relation to other media forms such as television, streaming platforms, telemedicine devices, social media, video games, etc. Since the 2000s interest in the relationship between audiovisual media and (mental) health has been growing, as shown by the ERC BodyCapital research program, the MedFilm platform, the National Library of Medicine (NLM) and its Medicine on Screen collections and essays, the Wellcome collection or several important publications. More recently a new research project was funded on the Waldau collection in Switzerland. All these works show the vitality of a field of research that aims to understand the role of the media in the medical sciences, which contributes early on to modifying the epistemology of medicine and health.

The Eternal Fight (WHO, 1948)

Scholars from all areas of cinema and media studies, whether previously affiliated with NECS or new to the network, are invited to submit proposals, but NECS membership is a requirement.

Please submit your proposal before the 10th of January 2022, providing your name, email address, the title of the paper, an abstract (max. 300 words), key biographical references (max. 200 words), and a short bio (max. 150 words). Presentations last a maximum of 20 minutes, 15 minutes if the panel consists of 4 presenters.

Proposal has to be sent to mireille.berton@unil.ch and bregt.lameris@ou.nl

Mireille Berton (UNIL) & Bregt Lameris (Open Universiteit, NL)

Reference

OSTHERR, Kirsten (2020), “Zika Virus, Global Health Communication, and Datasurveillance”, in Christian Bonah & Anja Laukötter (eds.), Body, Capital and Screens. Visual Media and the Healthy Self in the 20th Century, Amsterdam, Amsterdam University Press, 305-334.