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[Cours Au25] Cinéma et antipsychiatrie : Travaux d’étudiant·es

Dans le cadre du cours Cinéma et antipsychiatrie. Images d’un mythe, enseigné au niveau Bachelor, les 59 étudiant·es inscrit·es ont été invité·es à réaliser un journal de bord réflexif tout au long du semestre.

Cette modalité d’évaluation repose sur une pratique d’écriture située et progressive, conçue comme un espace de dialogue personnel avec les films, les textes et les discussions du cours. Le journal de bord vise l’élaboration d’un regard réflexif articulant observations personnelles, analyse de film et mobilisation de notions théoriques issues de l’histoire et de la critique de la psychiatrie.

Réalisé individuellement ou en binôme, les travaux prennent des formes variées – écrites, sonores, visuelles ou audiovisuelles – allant du texte analytique au PPT commenté, en passant par la vidéo, le podcast, la bande dessinée, le collage, la sonorisation d’extraits de film et l’enquête qualitative en psychologie.

Les travaux réunis sur ce blog correspondent à une sélection de propositions particulièrement originales, tant par la singularité du regard porté que par l’inventivité des formes mobilisées. Ils témoignent de la manière dont les étudiant·e·s se sont approprié les films et les notions abordés, en les mettant en résonance avec d’autres œuvres, des expériences contemporaines ou des questionnements personnels.

Publier ces journaux revient à prolonger l’espace pédagogique du cours au-delà de la salle de classe, en donnant une visibilité au travail des étudiant·es, tout en s’inscrivant dans une réflexion collective sur le cinéma comme espace critique des savoirs psychiatriques.

N.B. : si les liens ne fonctionnent pas, n’hésitez pas à me contacter : mireille.berton@unil.ch

Lilly Chambers – Girl Interrupted et le genre dans le cinéma


Iana Oberson – Un dialogue poético-réflexif autour de quelques films


Cléa Lopez et Louna Ruffiner – La Folie avec un grand F (enquête sur les représentations de la psychiatrie et de la maladie mentale)


Ludivine Vesin – Un podcast autour de la relation soignant·e·s et patient·e·s, avec deux personnes travaillant auprès de patient·e·s en psychiatrie LIEN


Iris Vacheyrout – Discussion autour des images de violence – en BD


Lydia CachelinUn podcast sous forme de dialogue avec une infirmière en psychiatrie, croisant certains thèmes abordés en cours avec l’expérience concrète d’une professionnelle de terrain. LIEN

https://www.chuv.ch/fr/fiches-psy/centre-therapeutique-de-jour-pour-adolescents-ctja

Léo Bonvin – Sonorisation d’une séquence (muette) de film tirée du documentaire Jaime (Antonio Reis, 1974)

L’étudiant a fait trois essais (compositions originales, ci-dessous) avant d’opter pour une improvisation au piano, comme à l’époque du muet = > LIEN


Travaux réalisés dans le cadre de l’enseignement Cinéma et antipsychiatrie, Section d’Histoire et esthétique du cinéma, Faculté des lettres, Université de Lausanne, automne 2026.

[Portrait de médecin] : Hans Heimann (1922-2006)

Né à Bienne en 1922, formé à Genève et à Berne, travaillant à la Waldau et à Cery, achevant sa carrière en Allemagne, Hans Heimann appartient à cette génération de psychiatres pour lesquels l’image animée fonctionne comme un outil décisif de connaissance.

Il se familiarise probablement avec le médium filmique lorsqu’Ernst Grünthal lui confie, ainsi qu’à sa femme Annemarie Heimann, médecin elle aussi, l’évaluation du cas Franz Breundl (Heimann et Heimann 1952), pour évaluer et compléter les études menées sur lui, notamment par l’intermédiaire de films. Cette première expérience inaugure une trajectoire marquée par une attention à la dynamique expressive des visages, des corps et des voix, observées notamment grâce à l’enregistrement de l’image et de la parole.

C’est à l’hôpital psychiatrique universitaire de la Waldau, entre 1953 et 1957, que se déploie ce qui deviendra un programme scientifique fondé sur l’usage du film et du magnétophone. Aux côtés de Theodor H. Spoerri, dans le cadre du projet du Fonds national suisse dirigé par Ernst Grünthal, Heimann élabore une réflexion autour de l’expression schizophrénique en définissant, avec Spoerri, l’Ausdrucksphänomenologie. Cette méthode vise à décrire les phénomènes expressifs non comme des symptômes porteurs d’une signification cachée à décoder, mais comme des configurations globales de l’être dont la temporalité constitue l’unité fondamentale.

Dans « Das Ausdruckssyndrom der mimischen Desintegrierung bei chronischen Schizophrenen », « Zur Ausdrucksphänomenologie » et « Ausdruckssyndrome Schizophrener » publiés en 1957, les deux auteurs proposent une typologie de syndromes expressifs, qu’ils saisissent par le film et le son, seuls capables d’enregistrer la durée, les transitions, les ruptures et les micro-modulations du visage, de la voix et du corps. Le dispositif mis en place – pièce épurée, éclairage contrôlé, cadrage frontal, enregistrement de la voix sur bande magnétique – permet de fixer des phénomènes fugaces et de revoir les séquences autant de fois que nécessaire. La caméra prolonge ainsi le regard du psychiatre et permet une analyse qui s’émancipe des biais de la perception immédiate (voir un extrait de l’un de ces articles plus bas).

Film de Heimann et Spoerri, Waldau, 1953-1957. Collection Waldau et Cinémathèque suisse.

L’usage du film, dès cette période, fonde une méthode. Visionnages répétés, extraction de photogrammes, repérage de points focaux, comparaison séquentielle forment une démarche d’observation minutieuse. Le film acquiert un statut épistémique singulier : il constitue un matériau de recherche. Cette finalité opérationnelle pourrait expliquer en partie la disparition ultérieure de nombreux films réalisés par Heimann, notamment à Cery entre 1964 et 1974, où seuls deux photogrammes de 1966 subsistent, parus dans des publications scientifiques.

L’étape lausannoise marque une inflexion méthodologique. Toujours attentif à la phénoménologie de l’expression et du mouvement, Heimann cherche à objectiver ce qu’il observe. Lorsqu’il prend la direction du Centre de recherche psychopathologique à Cery en 1964, il inscrit cette structure dans la continuité de ses travaux menés à la Waldau, tout en leur donnant une orientation plus expérimentale et quantitative.

Portraits de Hans Heimann

En 1964, La Feuille d’avis de Lausanne, qui consacre un article aux « nouveaux services à Cery pour soigner les malades selon des bases plus scientifiques », présente Heimann comme un homme de terrain soucieux d’innover la psychiatrie :

« Il nous fit comprendre toute l’importance de ces moyens modernes, tels que le cinéma, permettant de filmer les patients, afin de pouvoir poser des diagnostics de plus en plus précis et de plus en plus objectifs : l’enregistrement et les appareils à réaction (on entend par là des appareils qui permettent d’enregistrer les réactions du patient, la vitesse à laquelle il répond en pressant sur l’un ou l’autre bouton au moment où une lampe s’allume, par exemple) » (W., Feuille d’avis de Lausanne, vendredi 3 juillet 1964, p. 15).

Heimann équipe le Centre de recherche psychopathologique d’un appareillage élaboré : caméra 16 mm dissimulée dans une pièce adjacente, microphones séparés pour le clinicien et le patient, éclairage contrôlé, protocole strict de prise de vue frontale. Cette configuration vise à capter la dynamique expressive des malades avec une précision à des fins descriptives et de mesure. La projection agrandie des films sur une trame quadrillée, suivie du relevé systématique des points de repère du visage photogramme par photogramme, façonne une méthode de quantification des mouvements mimétiques qui entend dépasser les limites interprétatives de l’Ausdrucksphänomenologie.

Ce goût de l’analyse quantitative manifeste une défiance croissante envers la subjectivité du regard clinique et annonce ses recherches ultérieures sur les psychoses expérimentales, dans lesquelles psilocybine ou LSD servent à observer de manière contrôlée la dynamique expressive sous influence pharmacologique (Murtas 2021 ; Heimann 1961 et 1963).

S’il est frappant que la quasi-totalité des films tournés à Cery ait disparu, leur absence est peut-être la conséquence de la place centrale accordée progressivement aux graphiques, schémas et équations dans les articles produits au sein du Centre. Cery représente ainsi un espace de transformation de l’image en instrument de mesure, où le film devient un maillon d’un dispositif clinique élargi, au service d’une psychiatrie qui cherche à conjuguer rigueur expérimentale et attention à la singularité expressive du sujet.

À Tübingen, où Hans Heimann dirige, à partir de 1974, la clinique psychiatrique universitaire, les recherches menées auparavant avec des médias analogiques s’adossent à présent à des techniques vidéo et des systèmes d’analyse informatique du mouvement (Schneider, Heimann et al. 1990). Ces dispositifs – capteurs fixés sur le visage, enregistrement vidéo direct, traitement algorithmique des actions faciales – prolongent les principes inaugurés à la Waldau : objectiver les phénomènes expressifs, réduire les biais perceptifs, rendre mesurable et comparable les mouvements corporels.

À travers ces multiples dispositifs, Heimann conçoit le film comme un instrument doté d’une polyvalence remarquable : capturer, rendre visible, permettre de revoir, mesurer, objectiver. De la phénoménologie à la psychopharmacologie, puis à l’analyse informatisée, son parcours illustre la manière dont le film peut être intégré à une épistémologie du geste et du visage, orientée vers la compréhension de l’être-au-monde des patients. En faisant du cinéma un laboratoire clinique, Heimann a forgé une recherche où l’image animée devient un moyen privilégié pour saisir les processus expressifs dans leur temporalité, leur subtilité et leur profondeur.

Mireille Berton et Elodie Murtas


Extrait de l’article de Hans Heimann et Theodor Spoerri, « Ausdruckssyndrome Schizophrener », Der Nervenarzt, vol. 28, 1957c, pp. 364-366 (traduction française via DeepL).

Nos recherches reposent sur la méthode phénoménologique de l’expression. Comme nous l’avons exposé en détail ailleurs, il ne s’agit pas ici d’interpréter les phénomènes expressifs en termes de symptômes ni de s’intéresser à leur utilité diagnostique. Il s’agit plutôt de tenter de comprendre leur valeur propre, en les abordant de manière intuitive, indépendamment d’autres perspectives explicatives, en particulier de nature génétique.

Partant de la prémisse que la vie psychique ne se réduit pas à l’expérience consciente, et qu’il est possible de saisir dans l’expression une dimension du psychisme qui n’apparaît pas nécessairement dans l’expérience vécue, les phénomènes expressifs sont donc étudiés, pour des raisons méthodologiques, indépendamment de leur relation au vécu subjectif.

Une telle compréhension pré-scientifique de l’expression, pour laquelle le dualisme psychophysique est sans pertinence, se concentre exclusivement sur les phénomènes du corps animé comme une unité réelle. Ce type d’approche ne dépend ni de l’utilité diagnostique, ni des tentatives théoriques d’explication de la genèse des phénomènes, ni de leur relation directe au vécu.

Le point de départ de cette méthode est l’observation de configurations expressives globales dans leur dynamique temporelle, sur une certaine durée et en lien avec une situation donnée. Lorsqu’une forme expressive caractéristique peut être reconnue, l’« analyse de l’impression » consiste à identifier a posteriori les signes individuels qui constituent l’ensemble de cette configuration, en distinguant les traits fondamentaux des symptômes accidentels.

À partir de cette forme expressive globale, il est alors possible, par une démarche phénoménologique, d’esquisser une compréhension de son essence. Ce travail vise à révéler une modalité particulière d’être du sujet humain, ce que nous appelons sa « disposition fondamentale », laquelle semble s’exprimer directement à travers les phénomènes d’expression.

Comme moyens techniques, nous utilisons des enregistrements filmés et des enregistrements sonores. Cela permet de fixer les phénomènes expressifs fugaces, de les reproduire aussi souvent que nécessaire, et de les observer isolément, détachés de l’enregistrement sonore ainsi que d’autres éléments extérieurs à la sphère de l’expression mimique. Alors que notre questionnement porte exclusivement sur les phénomènes expressifs et que les énoncés verbaux ne sont pris en compte que comme éléments du contexte général, il est possible, pour de futures recherches, de combiner l’observation filmique et l’enregistrement sonore afin d’étudier la relation entre les phénomènes expressifs et l’expérience vécue.

[…]

Nous formulons, à titre de programme pour des recherches futures, les questions suivantes :

  1. Dans quelle forme clinique et à quel stade de la schizophrénie les phénomènes expressifs caractéristiques se manifestent-ils au premier plan ?
  2. Au cours de l’évolution de la maladie ou sous l’effet de la thérapie, ces syndromes expressifs typiques disparaissent-ils ou se déplacent-ils simplement vers l’autre pôle, ou bien l’apparition de nouveaux syndromes expressifs chez un même patient est-elle également possible ?
  3. Les phénomènes expressifs des schizophrènes représentent-ils, par rapport à l’échelle normale d’expressions, une restriction à un nombre limité de possibilités expressives, qui seraient alors des formes nouvelles ? Et cette restriction créative est-elle elle-même une caractéristique fondamentale de la schizophrénie ?

Références

GIEDKE, Henner, BUCHKREMER, Gerhard, “Hans Heimann (1922-2006)”, Der Nervenarzt, vol. 78, n° 5, mai 2007, pp. 594-596.

HEIMANN, Annemarie, HEIMANN, Hans, « Nachuntersuchung des Falles B. mit “umschriebener, völliger Merkunfähigkeit” », Monatsschrift für Psychiatrie und Neurologie, vol. 124, n° 4-6, 1952, pp. 271-303.

HEIMANN, Hans, SPOERRI, Theodor, “Das Ausdrucksyndrom der mimischen Desintegrierung bei chronischen Schizophrenen”, Schweizerische Medizinische Wochenshrift, n° 35-36, 12 janvier 1957a, pp. 1126-1128.

HEIMANN, Hans, SPOERRI, Theodor, “Zur Ausdrucksphänomenologie”, Psychiatria Neurologica, vol. 134, n°3-4, 1957b, pp. 203-214.

HEIMANN, Hans, SPOERRI, Theodor, “Ausdruckssyndrome Schizophrener”, Der Nervenarzt, vol. 28, 1957c, pp. 364-366.

HEIMANN, Hans, “Ausdrucksphänomenologie Der Modellpsychosen (Psilocybin)”, Psychiatria et Neurologia, vol. 141, n°1, 1961, pp. 69-100.

HEIMANN, Hans, « Der Ausdruck Beim Halluzinieren in Experimentellen Und Andern Psychosen, Mit Tonfilm », Schweizer Archiv Für Neurologie, Neurochirugie Und Psychiatrie, 1963, pp. 226-231.

HEIMANN, Hans, LUKÀCS, G., “Eine Methode zur quantitativen Analyse der mimischen Bewegungen”, Archiv für die Gesamte Psychologie, vol.118, n°1-2, 1966a, pp. 1–17.

HEIMANN, Hans, “Die quantitative Analyse mimischer Bewegungen und ihre Anwendung in der Pharmako-Psychologie”, Arzneimittel Forschung, n°16, 1966b, pp. 294-297.

MURTAS, Elodie, L’hôpital psychiatrique fait son cinéma : le cas Cery, thèse de doctorat, dir. Maria Tortajada et Vincent Barras, Université de Lausanne, 2021.

SCHNEIDER, Frank, HEIMANN, Hans, et al., « Computer-Based Analysis of Facial Action in Schizophrenic and Depressed Patients », European Archives of Psychiatry and Clinical Neuroscience, vol. 240, n° 2, nov. 1990, pp. 67-76.

W., “Nouveaux services à Cery pour soigner les malades selon des bases plus scientifiques”, Feuille d’avis de Lausanne, 3 juillet 1964, p. 16.

[Publication] Les films institutionnels de la collection Waldau, par Elodie Murtas

Le nouveau numéro de la revue Images secondes. Cinéma et sciences humaines publie un article sur la collection Waldau rédigé par Elodie Murtas.

Dans l’article « D’instrument d’observation à machine à convaincre. Le cas des films institutionnels des collections de l’hôpital de la Waldau (1930-1960) », Élodie Murtas propose une analyse des films institutionnels produits à la Waldau en Suisse, en les abordant sous l’angle du concept d’images opérationnelles. À partir de deux études de cas, l’une consacrée à la thérapie par le travail dans les années 1930, l’autre à la fête de l’hôpital en 1965, l’article montre comment ces films excèdent leur fonction documentaire ou promotionnelle pour devenir des dispositifs agissants, capables de reconfigurer les pratiques institutionnelles, les représentations de la maladie mentale et les modalités de réception par des publics profanes. Inscrite dans le champ du cinéma utilitaire, cette réflexion éclaire la dimension performative du film institutionnel psychiatrique et met en évidence son rôle dans la médiation, la circulation et l’activation des savoirs médicaux et sociaux au XXᵉ siècle.

Cette publication fait partie du numéro 5 de la revue Images Secondes consacré aux Images opérationnelles : agencements utilitaires des images en mouvement, dirigé par Guilherme Machado (Université de Poitiers) — Antoine Prévost-Balga (Université de Francfort / Sorbonne Nouvelle Paris 3) — Anne-Katrin Weber (Université de Lausanne).
 

Résumé de l’article
En s’appuyant sur deux réalisations filmiques tirées des collections de l’hôpital psychiatrique de la Waldau en Suisse, la première, datée des années 1930, consacrée à l’« Arbeitstherapie » (la thérapie par le travail) et la seconde portant sur la fête de l’hôpital en 1965, cet article propose de s’interroger sur les rapports entre cinéma utilitaire et images opérationnelles. Plus spécifiquement, nous proposons d’analyser l’« opérativité » du film institutionnel asilaire sur les sphères qui le produisent, s’y entrecroisent, s’y réfléchissent et sur lesquelles il agit.

Référence électronique pour citer cet article
Élodie Murtas, « D’instrument d’observation à machine à convaincre. Le cas des films institutionnels des collections de l’hôpital de la Waldau (1930-1960) », Images secondes [En ligne], 05 | 2025. URL : http://imagessecondes.fr/index.php/2025/11/murtas/

[Colloque] Les clichés de la folie – 20-21 novembre 2025

Les clichés de la folie : usages de la photographie en psychiatrie (XIXe-XXIe siècles), colloque organisé par Marianna Scarfone (UNISTRA). Lieu : Maison Suger, Paris.

Le colloque Les clichés de la folie : usages de la photographie en psychiatrie (XIXe–XXIe siècles) réunit pendant trois jours chercheuses, chercheurs, artistes et professionnelles et professionnels du soin autour d’un vaste ensemble de pratiques visuelles produites dans ou autour des institutions psychiatriques. Les communications explorent les multiples régimes d’images qui ont accompagné l’histoire de la psychiatrie, depuis les séries asilaires du tournant du XXe siècle jusqu’aux démarches contemporaines de recherche-création, en passant par les usages didactiques, administratifs, militants ou documentaires.

Loin de se limiter à une généalogie des dispositifs photographiques, les interventions analysent les conditions matérielles et institutionnelles de production des images, les modalités de mise en scène des corps, les effets de pouvoir inscrits dans le geste photographique et les questions éthiques que soulève aujourd’hui l’ouverture des archives. La rencontre met ainsi en circulation des regards croisés qui permettent de repenser la place du sujet dans des pratiques visuelles façonnées par les normes du soin, les enjeux de contrôle, les ambitions scientifiques ou les gestes de contestation.

Elle s’inscrit en dialogue étroit avec l’exposition Face à ce qui se dérobe : les clichés de la folie, présentée au Musée Nicéphore Niépce, qui offre un parcours à travers des corpus rarement montrés et éclaire la manière dont ces images circulent entre savoir, mémoire et regard contemporain.

À travers ces études situées, le colloque interroge notre manière de lire, d’exposer et de transmettre ces images sensibles, tout en ouvrant un espace de réflexion sur la mémoire des institutions et les formes actuelles de co-création avec les personnes concernées.

Programme du colloque

PROGRAMME

Jeudi 20 novembre

9h – 9h30 : Accueil et introduction : Marianna Scarfone (Université de Strasbourg)

9h30 – 12h | Pris dans le dispositif photographique institutionnel : quelle place pour le sujet ?

Modération : Mireille Berton, professeure associée d’histoire du cinéma, Université de Lausanne

  • 9h30 – 10h : Julien Faure-Conorton (chargé de recherche et de valorisation scientifique des collections, Musée départemental Albert-Kahn, Boulogne-Billancourt) 
    “Une si profonde impression de tristesse”. À propos des “Folies” de Robert Demachy
     
  • 10h – 10h30 : Sarah Belhachmi (doctorante, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)
    Les femmes de la Salpetrière entre contraintes, instruments et espaces du photographe 
     
  • 10h30 – 11h : Katrin Luchsinger (historienne de l’art, ZHdK / indépendante)
    Genres photographiques et photographie dans les établissements psychiatriques en Suisse de 1900 à 1930. Concepts du « sauvage » dans le regard des psychiatres photographes 
     
  • 11h – 11h30 : Tamara Sandrin (Université de Udine) et Lorenzo Lorusso (Université de Milan)
    Images of War Psychiatry: Patients and Institutions in First World War

13h30 – 15h | La modération visuelle de l’institution : entre la matérialité des structures et l’invisibilisation des sujets

Modération : Cristina Ferreira, HESAV – Haute École de Santé Vaud, Lausanne

  • 13h30 – 14h : Cristobal Ramirez (Centre Hospitalier G. Régnier, Rennes et Centre Koyré – EHESS, Paris)
    Entre registre historique et documentation patrimoniale : les photographies du Centre Hospitalier Guillaume Régnier (XXe-XXIe siècles)
     
  • 14h – 14h30 : Marie-Claude Thifault (Université de Ottawa)
    Aux jours heureux du Mont-Providence. Mettre en scène (ou pas) des enfants pas comme les autres (1950-1975)

15h – 17h30 | Images militantes : dénonciation, résistance, contre-pouvoir. Vers une réforme de la psychiatrie ?

Modération : Marianna Scarfone, Université de Strasbourg

  • 15h – 15h30 : Clément Fromentin (psychiatre, Association Santé Mentale Paris 13)
    La psychiatrie française des années 1950 à travers le regard de Jean-Philippe Charbonnier
     
  • 15h30 – 16h : Maira Mora (Institut ACTE, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) 
    Représenter la folie, contester le pouvoir : enjeux éthiques, esthétiques et politiques dans « L’Infarctus de l’âme » de Paz Errázuriz et Diamela Eltit
     
  • 16h – 16h30 : Camilla Caglioti (psychologue clinicienne et doctorante, Université Bauhaus, Weimar) et Chiara Vitali (élève conservatrice du patrimoine et doctorante, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) 
    Sortir des murs, réinventer la ville, « entrer dehors » : les photographies de Fabrizio Borelli aux archives du Santa Maria della Pietà à Rome (1979)
     
  • 16h30 – 17h : Fanny Bieth (doctorante, Université du Québec à Montréal) 
    Le « Contacts » de Raymond Depardon ou le dispositif photographique à l’épreuve de la folie

Vendredi 21 novembre

9h – 12h30 | Éthique des images psychiatriques : exposition, conservation, réception

Modération : Marie-Claude Thifault, Université de Ottawa


9h -11h : La dignité du patient et l’éthique du care 

  • 9h – 9h30 : Rory du Plessis (Université de Pretoria, Afrique du Sud)
    The glass plate negatives of the patients of the Orange Free State Asylum, South Africa, circa 1900s 
     
  • 9h30 – 10h : Jorun Larsen (doctorante, Université de Bergen, Norvège)
    The Patient as Image : photographies from norvegian asylums
     
  • 10h – 10h30 : Beatriz Pichel (De Montfort University, Leicester, UK) 
    Psychiatry photography and the ethics of care


11h – 13h50 : Photographies subies et subjectivités. Écriture de l’histoire, droit à l’oubli et devoir de mémoire 

  • 11h – 11h30 : Isabelle Perreault (Université d’Ottawa, Canada)
    Les spectres d’Esquirol : les dispositives sur verre d’un hôpital psychiatrique, 1957-1963
     
  • 11h30 – 12h : Marie Le Bel (Université de Hearst, Canada)
    Les gens « d’la côte ». Clichés d’admission à l’hôpital psychiatrique de North Bay, Ontario, Canada 1957-1980
     
  • 12h – 12h30 : Cristina Ferreira (HESAV, Haute École de Santé Vaud, Lausanne) 
    Vivre et travailler à l’asile de Cery (1930-1960) : analyse d’un album photo de famille au prisme du concept d’hétérotopie

14h30 – 19h : Photographier autrement : subjectivité – co-création – recherche-action

  • 14h30 – 15hÉléonore Goldberg (Emily Carr University of Art + Design, Vancouver)
    « L’entrée des artistes ». Archives asilaires en mouvement
     
  • 15h – 15h45 : Marion Gronier (artiste photographe), Romain Tiquet (historien, CNRS-IMAF, Institut des Mondes Africains), Clémence Delbart (doctorante Paris 8 et UCAD, Dakar)
    Le village psychiatrique de Kenia (Sénégal) vu par la photographie : dialogue interdisciplinaire (1974-2025)
     
  • 16h – 17h : Maxence Rifflet (artiste, curateur et enseignant à l’ESAM, Caen) et Anaïs Masson (éditrice et chercheuse indépendante) en dialogue avec Marc Pataut (artiste photographe)
    L’album rouge de Marc Pataut : photographies des enfants de l’hôpital de jour d’Aubervilliers, 1981-1982. Circonstances et lectures
     
  • 17h – 17h30 : Jean-Robert Dantou (photographe documentaire et docteur en sociologie, ENS)
    Olivia, une relation photographique. Tonnerre, 2017-2024
     
  • 17h30 – 19h : table ronde modérée par Maxence Rifflet, avec les photographes Jean-Robert Dantou, Marion Gronier et Marc Pataut + conclusions   

Samedi 22 novembre – Visite de l’exposition
Face à ce que se dérobe : les clichés de la folie

Informations pratiques

Maison Suger
16-18 Rue Suger
Paris 6

Lien zoom

Comité scientifique

  • Emilie Bernard, Musée Nicéphore Niepce
  • Mireille Berton, Université de Lausanne
  • Hervé Guillemain, Université du Mans
  • Anne Roekens, Université de Namur
  • Marianna Scarfone, Université de Strasbourg
  • Jean-Marc Talpin, Université de Lyon 2

[Cinéma et antipsychiatrie] Titicut Follies (1967) de Frederick Wiseman

Frederick Wiseman (né en 1930) occupe une place singulière dans l’histoire du documentaire américain. Ses films s’intéressent aux institutions qui structurent la société – écoles, hôpitaux, tribunaux, commissariats, bibliothèques, musées, armée, universités, etc. – et à la manière dont ces structures influencent les comportements individuels. Son œuvre constitue une cartographie critique de la société américaine, observée à travers ses institutions et les formes multiples de pouvoir qui s’y exercent.

Wiseman s’inscrit dans le cinéma direct, un courant apparu au début des années 1960 (principalement aux États-Unis et au Canada) qui cherche à capter la réalité sans intervention apparente de l’équipe de filmage – sans commentaires, sans interviews, sans mise en scène.  Il repose sur une approche d’observation, rendue possible par l’apparition de caméras légères et de magnétophones synchrones. Contrairement à la neutralité revendiquée par certains praticiens du cinéma direct, Wiseman assume le montage comme un acte d’interprétation, construisant une vision critique à partir du réel observé. Chez Wiseman, la caméra devient témoin plutôt que juge, mais le montage révèle une position éthique et politique (Grant 2014).

Erving Goffman et la notion d’institution totale

Pour comprendre Titicut Follies, il convient de le replacer dans le contexte intellectuel des années 1960 et notamment la réflexion du sociologue Erving Goffman. Dans Asiles. Études sur la condition sociale des malades mentaux (1961), ce dernier montre comment l’hôpital psychiatrique contribue à institutionnaliser la folie, et parfois à l’aggraver, en traitant les patients comme des objets, en les privant de leur dignité, de leur identité, de leur humanité, alors même que l’institution est censée les soigner :

« Le caractère essentiel des institutions totalitaires est qu’elles appliquent à l’homme un traitement collectif conforme à un système d’organisation bureaucratique qui prend en charge tous ses besoins, quelles que soient en l’occurrence la nécessité ou l’efficacité de ce système. Il en découle un certain nombre de conséquences importantes. » (Goffman 2013/1961, 48-49).

Le film de Wiseman illustre presque littéralement les résultats de l’enquête menée par Goffman à St Elizabeth (état de Washington) : à Bridgewater State Hospital, les patients sont traités comme des détenus, les gardiens comme des surveillants et les médecins comme des juges. L’institution ne soigne pas, elle administre, son objectif consistant à mater des individus antisociaux cumulant folie et crime.

Titicul Follies – Vladimir et le Dr Ross

Le pouvoir et la dépersonnalisation dans Titicut Follies

Plusieurs séquences éclairent la nature déshumanisante du pouvoir psychiatrique. Dans la conversation entre Vladimir et le Dr Ross, le discours cohérent du patient – qui demande à être transféré en prison – est systématiquement réinterprété comme symptôme paranoïaque. Goffman parle à ce propos de « ricochet » (looping), soit le mécanisme par lequel la défense du patient devient la preuve de sa pathologie (Goffman, 2013/1961, 79-81). La parole est ainsi réduite au rang de symptôme : elle ne vaut plus comme expression mais comme signe d’un trouble : « ses déclarations se trouveront parfois abaissées au rang de simples symptômes, l’attention du personnel ne portant que sur les aspects non formulés de sa réponse. » (88-89). Le film rend visible cette logique circulaire où la psychiatrie s’auto-légitime en déniant toute validité au langage du patient.

Ttitcut Follies (1968)

La séquence du gavage forcé approfondit cette critique. Le patient nu, immobilisé et nourri à la sonde, est filmé dans une asymétrie radicale : le médecin, vêtu et fumant, incarne le pouvoir tranquille, tandis que le patient, objet de « soins », est réduit à un « matériau humain » (Goffman, 2013/1961, 121-122). Wiseman juxtapose à cette scène des images de morgue : l’homme, mort, reçoit plus d’attention que vivant (Wiseman et Walker 2007). Ce montage peut suggérer plusieurs interprétations : la vanité du geste médical, la causalité entre gavage et mort (et donc l’échec des pratiques thérapeutiques), ou encore l’ironie des efforts des médecins à maintenir en vie un patient qui résiste en silence par le renoncement à la vie.

Titicut Follies – La séquence du gavage par sonde

« Le spectateur doit décider »

Wiseman refuse de guider le public par un commentaire explicatif. Il affirme : « le spectateur doit décider » (Wiseman et Walker, 2007). Cette posture confère au spectateur et à la spectatrice une responsabilité éthique : celle d’interpréter, sans se réfugier dans la simple indignation. La complexité morale du film consiste précisément à montrer sans juger, tout en laissant apparaître la violence des pratiques asilaires, mais aussi leur caractère arbitraire. À Bridgewater, les mêmes agents peuvent être, tour à tour, bienveillants ou cruels, et cette absence de manichéisme qui fonde la valeur éthique du cinéma de Wiseman.

Censure et droit de regard

Présenté au Festival de New York en 1967, Titicut Follies a été interdit par la Cour suprême du Massachusetts pour atteinte à la vie privée des patient-e-s, jusqu’au début des années 1990. Ce cas unique dans l’histoire du cinéma américain illustre la fragilité du droit à l’image face à la raison d’État. Promoteur des idéaux antipsychiatriques, Thomas Szasz (1920-2012), à l’occasion des 50 ans du film, parle d’une « censure psychiatrique » destinée, non pas à protéger les malades, mais à préserver la réputation de l’institution (2007). En refusant la diffusion du film, la société américaine s’est privée d’un débat public sur la condition asilaire. Szasz souligne d’ailleurs un élément significatif : en vingt ans, aucun patient ni aucune famille ne s’est opposés à la diffusion du film. L’interdiction répondait donc moins à une demande des intéressés qu’à la volonté des institutions de protéger leur image. Pour Szasz, la véritable offense de Titicut Follies n’a pas été de porter atteinte à la dignité des patients, mais d’«humaniser la folie » et de révéler la violence de la psychiatrie institutionnelle.

Plus récemment, Salvatore B. Durante (2023) souligne que cette censure, loin d’éviter le scandale, a retardé les réformes psychiatriques et empêché la constitution d’une mémoire critique des institutions. Alors même que les années 1960 voyaient l’émergence du mouvement antipsychiatrique (Laing, Cooper, Szasz) et l’adoption de réformes comme le Community Mental Health Act de 1963, le film aurait pu nourrir l’indignation et accélérer la transformation des institutions. Au lieu de cela, l’interdiction a figé l’image publique de l’asile dans le passé, contribuant indirectement au maintien de pratiques inhumaines.

Titicut Follies (1967)

Le mythe du consentement éclairé

Le film pose également la question du consentement des personnes filmées. Carolyn Anderson et Thomas Benson (1988) ont montré que le « consentement éclairé », notion empruntée à l’éthique médicale, est inatteignable dans le cadre du cinéma direct. D’une part, les patients-détenus de l’hôpital psychiatrique de Bridgewater n’étaient pas en mesure, par définition, de donner un consentement libre et informé : leur statut d’incarcérés, leur pathologie et le contexte institutionnel rendaient toute signature difficile. D’autre part, Wiseman lui-même ne pouvait anticiper le contenu final du film ni ses conséquences : la pratique du cinéma direct repose sur un tournage ouvert et un montage inductif, ce qui signifie que l’équipe ne connaît pas à l’avance le résultat final. Enfin, les effets de la diffusion – médiatiques, politiques, personnels – échappent totalement au contrôle des uns et des autres. Titicut Follies cristallise une tension insoluble entre autonomie artistique et responsabilité envers des sujets vulnérables. Le cinéma direct révèle ainsi les limites de l’éthique du consentement, mettant en lumière la nécessité d’une réflexion plus large sur la responsabilité du documentaire face aux personnes vulnérables qu’il met en scène.

Conclusion : filmer le pouvoir, filmer la vulnérabilité

Titicut Follies marque un tournant dans l’histoire du documentaire : il montre que filmer le réel, c’est nécessairement entrer dans une relation de pouvoir. Wiseman transforme cette relation en question morale et politique. Son œuvre ne cherche pas la dénonciation tapageuse, mais la mise à nu des structures de domination à travers la banalité du quotidien, la texture du réel. Le film rappelle, pour paraphraser Goffman, que toute institution totale fabrique ses propres justifications morales. En montrant sans juger, Wiseman en révèle les ressorts profonds : la peur du désordre, la logique du contrôle, la tentation de la dissimulation des pratiques délétères du pouvoir.

Titicut Follies (1967)

Références

MB

[Actualités] Symptomania – Festival avec les santés mentales – La Grange (UNIL) – 1er-3 octobre 2025

Pendant trois jours, La Grange à Dorigny battra au rythme de Symptomania, un festival hors normes qui choisit d’écouter et de faire entendre les voix de la santé mentale autrement. Ici, pas de regard réducteur ni de simple diagnostic : l’expérience proposée explore ce que les vécus psychiatriques, les archives, les arts et les sciences sociales peuvent créer ensemble.

Au cœur de la démarche, une collaboration singulière : l’artiste Caroline Bernard, l’historienne de la psychiatrie Camille Jaccard (UNIL) et la musicienne Joell Nicolas alias Verveine (VRVN) imaginent un espace scénique et sonore où se rencontrent patient·es, pair-aidant·es, soignant·es, chercheur·euses et artistes. La Grange “se transforme alors en organisme vibrant” de récits, de musiques et de performances, entre spectacles, conférences et dispositifs participatifs.

Des archives aux voix d’aujourd’hui

Le programme scientifique « Voix sous dossier » invite à réfléchir à ce que signifie être « mis en dossier » en psychiatrie. Qui écrit ces récits, et dans quel but ? Comment accéder à ces sources sensibles et leur donner une place dans la mémoire collective ? Chercheur·euses, pair-aidant·es et artistes ouvriront un dialogue inédit autour des archives psychiatriques, en croisant sciences sociales, témoignages vécus et créations scéniques.

Tables rondes, présentations de recherches, lectures et discussions collectives rythmeront ces deux journées, avec des intervenant·es venu·es de Suisse et d’ailleurs. On y parlera de l’histoire des internements, des droits des patient·es, mais aussi des initiatives qui réinventent l’accès aux archives et valorisent la parole des personnes concernées.

Entre art et sciences sociales

L’autre partie du festival propose une carte blanche à Caroline Bernard, qui donnera voix à celles et ceux dont les histoires résonnent encore aujourd’hui. Performances, musique et mises en scène alterneront avec des échanges autour de l’art brut, des revendications juridiques ou encore de la mémoire des mouvements antipsychiatriques.

A ces propositions s’ajouteront également des projets conçus et présentés par des étudiant·e·s, témoignant de l’ancrage pédagogique et participatif du festival, comme le projet proposé par un groupe de la faculté des lettres qui abordera la question de la confrontation à des oeuvres d’art brut : Avec mes yeux je comprends pas (Jimmy Capdevila, Bastien Ribordy, Pauline Lebet) (jeudi 3 octobre à 17h, foyer de La Grange).

Pourquoi venir ?

Parce que Symptomania n’est pas un festival « sur » la folie, mais avec les folies, les vécus et les imaginaires qu’elles portent. Parce qu’il brouille volontairement les frontières entre spectacle, recherche et expérience collective. Et surtout, parce qu’il propose de sortir du cadre médical pour écouter autrement, partager et inventer de nouvelles manières de parler de santé mentale.

© Pauline Mayor et Loïc Volkart

Programme complet de la partie scientifique

Je 2.10, 9h-12h et 14h–16h

9h – 9h30 : Accueil et café
9h30 – 10h : Introduction par Camille Jaccard et Caroline Bernard – Retour sur une collaboration arts/sciences

Comment construit-on un dossier sur une personne ?

  • 10h – 10h30 : Samuel Boussion (historien – Paris 8/CNRS) – Dossiers médico-pédagogiques et leur internationalisation dans l’après-guerre, l’exemple des Semaines pour l’enfance victime de la guerre, 1940-1950
  • 10h30 – 11h : Cristina Ferreira (sociologue – HESAV) – Fragments archivistiques et psychiatrisation des carrières féminines en prison (Genève, années 1970)
  • 11h – 12h : Discussion

D’autres archives sont-elles possibles avec les personnes ? 

  • 14h – 14h30 : Matthias Sohr (historien – Unil et pair-proche aidant) – L. W. et son mari J. W. : entente de voix et proche-aidance (1953)
  • 14h30 – 16h : Table ronde Archives-Paroles-Vécus, avec Christel Gumy (historienne – ORCEP, Pro Mente Sana association romande), Olivia Vernay (chercheuse en sciences de l’éducation – ORCEP, Pro Mente Sana association romande) et Léna Dormeau (philosophe, chercheuse indépendante en mad studies [études fols]).
Ve 3.10, 9h-12h et 14h–17h

9h – 9h30 : Accueil et café
9h30 – 10h : Émilie Bovet (socio-anthropologue – HESAV) et Alexia Stantzos (infirmière et adjointe à la direction des soins au Département de psychiatrie – CHUV) – Des histoires pour une histoire : polyphonie de la psychiatrie, dix ans d’archives audiovisuelles

Carte blanche à Caroline Bernard, metteuse en scène

10h – 12h : Table ronde avec Natasa Arvova (pair-facilitatrice, médiatrice), Yves Bancelin (pair-aidant, directeur de l’association Esper Pro) et Pauline Rhenter (avocate spécialiste des droits psychiatriques et sociologue)

Lire et écouter les revendications des personnes

  • 14h – 14h30 : Jessica Schüpbach (historienne – UNIGE), autour de son livre Encres, traces, papiers : L’art d’écrire à l’Asile de Marsens, 1875-1900
  • 14h30 – 15h : Lorraine Odier (sociologue, UNIFR), « … je vous fais une lettre » : intégrer les témoins absents dans l’écriture présente de l’histoire des internements administratifs
  • 15h – 15h30 : Virginie Stucki (sociologue et ergothérapeute – HETSL), autour de son ouvrage Antipsychiatrie et droits des patients. Mouvements contestataires et crise institutionnelle à Genève (1972-1989)
  • 15h30 – 16h : Discussion collective

Rencontre avec les élèves de l’Ecole de soins et santé communautaire (ESSC)
16h – 17h – Organisée par L’éprouvette, Laboratoire Sciences et société, Unil

[Note de recherche] L’armoire aux cerveaux: Albert Londres chez le docteur Dide, à la rencontre de la folie sacrée

Albert Londres, pionnier du reportage social

En 1925, le journaliste Albert Londres (1884-1932) publie Chez les fous, alors qu’il est déjà reconnu pour ses enquêtes sociales. Bien avant de franchir les portes des asiles français, Albert Londres s’est imposé comme une figure emblématique du reportage d’investigation, façonnant un style engagé et une méthode directe au fil de ses aventures. Dès la Première Guerre mondiale, il se distingue par ses récits du front, dévoilant non seulement la violence des combats, mais aussi la détresse des civils.

Dans la foulée, ses reportages en Russie révolutionnaire, en Asie ou dans les bagnes de la Guyane – notamment les enquêtes « Au bagne », publiées dès 1923 – témoignent d’un regard toujours attentif aux drames et aux injustices rencontrés sur son chemin. Cette écriture, qui n’a de cesse de « porter la plume dans la plaie » (selon sa devise), trouve dans l’exploration de la folie une nouvelle matière à réflexion, prolongeant son engagement à donner la parole aux oublié-e-s et à questionner les systèmes de pouvoir qui les enferment.

Albert Londres. Source, France Info : https://www.franceinfo.fr/monde/europe/albert-londres-une-vie-de-reporter_3072301.html

Plongée dans l’asile : une enquête de l’intérieur

Si l’asile au sens noble du terme a pu remplir sa fonction auprès de certain-e-s patient-e-s, les témoignages d’anciens malades et les récits de journalistes infiltrés rappellent à l’opinion publique et aux gouvernements l’existence de conditions d’accueil souvent indignes. Nellie Bly (Ten Days in a Mad-House, 1887), Albert Londres (Chez les fous, 1925) ou Louis Roubaud (Démons et déments, 1933) décrivent promiscuité, maltraitance et absence de soins. Avant eux, Dorothea Dix, surnommée « Dix le dragon », militante américaine, avait vigoureusement fait campagne auprès du Congrès pour créer les premiers asiles mentaux publics aux États-Unis.

Albert Londres reçoit en 1925 la mission de son rédacteur en chef, Élie-Joseph Bois, d’enquêter pour Le Petit Parisien sur les conditions de traitement des personnes internées dans les asiles français. Rapidement confronté à l’hostilité et à la méfiance des responsables, il se heurte à des portes closes et voit toute enquête officielle compromise.

Plutôt que de renoncer, il déploie alors une stratégie : se faire passer lui-même pour fou afin d’être admis dans l’environnement asilaire. Cette immersion volontaire lui permet de franchir les barrières institutionnelles, d’observer au plus près le quotidien des patient-e-s, de surprendre les gestes des soignant-e-s, et d’assister aux scènes de la vie ordinaire et extraordinaire de l’asile.

Armé de sa plume acérée et d’un humour mordant, Londres esquisse des portraits truculents de médecins et de malades, rapporte des anecdotes cocasses et met en lumière les absurdités, la violence symbolique et les paradoxes qui traversent l’institution psychiatrique. À travers son récit, il donne voix à celles et ceux que l’on n’entend jamais, considérant la folie comme une expérience humaine singulière plutôt que comme un simple objet de pouvoir médical.

La page de garde de l’ouvrage d’Albert Londres (BnF Gallica).

Le docteur Dide et l’asile comme sanctuaire de la folie

Les chapitres consacrés à la maison de Braqueville, en Haute-Garonne, offrent une illustration de cette approche. Ils présentent le docteur Maurice Dide (1873-1944), maître des lieux, comme « un aliéniste qui tient du merveilleux », tant il parvient à faire des miracles avec ses patient-e-s (79). Son secret ? Laisser les fous à leur folie. Avec conviction, Dide défend l’idée que « la folie est un état qui en vaut un autre » et que « les fous doivent pouvoir, dans ces maisons, vivre tranquillement leur vie de fou. Et ce savant a raison. C’est assez que l’on ne puisse les guérir » (80), commente Londres.

Dans son établissement, la folie prend une dimension sacrée : elle est vécue comme « un talent que l’on respecte, une chute d’eau que l’on ne cherche pas à canaliser pour faire de la houille blanche. Les neiges ont fondu, qu’elles s’écoulent suivant les fantaisies de la nature » (82).

Plus loin, Londres écrit : « Dide va aux fous, et n’attend pas que les fous aillent à lui. Celui-ci a la manie d’être joyeux. Dide éclaire sa figure d’un franc sourire, trempe sa voix dans un bain de gaieté. – Allô ! Dario ! fait-il, bourrant amicalement l’épaule de l’homme heureux, tout est encore très beau, ce matin, n’est-ce pas, mon ami ? – Tout roule sur des roulettes idéales, patron. – Si ça roule ? Mais à merveille, vieux frère ! – Vieux frère ! Va ! dit le malade, qui éclate de contentement. » (82-83).

Cette approche singulière, centrée sur la liberté d’être et de ressentir, amène Londres à s’interroger : « Les malades guérissent-ils moins rapidement qu’ailleurs dans la maison du docteur Dide ? Ils retrouvent plus vite la lumière. Ce n’est pas en exaspérant ces malheureux qu’on les ramène à la raison. Pour soigner les fous, il faut d’abord prendre la peine de comprendre leur folie » (86).

Maurice Dide (1873-1944), médecin, neurologue et penseur de la psychiatrie du XXe siècle, résistant, est mort en déportation au camp de Buchenwald en mars 1944, après avoir participé activement à la lutte contre l’occupant nazi au sein des réseaux toulousains et du Noyautage des Administrations Publiques. Source : https://francoisverdier-liberationsud.fr/maurice-dide/

« L’armoire aux cerveaux »

Le docteur Dide apparaît également comme un homme de son époque : médecin et scientifique engagé, il cherche à percer les mystères de la folie jusque dans la matière même du cerveau, entraînant Londres à la découverte de son laboratoire et de ses étonnantes collections. Voici le chapitre intitulé « L’armoire aux cerveaux » (89-90) :

« Un après-midi, le docteur Dide me dit : – Venez voir mon laboratoire. Les travaux de ce savant sont célèbres par le monde. Au moyen d’une machine perfectionnée, il coupe les cerveaux en tranches minces comme l’on fait du jambon de Parme dans les boutiques italiennes d’alimentation. Il examine ensuite la chose au microscope. De là sortira peut-être la clé de la maladie mystérieuse. Du moins espérons-le.

Je me promenais donc, respectueusement, dans ce temple de l’avenir, quand, soudain, je tombai en arrêt devant un réduit imprévu. Cent vingt pots de chambre, chacun dans un joli petit casier, ornaient seuls les murs de ce lieu. Aux anses pendaient des étiquettes portant noms d’hommes et de femmes et, en dessous : D. P. (démence précoce). Délire progressif. Confusion mentale, psychoses symptomatiques, lésions circonscrites ; P. G. marche rapide. Épilepsie. Idiotie.

Ces pots de chambre aussi correctement présentés avaient dans leur air quelque chose de fascinateur. – C’est mon armoire à cerveaux, fit Dide. Il tira un pot par l’anse : un cerveau nageait dans un liquide serein. Regardant l’étiquette, le savant me dit : – C’est Mme Boivin. – Enchanté ! – Je demeurais en extase devant l’armoire. – Parfait ! fis-je, vous avez là de beaux cerveaux, mais pourquoi dans des pots de chambre ? Le maître me regarda bien en face et me répondit : – Parce que le pot de chambre, monsieur, est la forme idéale du cerveau ! »

Les tissus humains récoltés à la Waldau au XXe siècle. Musée de la psychiatrie, Berne. Photographie de Mireille Berton (2025).

Et si Albert Londres avait rencontré Ernst Grünthal ?

En lisant ces pages, on se surprend à imaginer Albert Londres franchissant, dans les années 1950, le seuil du laboratoire d’anatomie cérébrale de l’hôpital psychiatrique de la Waldau (Berne), engageant une conversation avec Ernst Grünthal (1894-1972) – à la seule condition que le premier ait échappé à la mort en 1932 et que le second ait, durant son exil suisse, maîtrisé la langue française. Quel échange aurait pu naître de cette rencontre rêvée ?

Il aurait sans doute été marqué par la confrontation des méthodes et une interrogation mutuelle sur le sens de la folie. D’un côté, l’œil aigu du reporter, farouche défenseur de la subjectivité des malades et critique des institutions, aurait interrogé Grünthal sur sa volonté de localiser les troubles mentaux dans les replis du cerveau, sur la rigueur froide de la collecte anatomique et sur l’usage du film pour saisir « l’invisible » des pathologies.

Photographie de Ernst Grünthal dans son Laboratoire, 1957. Musée de la psychiatrie de Berne.

Face à lui, Grünthal aurait exposé son credo : la nécessité d’explorer le substrat organique des troubles pour mieux comprendre – mais non abolir – la dimension humaine de la souffrance psychique. Leur conversation aurait balayé la frontière entre corps et esprit, doute et certitudes scientifiques.

Londres aurait insisté sur la nécessité de donner la parole aux malades, de ne pas les réduire à des objets de laboratoire ; Grünthal, de son côté, aurait rappelé que les recherches conduites à la Waldau, loin d’exclure la souffrance, cherche à la relier à ses traces dans la matière cérébrale, en mobilisant différents outils, dont le film.

De ce dialogue naîtrait une série de questions : où se situe la limite entre observation scientifique et respect de l’expérience humaine ? Comment le recours à la technique – du scalpel à la caméra – peut-il servir une psychiatrie attentive à la fois à la singularité du malade et à l’objectivation rigoureuse de ses symptômes ? Finalement, cette rencontre fictive aurait rassemblé deux artisans du témoignage, deux chercheurs attachés à décrypter les énigmes de la folie.

Les tissus humains de la Waldau. Musée de la psychiatrie, Berne. Photographie de Mireille Berton (2025).

Essayons donc d’imaginer ce dialogue…

Albert Londres (en observant les rayons de prélèvements cérébraux) :
« Docteur, je vois ici autant de cerveaux que de vies fracassées. Croyez-vous vraiment que l’on puisse saisir la folie à travers une coupe, une lame, un diagnostic ? La souffrance de vos malades ne réside-t-elle pas aussi dans leurs histoires perdues, leurs rêves, leurs failles — invisibles au microscope ? »

Ernst Grünthal (souriant, posant un bocal) :
« Vous posez la question essentielle, Monsieur Londres. Mais n’est-ce pas aussi notre devoir d’explorer, de comprendre la matière même dont naît la souffrance ? Si je traque les lésions du cerveau, c’est pour approcher ce que les mots et les confessions parfois nous dérobent : la part d’énigme biologique dans l’épreuve de la folie. »

Albert Londres (s’adossant à la porte du laboratoire) :
« Je crains que cette traque ne transforme les fous en objets d’étude. Le récit que je rapporte cherche leur voix, leur singularité, l’éclair d’humanité derrière les murs de l’hôpital. Permettez cette question directe: votre caméra, vos films, vos machines : servent-ils plus la vérité des vivants, ou celle de la science ? »

Ernst Grünthal (réglant un appareil d’EEG) :
« Le film, Monsieur Londres, n’est pas pas là pou réduire le malade à une anomalie. Ils prolongent la clinique. Il permet de capter l’évolution d’un geste, d’observer des signes que la parole masque ou déforme. Mais je conviens que la caméra, comme la plume, n’est jamais neutre. Peut-être sommes-nous tous deux piégés entre exigence de rigueur et tentation du récit. »

Albert Londres (prenant des notes) :
« À chacun son arme : la vôtre est la lumière blanche du laboratoire, la mienne, l’observation engagée. L’essentiel n’est-il pas, pour nous deux, d’éviter que la folie ne soit jamais réduite au silence ? Il faudrait à la fois ouvrir les cerveaux… et ouvrir les oreilles et nos yeux. »

Ernst Grünthal (pensif) :
« Vous touchez juste. Nous avançons sur des lignes parallèles : vous cherchez la liberté des subjectivités, j’explore la vulnérabilité biologisée. Il y a dans nos démarches une complémentarité nécessaire : documenter, conserver, raconter, écouter. »

Ce dialogue imaginaire mettrait ainsi en lumière la tension entre science et expérience vécue, entre objectivation et humanisme, illustrant la nécessité de penser la psychiatrie comme un espace de dialogue entre plusieurs savoirs et plusieurs formes de témoignage.

Une leçon de respect et d’humilité

L’immersion d’Albert Londres dans l’univers du docteur Dide révèle à la fois la singularité d’une pratique psychiatrique respectueuse de la folie et l’ironie mordante du reporter face aux tentatives médicales de percer ses mystères. L’« armoire aux cerveaux », laboratoire et étrange musée, incarne cette volonté de combiner quête scientifique et acceptation d’une altérité irréductible : en observant ces cerveaux soigneusement conservés « dans des pots de chambre », Londres souligne aussi la part d’absurdité et d’humanité qui traverse la médecine face à l’énigme de l’esprit humain.

Mais derrière l’humour et la satire, affleure une vraie leçon : soigner, ce n’est pas seulement disséquer ou diagnostiquer, mais aussi reconnaître la singularité de chaque trajectoire mentale. En donnant la parole aux patient-e-s, en interrogeant la légitimité de leur enfermement et en saluant l’approche non violente du docteur Dide, Albert Londres invite à ne jamais réduire la folie à un objet d’étude ou à une anomalie à corriger.

Cent ans plus tard, le regard de Londres continue d’interroger nos pratiques, suggérant qu’il n’y a ni solution miracle, ni « forme idéale du cerveau », mais un effort constant pour « comprendre la folie » là où la société préfère la réduire à des statistiques. Ainsi, l’armoire docteur Dide apparaît, avant tout, comme une invitation à placer l’écoute, le respect et l’éthique au centre de toute approche de la différence.

Un siècle de bouleversements

L’actualité d’Albert Londres n’a pas échappé à Emmanuel Venet, psychiatre et écrivain qui vient de publier chez Verdier Retour chez les fous, Cent ans après Albert Londres :

« Cent ans plus tard, le paysage a bien changé. Des progrès considérables ont été accomplis et ont permis à la psychiatrie de devenir une discipline authentiquement thérapeutique. Hélas, après une période faste allant des années cinquante à la fin du XXe siècle, la psychiatrie publique aujourd’hui désargentée et sursollicitée se replie sur une logique sécuritaire et une désolante vision biomédicale des troubles mentaux. Face à elle, les établissements privés prospèrent, mais la logique financière y concurrence la mission sanitaire d’une façon préoccupante. Ce dispositif laisse à l’abandon de nombreux malades, pas assez solvables pour être soignés en clinique privée, pas assez dangereux pour relever de l’hôpital public. Un tel scandale n’a pourtant rien d’inéluctable. » (Emmanuel Venet).

En rendant hommage à Albert Londres, Venet inscrit son propos dans une longue durée qui relie la dénonciation des conditions asilaire du début du XXe siècle aux paradoxes contemporains : la psychiatrie est aujourd’hui en crise, fragmentée entre un secteur public précarisé, recentré sur la gestion des « urgences » et des situations présentées comme menaçantes, et un secteur privé où la prise en charge devient l’apanage des plus fortunés.

Mais le « scandale » que dénonce Venet n’est pas seulement l’héritage d’une histoire ancienne ; il s’agit d’un problème actuel, fruit de choix de société et de politiques publiques : défiance envers la psychiatrie, montée de la logique sécuritaire, emprise du modèle biomédical et financiarisation du soin (des choix aussi dénoncés par Matthieu Bellhasen dans différents travaux).

Destins croisés

Albert Londres, après avoir dénoncé les errances asilaires et souligné avec respect la particularité de la démarche du docteur Dide, connaîtra lui-même un destin tragique : il meurt en 1932 dans l’incendie d’un paquebot au large de la mer Rouge, alors qu’il revenait d’un reportage. Quant à Georges Dide, fidèle à son engagement humaniste, il devient résistant sous l’Occupation ; arrêté par les nazis, il meurt en déportation dans un camp de concentration.

Leurs trajectoires s’achèvent dans la violence de l’histoire, mais leur héritage demeure : l’un par sa plume incisive, l’autre par sa pratique respectueuse de la folie, ils sont unis par une même exigence d’humanité. Leur destinée illustre la leçon centrale du reportage de Londres : l’humilité devant la souffrance mentale, le devoir d’écoute, et le courage de ne jamais réduire l’autre à une énigme à disséquer ou à enfermer. À travers le temps, le respect singulier de Dide et l’ironie lucide de Londres résonnent comme un appel à soigner, à comprendre, et à résister à toute forme de déshumanisation.

En écho aux destins de Maurice Dide et d’Albert Londres, celui d’Ernst Grünthal rappelle combien la trajectoire d’un chercheur peut se trouver bouleversée par les tragédies de l’Histoire. Contraint de quitter l’Allemagne nazie en 1934 en raison de ses origines juives, Grünthal doit son salut à l’exil en Suisse et à l’accueil de la Waldau, tandis que sa mère mourra déportée à Theresienstadt.

À travers ces vies traversées par l’épreuve, la dignité du soin et de l’enquête se donne comme une modeste forme de résistance au naufrage des époques…

Mireille Berton (8 septembre 2025)

Références

  • BLY, Nellie, Dix jours dans un asile : Un reportage, trad. de l’anglais pas Hélène Cohen, Paris, Éditions du sous-sol, 2015.
  • LONDRES, Albert, Chez les fous, Paris, Arléa, 2020 [1925].
  • ROUBAUD, Louis, Démons & déments, Paris, L’Éveilleur, 2017 [1933].

Autour d’Albert Londres

  • CAHIER, Bernard, Albert Londres, Terminus Gardafui, Paris, Arléa, 2012.
  • DEBRAY, Régis, Sur la mort d’Albert Londres, Paris, Arléa, 2008.
  • FOLLÉAS, Didier, Albert Londres en Terre d’ébène, Paris, “Arléa-Poche”, 2009.
  • VENET, Emmanuel, Retour chez les fous. Cent ans après Albert Londres, Verdier, 2025.

[Cours Au25] Cinéma et antipsychiatrie : images d’un mythe ?

Descriptif du cours Bachelor donné cet automne à l’Université de Lausanne, Section d’Histoire et esthétique du cinéma. Tous les vendredi 12h30-14h00 à partir du 19 septembre 2025.

Sous quelles formes et avec quels effets le cinéma a-t-il contribué à nourrir l’imaginaire contrasté entourant l’institution psychiatrique, ses lieux, ses protagonistes (soignant·es et patient·es) et ses méthodes ?

L’asile a toujours constitué un espace privilégié pour le cinéma, notamment parce qu’il offre un cadre propice au déploiement de récits ambigus, marqués par l’indécidabilité et l’émergence de réalités alternatives (pensons au Cabinet du docteur Caligari, 1920).

Comme l’explique Laurent Gilson, loin de fournir une représentation fidèle ou vraisemblable de l’asile et de la folie, le cinéma s’est avant tout révélé être un puissant moteur de l’imaginaire psychiatrique. Par ses images, il a perpétué la mémoire de ces lieux, même lorsque celle-ci ne correspondait pas à la réalité vécue par les patient·es et les soignant·es. Ce pouvoir d’évocation a ainsi contribué à façonner une histoire (audio)visuelle de l’asile, à lui donner des formes reconnaissables qui font désormais partie du patrimoine culturel collectif.

Cet imaginaire est en grande partie imprégné d’images terrifiantes, représentant la psychiatrie comme une « institution totalitaire » au sens d’Erving Goffman, et non comme un espace de soin. Comparée, au sortir de la Seconde Guerre mondiale, aux camps de concentration nazis, l’« institution totalitaire » incarnée par l’asile psychiatrique connaît une crise sans précédent, entraînant une vague de réflexions dont les mouvements antipsychiatriques sont probablement les plus connus.

Qu’il s’agisse de fiction ou de documentaire, nombre de films éclairent les zones d’ombre de la psychiatrie, interrogeant son éthique et ses fondements scientifiques. Plutôt que de se demander dans quelle mesure ces images seraient conformes ou non à la réalité sociale des pratiques médicales, on cherchera à analyser ce qu’elles révèlent du rôle de la psychiatrie et du cinéma en tant que discours sur une société aux prises avec la maladie mentale, et plus largement avec l’altérité.

Plus précisément, il s’agira d’envisager le cinéma comme un espace critique : critique de l’asile lui-même, mais aussi critique sociale, en particulier à partir des années 1960, lorsque cette institution cristallise des aspirations contestataires. Le cinéma devient alors la chambre d’écho des débats portés par les partisans de la désinstitutionnalisation, de l’antipsychiatrie et de la psychiatrie sociale.

Deux questions guideront ainsi notre réflexion : sous quelles formes le cinéma a-t-il répercuté ces débats, dans la fiction comme dans le documentaire ? Et dans quelle mesure a-t-il eu un impact sur l’antipsychiatrie elle-même, compte tenu des images négatives qu’il a véhiculées à travers, par exemple, drames et films d’horreur ?

À partir de ces interrogations, ce cours analysera un ensemble de films de fiction et documentaires permettant d’observer comment le cinéma s’est positionné face à la crise de la psychiatrie et à la « fin des asiles ». Nous verrons que, s’il n’a pas été à l’origine de cette crise au milieu du XXe siècle, il l’a accompagnée, voire catalysée, sur le plan symbolique.

Le mot mythe n’est pas à comprendre comme « mensonge », mais comme une construction symbolique et culturelle. Le cinéma a produit et diffusé des images durables de la psychiatrie : l’asile comme lieu d’enfermement, le médecin comme figure d’autorité, le·la patient·e comme marginal·e ou victime. De la même façon, il a aussi véhiculé des représentations mythiques de l’antipsychiatrie : révolte des patient·e·s, communautés alternatives, critique radicale de l’institution.

Or, dans les faits, l’antipsychiatrie historique n’a été qu’assez limitée et n’a pas transformé en profondeur la psychiatrie. Le cinéma a donc contribué à façonner un imaginaire collectif beaucoup plus large que la réalité des pratiques : l’« image d’un mythe ». Aussi, le cinéma a-t-il contribué à forger un mythe de l’antipsychiatrie des représentations culturelles fortes (révolte des patient·e·s, alternatives communautaires), mais une réalité historique limitée (l’antipsychiatrie n’a pas véritablement transformé la psychiatrie).

Objectifs de cours

  1. Comprendre les grands débats historiques, théoriques et politiques qui ont façonné la critique de l’institution psychiatrique depuis l’après-guerre, en particulier à travers les mouvements de désinstitutionalisation et d’antipsychiatrie.
  2. Analyser la manière dont le cinéma – fictionnel et documentaire – a représenté l’asile, ses acteurs·trices et ses pratiques, et a contribué à construire un imaginaire collectif autour de la psychiatrie.
  3. Développer une capacité critique pour interpréter les films en lien avec leur contexte de production, leurs enjeux esthétiques et leur inscription dans les discours sociaux, médicaux et politiques sur la folie et l’altérité.
  4. Évaluer le rôle du cinéma comme espace de réflexion et de contestation, capable d’accompagner ou de catalyser des transformations symboliques et culturelles dans la perception de la psychiatrie.

Corpus filmique principal

Bedlam (Mark Robson, États-Unis, 1946)

La Fosse aux serpents (The Snake Pit, Anatole Litvak, États-Unis, 1948)

La Société lozérienne d’hygiène mentale (François Tosquelles, France, 1954-1957)

Regard sur la folie (Mario Ruspoli, France, 1962)

Shock Corridor (Samuel Fuller, États-Unis, 1963)

Titicut Follies (Frederick Wiseman, États-Unis, 1967)

La Favola del serpente (Pikko Peltonen, Italie/Finlande, 1968)

I Giardini di Abele (Sergio Zavoli, 1968) (TV)

Vous comprenez pourquoi je pleure ? (Begrijpt u nu waarom ik huil?, Louis van Gasteren, Pays-Bas, 1969)

Family Life (Ken Loach, Royaume-Uni, 1971)

Asylum (P. Robinson, Royaume-Uni, 1972)

Jaime (António Reis, Portugal, 1974)

Matti da slegare (Sandro Petraglia, Stefano Rulli, Silvano Agosti et Marco Bellochio, 1975, Italie)

Vol au-dessus d’un nid de coucou (Milos Forman, États-Unis, 1975)

San Clemente (Raymond Depardon et Sophie Ristelhueber, France, 1980)

Urgences (Raymond Depardon, France, 1988)

12 jours (Raymond Depardon, France, 2017)

Références

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BUELTZINSLOEWEN, Isabelle von, « Quel(s) malade(s) pour quel asile ? Le débat sur l’internement psychiatrique dans la France de l’entre-deux-guerres », dans Laurence Guignard, Hervé Guillemain et Stéphane Tison (dir.), Expériences de la folie. Criminels, soldats, patients en psychiatrie (XIXe-XXe siècles), Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2013, pp. 263-274.

BUELTZINSLOEWEN, Isabelle von, « Le militantisme en psychiatrie de la Libération à nos jours. Quelle histoire !? », Sud/Nord, n° 25, 2010/1, p. 13-26.

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FAUVEL, Aude, « “En dehors des murs”. Pour une histoire renouvelée des institutions de la folie à l’époque contemporaine », Scienzia e Filosofia, n°13, 2015, pp. 58-74.

FAUVEL, Aude, « Le crime de Clermont et la remise en cause des asiles en 1880 », Revue d’Histoire moderne et contemporaine, vol. 49, n°1, janvier-mars 2002, pp. 195-216.

FROMENTIN, Clément, « Le mouvement des Hearing-Voicers », dans Laurence Guignard, Hervé Guillemain et Stéphane Tison (dir.), Expériences de la folie. Criminels, soldats, patients en psychiatrie (XIXe-XXe siècles), Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2013, pp. 303-312.

FUSSINGER, Catherine, « “Therapeutic Community”, Psychiatry’s Reformers and Antipsychiatrists : Reconsidering Changes in the Field of Psychiatry after World War II », History of psychiatry, vol. 22, n° 2, 2011, p. 146-163.

GUILLEMAIN, Hervé, « Les faux-semblants de la déshospitalisation à la française (des années 1960 aux années 1980), dans dans Alexandre Klein, Hervé Guillemain et Marie-Claude Thifault (dir.), La fin de l’asile? Histoire de la déshospitalisation psychiatrique dans l’espace francophone, Rennes, Presses universitaires de Rennes, coll. “Histoire”, 2018, pp. 157-170.

GROB, Gerald N., The Mad Among Us : A History of the Care of America’s Mentally Ill, Cambridge/Londres, Harvard University Press, 1994.

HENCKES, Nicolas, « Entre thérapie et oblation. Le discours de l’UNAFAM sur les familles de malades mentaux (1963-1980) », dans Laurence Guignard, Hervé Guillemain et Stéphane Tison (dir.), Expériences de la folie. Criminels, soldats, patients en psychiatrie (XIXe-XXe siècles), Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2013, pp. 313-322.

HOCHMANN, Jacques, Les Antipsychiatries. Une histoire, Paris, Odile Jacob, 2015.

KLEIN, Alexandre, GUILLEMAIN, Hervé et THIFAULT, Marie-Claude (dir.), La fin de l’asile ? Histoire de la déshospitalisation psychiatrique dans l’espace francophone, Rennes, Presses universitaires de Rennes, coll. “Histoire”, 2018.

MAJERUS, Benoît, « Dire la folie. Expériences de patients psychiatriques (1930-1980) », dans Laurence Guignard, Hervé Guillemain et Stéphane Tison (dir.), Expériences de la folie. Criminels, soldats, patients en psychiatrie (XIXe-XXe siècles), Rennes, Presses universitaires de Rennes, 2013, pp. 293-302.

ROBCIS, Camille, Désaliénation. Politique de la psychiatrie. Tosquelles, Fanon, Guattari, Foucault, Paris, Seuil, 2024 [première édition, The University of Chicago Press : 2021].

SISTI, Dominic A., SEGAL, Andrea G. et EMANUEL, Ezekiel J., « Improving Long-term Psychiatric Care. Bring Back the Asylum », Journal of the American Medical Association, vol. 313, n°3, 20 janvier 2015. 243-244.

STUCKI, Virginie, Antipsychiatrie et droit des patient.es. Mouvements contestataires et crise institutionnelle à Genève (1972-1989), Chêne-Bourg (Genève), Georg, coll. Médecine et Société (CMS), 2025.

Contact: mireille.berton@unil.ch

Rethinking media through disability: Reflections on an inspiring panel

I had the pleasure of serving as the respondent for the panel Rediscovering Media Studies Through Disability, organized by Bregt Lameris at NECS 2025 in Lisbon and supported by the Media, Health and Disability workgroup. This rich and thought-provoking session brought together scholars who are redefining how we understand media history and practice through the lens of disability. Lesley Verbeek and Daniëlle Amelsbeek explored road movies as narrative spaces for encounter and inclusion; Magdalena Zdrodowska traced a hidden genealogy of intertitles in deaf cinema. What all the presentations shared was a commitment to disability not just as a topic, but as a method — a way of reshaping research, storytelling, and cultural critique.

Lesley and Daniëlle’s talk on road movies as “liminal spaces” for transformative encounters between disabled and non-disabled characters raised complex questions about narrative agency and inclusive storytelling. It made me think of the recent French hit Un p’tit truc en plus (A Little Something Extra, Artus, 2024), a feel-good comedy featuring disabled actors. While the film was widely praised for its inclusivity, it also follows a familiar pattern: the emotional arc belongs mainly to the able-bodied characters, with disabled characters serving as catalysts for someone else’s redemption. This prompted me to ask: do we need to move beyond these models of “transformation”? Could we imagine stories where characters don’t need to change to be meaningful — where presence, not progress, is the point?

Magdalena Zdrodowska’s beautiful reconstruction of intertitles as a persistent, creative practice in deaf filmmaking — long after the silent era — offered a powerful example of how disability disrupts linear, progress-based film history. Her talk also resonated with contemporary TV shows like Undone, This Close, or the nearly silent episode of Only Murders in the Building, which play with sound and subtitles to reflect diverse sensory worlds. I asked whether such industry trends are part of a longer lineage of deaf creative practice, or if they represent a separate, perhaps more market-driven moment.

What all the speakers emphasized — and what stayed with me — is that disability doesn’t just require new representation. It invites us to rethink how we work: who speaks, who decides, who tells the story. Could fiction films follow this inclusive path? Could we imagine more co-writing or co-directing processes with disabled creators, not just as actors, but as authors?

One of the questions that came up during the discussion was a tricky one: Is it better to have caricatured, stereotypical representations of disabled characters — or no representation at all? The answer often depends on where you’re coming from. For scholars, even problematic portrayals can be useful: they provide material for analysis, critique, and public discussion. They open up space to reflect on what “accurate” representation might look like — and why it matters. But for disabled audiences, the stakes are different. Many express frustration at being either misrepresented or completely invisible. In this context, the absence of representation can feel like a denial of existence — yet stereotyped portrayals can reinforce stigma and exclusion. So the question isn’t easy. It’s not just about if disability is shown, but how, why, and by whom.

To move forward, we need not only better stories, but better systems — more inclusive training, funding models, and storytelling practices. Initiatives like Retour d’image or Un autre regard in France are a start, but structural change requires sustained effort and critical solidarity.

This panel reminded us that disability is not a problem to be solved, but a perspective to be heard — one that can transform not only our media, but our methods.

MB

Navigating (Mental) Health and Environmental Crises Through Cinematic and Digital Lenses

In the name of the Media, Health & Disablity workgroup, we presentend a panel at The NECS 2025 Conference “Discovering/Uncovering. Navigating the Complexities of Screen Media” (Lisbon, June 18–21, 2025): Navigating (Mental) Health and Environmental Crises Through Cinematic and Digital Lenses.

This panel examines the intersection of (mental) health and environmental crises as depicted in contemporary cinema and media. It explores how audiovisual narratives serve as platforms for uncovering and representing psychological conditions emerging in the Anthropocene era, with a particular focus on eco-anxiety and related mental health challenges.

The presentations investigate the role of autobiographical documentary filmmaking as a self-therapeutic approach to mental illness, highlighting the camera’s function as a tool for self-exploration and empowerment. They analyze how personal narratives within documentaries provide intimate insights into individuals’ experiences with mental illness, emphasizing the therapeutic and reflective aspects of these stories.

Additionally, the panel delves into the concept of “digital topographies of the self,” examining how digital media facilitates the reconstruction and repair of fragmented identities affected by mental health crises. It considers the fluctuating boundaries between private and public spaces in digital autobiographical narratives and how these narratives contribute to a deeper understanding of the human psyche during ecological upheaval.

Furthermore, the discussions address the portrayal of personal suffering as environmental suffering, exploring how filmmakers draw parallels between individual bodily pain and ecological distress. This perspective offers a nuanced understanding of how environmental degradation impacts mental health, reflecting on the interconnectedness of personal and planetary well-being.

By engaging with these themes, the panel aims to foster a comprehensive discussion on the responsibilities and complexities inherent in representing mental health and environmental crises in media. It seeks to uncover how cinematic and media narratives can contribute to destigmatizing mental health challenges and promote a deeper understanding of the psychological impacts of environmental issues in the contemporary world.

References

  • BRERETON, Pat (2015). Environmental Ethics and Film, London, Routledge.
  • BROPHY, Hailie, OLSON, Joanne, PAUL, Pauline (2023). “Eco-anxiety in Youth: An Integrative Literature Review”, International Journal of Mental Health Nursing 32(2), 633-661.
  • COHEN, Joshua L. and JOHNSON, J. Lauren (eds) (2015). Video and Filmmaking as Psychotherapy. Research and Practice, London/New York, Routledge.
  • DIETRICH, Tobias and PAULEIT, Winfried (eds.) (2022). Kopf/Kino. Psychische Erkrankung und Film, Berlin, Bertz und Fischer.
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  • JOHNSON, J. Lauren and ALDERSON, Kevin G. (2007). “Therapeutic Filmmaking: An Exploratory Pilot Study”, The Arts in Psychotherapy 35(1), 2008, 11-19.
  • KURTH, Charlie and PIHKALA, Panu (2022). “Eco-anxiety: What It Is and Why It Matters”, Frontiers in Psychology 13, https://doi.org/10.3389/fpsyg.2022.981814
  • Leb PIHKALA, Panu (2020). “Anxiety and the Ecological Crisis: An Analysis of Eco-Anxiety and Climate Anxiety”, Sustainability 12(19), https://doi.org/10.3390/su12197836
  • SABATINO, Anna Chiara (2022). “Audiovisual Means to Therapeutic Ends. The Cinematic Dispositif within Medical Humanities”, Cinéma & Cie, 22(39).
  • RUST, Stephen, MONANI, Salma and CUBITT, Sean (eds.) (2015). Ecomedia. Key Issues, London, Routledge.
  • TSCHESCHEL, Janin and HARTMANN, Britta (2022). “Gespräche mit verrückten Frauen. Selbsterkundung und Selbstmächtigung im autobiograpischen Dokumentarfilm”, in Tobias Dietrich and Winfried Pauleit (eds.), Kopf/Kino. Psychische Erkrankung und Film, Berlin, Bertz und Fischer, 116-126.
  • Paper 1: Janin Tschechel – Filmmaking as Therapy. Autobiographical Documentary Filming as a Self-therapeutic Approach to Mental Illness
  • Paper 2: Mireille Berton – Digital Topographies of the Self: Navigating Mental Health in Je ne me souviens de rien (Diane Sara Bouzgarrou, 2017)
  • Paper 3: Tobias Dietrich – Personal Suffering as Environmental Suffering: Understanding Body-specific Pain with Ecological References in Erica Monde’s There is not much we can do (2022)
  • Paper 4: Anna Chiara Sabatino & Paola Lamberti – Digital Healthcare and eco-anxiety: discovering self-representational green storytelling on Ecotok

Je ne me souviens de rien (Diane Sara Bouzgarrou, 2017)
Je ne me souviens de rien (Diane Sara Bouzgarrou, 2017)

Janin Tschechel – Filmmaking as Therapy. Autobiographical Documentary Filming as a Self-therapeutic Approach to Mental Illnes

Mental illness is often a lifelong journey. It is a journey with its ups and downs, a journey on which people often rediscover themselves and their environment, forcing them to revise their concept of identity.

Against this backdrop, the presentation will highlight the specific challenges and self-therapeutic potential that arise when filmmakers create documentary films about the course of their own illness from the perspective of those affected. These films use the camera not only as a tool of observation, but also as a medium of self-exploration and as a means of providing evidence and reassurance of one’s own emotional state in times of crisis.

The focus of the paper is on long-term projects such as that of Gamma Bak (Schnupfen im Kopf, Germany 2010), who films herself over a period of years in times of crisis, emphasizing the processual nature of her own reflections rather than the completed report of a retrospective. These works unfold a unique dynamic: the camera opens up an emotional resonance space in which the (previously) unspoken becomes visible and can be made the subject of discussion.   

The central research questions to be addressed in this lecture are as follows: What role does the camera play as a tool for self-exploration, self-therapy and self-empowerment? What aesthetic and narrative strategies do filmmakers develop to make their subjective experience accessible without turning to voyeurism or pathos? And how can the film diary function as an intermediary between personal processing and public debate?

The analysis situates these works within the field of tension between personal therapy, documentary practice and artistic intervention, and explores the contribution of the filmic medium to dealing with individual traumas, but also to reflecting on social narratives of mental illness.

Keywords: mental illness, therapeutic filmmaking, self-exploration; Gamma Back; documentary

Janin Tscheschel is a research assistant at the Institute for Linguistics, Media and Music Studies at the University Bonn. She is currently undertaking her PhD, which focuses on the representation of mental illness in documentary film. Prior to this, she completed a bi-national Bachelor’s degree in German-French Studies at the University of Bonn and at the Université Paris Sorbonne, Paris IV. She subsequently pursued a trinational Master’s degree programme in European Film and Media Studies at the Bauhaus University Weimar, the Université Lumière Lyon 2 and the Universiteit Utrecht. Alongside her role as a research assistant, she works as a freelance video/photographer and editor.

Mireille Berton – Digital Topographies of the Self: Navigating Mental Health in Je ne me souviens de rien (Diane Sara Bouzgarrou, 2017)

The French documentary film Je ne me souviens de rien (2017) by Diane Sara Bouzgarrou offers an exploration of mental health through the lens of personal experience and digital media. It serves as a first-person account of the director’s manic-depressive episode during the Tunisian revolution of 2010, intertwining personal turmoil with political upheaval. Utilizing a variety of digital recording devices, Bouzgarrou captures her experiences in real-time, creating a rich archive of audiovisual material. This collection includes footage from a lightweight digital camera, mobile phone recordings, photographs, writings, drawings, and collages. These digital traces, preserved by her partner and fellow filmmaker Thomas Jenkoe, serve as a surrogate memory, compensating for the amnesia that followed her depressive phase. Incorporating textual interludes, the film provides reflective commentary that bridges past and present, offering insights into the director’s journey toward self-reconstruction.

I will argue that “Je ne me souviens de rien” functions as a mnemonic psychic envelope (Anzieu 1995; Lavallée 1999), capable of reconstructing and repairing a damaged self, undermined by the manic-depressive episode, through technological memory. Without being a therapeutic film, it weaves a “digital topography” where the boundaries between private and public space are fluctuating and porous. The digital screens, both in and of the film, serve as supports for a raw artistic gesture that reveals the limits of creative documentary. They precisely sit at the intersection between the Self and the Non-Self (“I had become someone else”, says Bouzgarrou), the psychic and the technological, the intimate and the “extime” (Lacan 2006; Tisseron 2011). In doing so, they become interfaces for inscription, meaning, and communication, while the film transforms into a psychic envelope with containing, protective, and reflective virtues.

Keywords: Diane Sara Bouzgarrou; digital self; self-exploration; documentary; mental illness; Moi-Peau

Mireille Berton is a associate professor in the Department of History and Esthetics of Cinema at the University of Lausanne (Switzerland). Her research focuses on the relationship between cinema and the mind sciences (psychoanalysis, psychiatry, parapsychology), and the cultural history of spectatorship. She is the author of three books, Spectatrices du cinema : aux origines d’un imaginaire (Paris, 2025). Le Médium (au) cinéma. Le spiritisme à l’écran (Geneva, 2021), Le Corps nerveux des spectateurs. Cinéma et sciences du psychisme autour de 1900 (Lausanne, 2015). She is principal investigator of the SNFS project “Cinéma et (neuro)psychiatrie en Suisse: autour de la collection Waldau (1920–1970)” and is editing a collective volume with Julia B. Köhne, Cinematic Explorations of the Mind: Film Cultures in Neurology and Psychiatry in Europe, 1900-1960, to be published by Manchester University Press.

Tobias Dietrich – Personal Suffering as Environmental Suffering: Understanding Body-specific Pain with Ecological References in Erica Monde’s THERE IS NOT MUCH WE CAN DO (2022)

Endometriosis is a sex related chronic illness, that is estimated to globally affect every 10th person with an uterus. Tissue that normally covers the inside of the uterus, grows outside the uterus causing chronic pelvic pain, increased and prolonged menstrual cramps as well as nausea, painful urination and even infertility, amongst others. The history of endometriosis is a history of unacknowledged, misunderstood and misexplained female pain whose criteria of explanation have seemed to be more of moral and anti-feminist assessment than of medical knowledge. To this day, the causes are unknown and the willingness of research policy to investigate them is disproportionately low compared to the economic costs of 22 billion USD that they have caused in 2002 and may have increased since then. In comparison, migraine and Crohn’s disease, for example, cost society 865 million USD or 13-17 billion USD respectively. In contrast, the German government for example is providing 5 million euros annually for an initial period of three years to research the causes, progression and diagnostic and therapeutic approaches to endometriosis, responding to Macron’s 2022 announcement of a national strategy to combat endometriosis, which would envisage France leading the way in research and innovation. Although symptoms have been described since Hippocrates, this disease has only received increasing medical attention in recent decades and political in recent years.

In their essayfilm THERE IS NOT MUCH WE CAN DO (2022), Scotland-based Californian filmmaker and anthropologist Erica Monde, theirself affected by the condition, utilises the parallels to the sickness of nature, which also has only recently received serious research interest, to understand endometriosis not in a clinical context, but in an aesthetic one that places the body in connection with nature. On the one hand, they tie the discourse to the closeness to nature of former female practices, without slipping into the realm of the alternative or esoteric, and on the other hand, Monde refers to the discursive rhetoric of the ‘ecological grief’, which has itself only recently become an emerging scientific term, to pose questions about the troubled body and the diseased environment. The talk will explore how Monde utilises an associative process of audio-visual image-sound-text weaving, using the metaphor of the invasive species of Japanese Knotweed and its ecological and economic consequences for the UK, to present their own medical journey as link of endometriosis to the wider discourse of the ailing planet.

Keywords: eco-anxiety; endometriosis; Erica Monde; ecological grief’; medical journey

Dr. Tobias Dietrich: 2019–2024 university lecturer for film studies and film education at the Institute for Art History – Film Studies – Art Education/ZeMKI at the University of Bremen, Germany, doctoral thesis on the subject of ‘The Aesthetic Dimension of Mental Illness in Contemporary Auteur Films’. Founding member of the U-Bremen research network ‘Health Humanities and Audiovisual Cultures’ (He:Ku), freelance film curator and a member of the film jury at the Scottish Mental Health Arts Festivals, Glasgow. Publications: Kopf/Kino. Psychische Erkrankung und Film (2022, Berlin, co-ed. with Winfried Pauleit). Filme für den Eimer. Das Experimentalkino von Klaus Telscher (2017, Stuttgart).

Anna Chiara Sabatino & Paola Lamberti – Digital Healthcare and eco-anxiety: discovering self-representational green storytelling on Ecotok

In an era marked by ecological crisis, the growing eco-anxiety among the younger generation is not just a reaction to environmental catastrophes, but a symptom of a deep collective malaise. It is no longer just the future that is under threat, but also psychological well-being, since digital social media narratives have increasingly contributed to forming a catastrophic vision of the future, fueling multiple generations’ fears. However, self-narratives on platforms such as TikTok serve as a powerful act of participation, where young people not only confront eco-anxiety but turn these concerns into a journey towards awareness and change.

Through a combination of short formats and remixes (particularly of the documentary genre), the green influencers of the #Ecotok on TikTok combine personal narratives of eco-anxiety with political statements and calls to action. However, a further dimension emerges in the #Everydaylife vlogs, where the environment becomes a catalyst for reconnecting the individual with his or her identity. Such confrontation between opposite stylistic flows and narrative aims leads to a peculiar digital activism based on personal narratives, creating fertile ground for emotional and political explorations on younger generations’ health and well-being.

Our paper therefore aims to explore how the ecological crisis and psychological concerns are represented on Tik Tok self-representations, where younger people not only address their anxieties related to climate change, but also create new modes of ‘emotional navigation’ that combine collective participation with personal growth. In this perspective, digital healthcare manifests itself as an act of resistance in a response to the ecological crisis that is not only political, but also deeply individual and transformative.

Keywords: EcoTok; TikTok; green storytelling; eco-anxiety; self-narrative; ecological grief.

Anna Chiara Sabatino is an Adjunct Professor of Audiovisual Storytelling and Fellow Researcher in Visual Culture at University of Salerno. Member of the steering committee of the Audiovisual Storytelling Lab (Labsav), her ongoing research is focused on cinematic agency, amateur and participatory authorships, self-representation through mobile media and methodological applications for therapeutic images. As documentary filmmaker and Italian MIUR certificated trainee in media education, she holds participatory workshops and masterclasses in Italy and across Europe.

Paola Lamberti is a PhD student in Communication, Media, Languages at the University of Salerno. Her research focuses on the agentive and performative practices of youth narratives on social networks, digital storytelling and the relations between different regimes of subjective, historical and technological temporality. In particular, she focuses on narratives about the climate crisis and eco-anxiety in young people. Since graduating in Corporate Communication and Media, she collaborates with LABSAV (Laboratory of Audiovisual Storytelling) at the University of Salerno