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[Note de recherche] L’armoire aux cerveaux: Albert Londres chez le docteur Dide, à la rencontre de la folie sacrée

Albert Londres, pionnier du reportage social

En 1925, le journaliste Albert Londres (1884-1932) publie Chez les fous, alors qu’il est déjà reconnu pour ses enquêtes sociales. Bien avant de franchir les portes des asiles français, Albert Londres s’est imposé comme une figure emblématique du reportage d’investigation, façonnant un style engagé et une méthode directe au fil de ses aventures. Dès la Première Guerre mondiale, il se distingue par ses récits du front, dévoilant non seulement la violence des combats, mais aussi la détresse des civils.

Dans la foulée, ses reportages en Russie révolutionnaire, en Asie ou dans les bagnes de la Guyane – notamment les enquêtes « Au bagne », publiées dès 1923 – témoignent d’un regard toujours attentif aux drames et aux injustices rencontrés sur son chemin. Cette écriture, qui n’a de cesse de « porter la plume dans la plaie » (selon sa devise), trouve dans l’exploration de la folie une nouvelle matière à réflexion, prolongeant son engagement à donner la parole aux oublié-e-s et à questionner les systèmes de pouvoir qui les enferment.

Albert Londres. Source, France Info : https://www.franceinfo.fr/monde/europe/albert-londres-une-vie-de-reporter_3072301.html

Plongée dans l’asile : une enquête de l’intérieur

Si l’asile au sens noble du terme a pu remplir sa fonction auprès de certain-e-s patient-e-s, les témoignages d’anciens malades et les récits de journalistes infiltrés rappellent à l’opinion publique et aux gouvernements l’existence de conditions d’accueil souvent indignes. Nellie Bly (Ten Days in a Mad-House, 1887), Albert Londres (Chez les fous, 1925) ou Louis Roubaud (Démons et déments, 1933) décrivent promiscuité, maltraitance et absence de soins. Avant eux, Dorothea Dix, surnommée « Dix le dragon », militante américaine, avait vigoureusement fait campagne auprès du Congrès pour créer les premiers asiles mentaux publics aux États-Unis.

Albert Londres reçoit en 1925 la mission de son rédacteur en chef, Élie-Joseph Bois, d’enquêter pour Le Petit Parisien sur les conditions de traitement des personnes internées dans les asiles français. Rapidement confronté à l’hostilité et à la méfiance des responsables, il se heurte à des portes closes et voit toute enquête officielle compromise.

Plutôt que de renoncer, il déploie alors une stratégie : se faire passer lui-même pour fou afin d’être admis dans l’environnement asilaire. Cette immersion volontaire lui permet de franchir les barrières institutionnelles, d’observer au plus près le quotidien des patient-e-s, de surprendre les gestes des soignant-e-s, et d’assister aux scènes de la vie ordinaire et extraordinaire de l’asile.

Armé de sa plume acérée et d’un humour mordant, Londres esquisse des portraits truculents de médecins et de malades, rapporte des anecdotes cocasses et met en lumière les absurdités, la violence symbolique et les paradoxes qui traversent l’institution psychiatrique. À travers son récit, il donne voix à celles et ceux que l’on n’entend jamais, considérant la folie comme une expérience humaine singulière plutôt que comme un simple objet de pouvoir médical.

La page de garde de l’ouvrage d’Albert Londres (BnF Gallica).

Le docteur Dide et l’asile comme sanctuaire de la folie

Les chapitres consacrés à la maison de Braqueville, en Haute-Garonne, offrent une illustration de cette approche. Ils présentent le docteur Maurice Dide (1873-1944), maître des lieux, comme « un aliéniste qui tient du merveilleux », tant il parvient à faire des miracles avec ses patient-e-s (79). Son secret ? Laisser les fous à leur folie. Avec conviction, Dide défend l’idée que « la folie est un état qui en vaut un autre » et que « les fous doivent pouvoir, dans ces maisons, vivre tranquillement leur vie de fou. Et ce savant a raison. C’est assez que l’on ne puisse les guérir » (80), commente Londres.

Dans son établissement, la folie prend une dimension sacrée : elle est vécue comme « un talent que l’on respecte, une chute d’eau que l’on ne cherche pas à canaliser pour faire de la houille blanche. Les neiges ont fondu, qu’elles s’écoulent suivant les fantaisies de la nature » (82).

Plus loin, Londres écrit : « Dide va aux fous, et n’attend pas que les fous aillent à lui. Celui-ci a la manie d’être joyeux. Dide éclaire sa figure d’un franc sourire, trempe sa voix dans un bain de gaieté. – Allô ! Dario ! fait-il, bourrant amicalement l’épaule de l’homme heureux, tout est encore très beau, ce matin, n’est-ce pas, mon ami ? – Tout roule sur des roulettes idéales, patron. – Si ça roule ? Mais à merveille, vieux frère ! – Vieux frère ! Va ! dit le malade, qui éclate de contentement. » (82-83).

Cette approche singulière, centrée sur la liberté d’être et de ressentir, amène Londres à s’interroger : « Les malades guérissent-ils moins rapidement qu’ailleurs dans la maison du docteur Dide ? Ils retrouvent plus vite la lumière. Ce n’est pas en exaspérant ces malheureux qu’on les ramène à la raison. Pour soigner les fous, il faut d’abord prendre la peine de comprendre leur folie » (86).

Maurice Dide (1873-1944), médecin, neurologue et penseur de la psychiatrie du XXe siècle, résistant, est mort en déportation au camp de Buchenwald en mars 1944, après avoir participé activement à la lutte contre l’occupant nazi au sein des réseaux toulousains et du Noyautage des Administrations Publiques. Source : https://francoisverdier-liberationsud.fr/maurice-dide/

« L’armoire aux cerveaux »

Le docteur Dide apparaît également comme un homme de son époque : médecin et scientifique engagé, il cherche à percer les mystères de la folie jusque dans la matière même du cerveau, entraînant Londres à la découverte de son laboratoire et de ses étonnantes collections. Voici le chapitre intitulé « L’armoire aux cerveaux » (89-90) :

« Un après-midi, le docteur Dide me dit : – Venez voir mon laboratoire. Les travaux de ce savant sont célèbres par le monde. Au moyen d’une machine perfectionnée, il coupe les cerveaux en tranches minces comme l’on fait du jambon de Parme dans les boutiques italiennes d’alimentation. Il examine ensuite la chose au microscope. De là sortira peut-être la clé de la maladie mystérieuse. Du moins espérons-le.

Je me promenais donc, respectueusement, dans ce temple de l’avenir, quand, soudain, je tombai en arrêt devant un réduit imprévu. Cent vingt pots de chambre, chacun dans un joli petit casier, ornaient seuls les murs de ce lieu. Aux anses pendaient des étiquettes portant noms d’hommes et de femmes et, en dessous : D. P. (démence précoce). Délire progressif. Confusion mentale, psychoses symptomatiques, lésions circonscrites ; P. G. marche rapide. Épilepsie. Idiotie.

Ces pots de chambre aussi correctement présentés avaient dans leur air quelque chose de fascinateur. – C’est mon armoire à cerveaux, fit Dide. Il tira un pot par l’anse : un cerveau nageait dans un liquide serein. Regardant l’étiquette, le savant me dit : – C’est Mme Boivin. – Enchanté ! – Je demeurais en extase devant l’armoire. – Parfait ! fis-je, vous avez là de beaux cerveaux, mais pourquoi dans des pots de chambre ? Le maître me regarda bien en face et me répondit : – Parce que le pot de chambre, monsieur, est la forme idéale du cerveau ! »

Les tissus humains récoltés à la Waldau au XXe siècle. Musée de la psychiatrie, Berne. Photographie de Mireille Berton (2025).

Et si Albert Londres avait rencontré Ernst Grünthal ?

En lisant ces pages, on se surprend à imaginer Albert Londres franchissant, dans les années 1950, le seuil du laboratoire d’anatomie cérébrale de l’hôpital psychiatrique de la Waldau (Berne), engageant une conversation avec Ernst Grünthal (1894-1972) – à la seule condition que le premier ait échappé à la mort en 1932 et que le second ait, durant son exil suisse, maîtrisé la langue française. Quel échange aurait pu naître de cette rencontre rêvée ?

Il aurait sans doute été marqué par la confrontation des méthodes et une interrogation mutuelle sur le sens de la folie. D’un côté, l’œil aigu du reporter, farouche défenseur de la subjectivité des malades et critique des institutions, aurait interrogé Grünthal sur sa volonté de localiser les troubles mentaux dans les replis du cerveau, sur la rigueur froide de la collecte anatomique et sur l’usage du film pour saisir « l’invisible » des pathologies.

Photographie de Ernst Grünthal dans son Laboratoire, 1957. Musée de la psychiatrie de Berne.

Face à lui, Grünthal aurait exposé son credo : la nécessité d’explorer le substrat organique des troubles pour mieux comprendre – mais non abolir – la dimension humaine de la souffrance psychique. Leur conversation aurait balayé la frontière entre corps et esprit, doute et certitudes scientifiques.

Londres aurait insisté sur la nécessité de donner la parole aux malades, de ne pas les réduire à des objets de laboratoire ; Grünthal, de son côté, aurait rappelé que les recherches conduites à la Waldau, loin d’exclure la souffrance, cherche à la relier à ses traces dans la matière cérébrale, en mobilisant différents outils, dont le film.

De ce dialogue naîtrait une série de questions : où se situe la limite entre observation scientifique et respect de l’expérience humaine ? Comment le recours à la technique – du scalpel à la caméra – peut-il servir une psychiatrie attentive à la fois à la singularité du malade et à l’objectivation rigoureuse de ses symptômes ? Finalement, cette rencontre fictive aurait rassemblé deux artisans du témoignage, deux chercheurs attachés à décrypter les énigmes de la folie.

Les tissus humains de la Waldau. Musée de la psychiatrie, Berne. Photographie de Mireille Berton (2025).

Essayons donc d’imaginer ce dialogue…

Albert Londres (en observant les rayons de prélèvements cérébraux) :
« Docteur, je vois ici autant de cerveaux que de vies fracassées. Croyez-vous vraiment que l’on puisse saisir la folie à travers une coupe, une lame, un diagnostic ? La souffrance de vos malades ne réside-t-elle pas aussi dans leurs histoires perdues, leurs rêves, leurs failles — invisibles au microscope ? »

Ernst Grünthal (souriant, posant un bocal) :
« Vous posez la question essentielle, Monsieur Londres. Mais n’est-ce pas aussi notre devoir d’explorer, de comprendre la matière même dont naît la souffrance ? Si je traque les lésions du cerveau, c’est pour approcher ce que les mots et les confessions parfois nous dérobent : la part d’énigme biologique dans l’épreuve de la folie. »

Albert Londres (s’adossant à la porte du laboratoire) :
« Je crains que cette traque ne transforme les fous en objets d’étude. Le récit que je rapporte cherche leur voix, leur singularité, l’éclair d’humanité derrière les murs de l’hôpital. Permettez cette question directe: votre caméra, vos films, vos machines : servent-ils plus la vérité des vivants, ou celle de la science ? »

Ernst Grünthal (réglant un appareil d’EEG) :
« Le film, Monsieur Londres, n’est pas pas là pou réduire le malade à une anomalie. Ils prolongent la clinique. Il permet de capter l’évolution d’un geste, d’observer des signes que la parole masque ou déforme. Mais je conviens que la caméra, comme la plume, n’est jamais neutre. Peut-être sommes-nous tous deux piégés entre exigence de rigueur et tentation du récit. »

Albert Londres (prenant des notes) :
« À chacun son arme : la vôtre est la lumière blanche du laboratoire, la mienne, l’observation engagée. L’essentiel n’est-il pas, pour nous deux, d’éviter que la folie ne soit jamais réduite au silence ? Il faudrait à la fois ouvrir les cerveaux… et ouvrir les oreilles et nos yeux. »

Ernst Grünthal (pensif) :
« Vous touchez juste. Nous avançons sur des lignes parallèles : vous cherchez la liberté des subjectivités, j’explore la vulnérabilité biologisée. Il y a dans nos démarches une complémentarité nécessaire : documenter, conserver, raconter, écouter. »

Ce dialogue imaginaire mettrait ainsi en lumière la tension entre science et expérience vécue, entre objectivation et humanisme, illustrant la nécessité de penser la psychiatrie comme un espace de dialogue entre plusieurs savoirs et plusieurs formes de témoignage.

Une leçon de respect et d’humilité

L’immersion d’Albert Londres dans l’univers du docteur Dide révèle à la fois la singularité d’une pratique psychiatrique respectueuse de la folie et l’ironie mordante du reporter face aux tentatives médicales de percer ses mystères. L’« armoire aux cerveaux », laboratoire et étrange musée, incarne cette volonté de combiner quête scientifique et acceptation d’une altérité irréductible : en observant ces cerveaux soigneusement conservés « dans des pots de chambre », Londres souligne aussi la part d’absurdité et d’humanité qui traverse la médecine face à l’énigme de l’esprit humain.

Mais derrière l’humour et la satire, affleure une vraie leçon : soigner, ce n’est pas seulement disséquer ou diagnostiquer, mais aussi reconnaître la singularité de chaque trajectoire mentale. En donnant la parole aux patient-e-s, en interrogeant la légitimité de leur enfermement et en saluant l’approche non violente du docteur Dide, Albert Londres invite à ne jamais réduire la folie à un objet d’étude ou à une anomalie à corriger.

Cent ans plus tard, le regard de Londres continue d’interroger nos pratiques, suggérant qu’il n’y a ni solution miracle, ni « forme idéale du cerveau », mais un effort constant pour « comprendre la folie » là où la société préfère la réduire à des statistiques. Ainsi, l’armoire docteur Dide apparaît, avant tout, comme une invitation à placer l’écoute, le respect et l’éthique au centre de toute approche de la différence.

Un siècle de bouleversements

L’actualité d’Albert Londres n’a pas échappé à Emmanuel Venet, psychiatre et écrivain qui vient de publier chez Verdier Retour chez les fous, Cent ans après Albert Londres :

« Cent ans plus tard, le paysage a bien changé. Des progrès considérables ont été accomplis et ont permis à la psychiatrie de devenir une discipline authentiquement thérapeutique. Hélas, après une période faste allant des années cinquante à la fin du XXe siècle, la psychiatrie publique aujourd’hui désargentée et sursollicitée se replie sur une logique sécuritaire et une désolante vision biomédicale des troubles mentaux. Face à elle, les établissements privés prospèrent, mais la logique financière y concurrence la mission sanitaire d’une façon préoccupante. Ce dispositif laisse à l’abandon de nombreux malades, pas assez solvables pour être soignés en clinique privée, pas assez dangereux pour relever de l’hôpital public. Un tel scandale n’a pourtant rien d’inéluctable. » (Emmanuel Venet).

En rendant hommage à Albert Londres, Venet inscrit son propos dans une longue durée qui relie la dénonciation des conditions asilaire du début du XXe siècle aux paradoxes contemporains : la psychiatrie est aujourd’hui en crise, fragmentée entre un secteur public précarisé, recentré sur la gestion des « urgences » et des situations présentées comme menaçantes, et un secteur privé où la prise en charge devient l’apanage des plus fortunés.

Mais le « scandale » que dénonce Venet n’est pas seulement l’héritage d’une histoire ancienne ; il s’agit d’un problème actuel, fruit de choix de société et de politiques publiques : défiance envers la psychiatrie, montée de la logique sécuritaire, emprise du modèle biomédical et financiarisation du soin (des choix aussi dénoncés par Matthieu Bellhasen dans différents travaux).

Destins croisés

Albert Londres, après avoir dénoncé les errances asilaires et souligné avec respect la particularité de la démarche du docteur Dide, connaîtra lui-même un destin tragique : il meurt en 1932 dans l’incendie d’un paquebot au large de la mer Rouge, alors qu’il revenait d’un reportage. Quant à Georges Dide, fidèle à son engagement humaniste, il devient résistant sous l’Occupation ; arrêté par les nazis, il meurt en déportation dans un camp de concentration.

Leurs trajectoires s’achèvent dans la violence de l’histoire, mais leur héritage demeure : l’un par sa plume incisive, l’autre par sa pratique respectueuse de la folie, ils sont unis par une même exigence d’humanité. Leur destinée illustre la leçon centrale du reportage de Londres : l’humilité devant la souffrance mentale, le devoir d’écoute, et le courage de ne jamais réduire l’autre à une énigme à disséquer ou à enfermer. À travers le temps, le respect singulier de Dide et l’ironie lucide de Londres résonnent comme un appel à soigner, à comprendre, et à résister à toute forme de déshumanisation.

En écho aux destins de Maurice Dide et d’Albert Londres, celui d’Ernst Grünthal rappelle combien la trajectoire d’un chercheur peut se trouver bouleversée par les tragédies de l’Histoire. Contraint de quitter l’Allemagne nazie en 1934 en raison de ses origines juives, Grünthal doit son salut à l’exil en Suisse et à l’accueil de la Waldau, tandis que sa mère mourra déportée à Theresienstadt.

À travers ces vies traversées par l’épreuve, la dignité du soin et de l’enquête se donne comme une modeste forme de résistance au naufrage des époques…

Mireille Berton (8 septembre 2025)

Références

  • BLY, Nellie, Dix jours dans un asile : Un reportage, trad. de l’anglais pas Hélène Cohen, Paris, Éditions du sous-sol, 2015.
  • LONDRES, Albert, Chez les fous, Paris, Arléa, 2020 [1925].
  • ROUBAUD, Louis, Démons & déments, Paris, L’Éveilleur, 2017 [1933].

Autour d’Albert Londres

  • CAHIER, Bernard, Albert Londres, Terminus Gardafui, Paris, Arléa, 2012.
  • DEBRAY, Régis, Sur la mort d’Albert Londres, Paris, Arléa, 2008.
  • FOLLÉAS, Didier, Albert Londres en Terre d’ébène, Paris, “Arléa-Poche”, 2009.
  • VENET, Emmanuel, Retour chez les fous. Cent ans après Albert Londres, Verdier, 2025.

La psychiatrie mise en scène : Images asilaires (2024) de Laurent Gilson  

Compte rendu de l’ouvrage de Laurent Gilson, Images asilaires. L’hôpital psychiatrique au cinéma, Bruxelles, Presses universitaires Saint-Louis Bruxelles, 2024.

Dans Images asilaires (2024), Laurent Gilson, doctorant en anthropologie à l’Université catholique de Louvain, propose une réflexion stimulante sur la manière dont le cinéma a façonné la mémoire collective de l’asile et de la psychiatrie. Loin de fournir une représentation fidèle ou vraisemblable de la folie et des soins, le cinéma s’est surtout révélé comme un puissant moteur de l’imaginaire psychiatrique, explique-t-il.

Le livre est structuré en cinq chapitres, précédés d’une introduction et suivis d’une conclusion, qui permettent à Laurent Gilson de déployer progressivement sa réflexion. Le premier chapitre, L’empire du dualisme, interroge les fondements philosophiques de la représentation de la folie, notamment à travers l’opposition entre raison et déraison. Dans le chapitre 2, La scène psychiatrique, l’auteur explore l’asile comme espace scénique, théâtre de confrontations entre savoir et pouvoir. Le non-lieu de la vérité (chapitre 3) analyse les incertitudes narratives et visuelles qui entourent les figures de la folie au cinéma. Le quatrième chapitre, Sur un moment critique, revient sur les années 1960-1970, moment de bascule où l’asile devient un objet de dénonciation sociale. Enfin, Métamorphoses contemporaines aborde les formes actuelles de la représentation psychiatrique, marquées par la gestion néolibérale du risque et la disparition du soin comme horizon. Cette progression donne au livre une cohérence forte, à la fois théorique et historienne.

Le Cabinet du Dr Caligari, R. Wiene, 1920

Le rôle du cinéma dans la constitution de l’imaginaire populaire de l’asile a été décisif, estime Laurent Gilson. « Il se pourrait bien […], que l’image cinématographique, eu égard à son pouvoir inédit de réflexivité, soit en mesure de questionner avec un haut degré d’acuité cette empreinte mnésique de l’asile qui creuse son sillon à la surface de notre mémoire collective, ouvrant une béance, un impensé, dans lequel naît — et aussitôt disparait — l’insaisissable étrangeté de ce que nous appelons “folie”. » Par ses images, le cinéma a perpétué la mémoire de ces lieux, même lorsque celle-ci ne correspondait pas à la réalité vécue par les patient.e.s ou les soignant.e.s. Ce pouvoir d’évocation, de figuration, a contribué à façonner une histoire visuelle de l’asile, à lui donner des formes reconnaissables, percutantes, qui font désormais partie du patrimoine culturel collectif.

Force est de constater que la folie et la psychiatrie ont toujours fasciné le cinéma. Selon Gilson, si l’asile est un espace privilégié de fiction, c’est notamment parce qu’il offre un cadre propice au déploiement de récits ambigus, marqués par l’indécidabilité et l’émergence de réalités alternatives. C’est un lieu où les frontières entre normalité et folie s’effacent, où « l’impossible surgit du possible », où l’ordre des choses vacille. Parallèlement, le cinéma a souvent constitué un espace critique : critique de l’asile lui-même, bien sûr, mais aussi critique sociale plus large, notamment à partir des années 1960, où cette institution cristallise les aspirations contestataires. S’il n’a pas été à l’origine de la crise de la psychiatrie au milieu du XXe siècle, il a accompagné, voire catalysé cette crise sur le plan symbolique, indique l’auteur.

Gilson souligne en outre combien ces représentations sont souvent anachroniques. Le cinéma semble toujours en décalage temporel avec l’évolution des pratiques psychiatriques, au point de rejouer sans cesse la « naissance » de l’asile, tout en prolongeant une iconographie archaïque et surcodée. Shutter Island de 2010, ancre son récit dans les années 1950, convoquant un imaginaire ancien de l’asile comme prison et lieu de torture. Titicut Follies (1967), film censuré jusqu’en 1991, dévoile au public de l’époque des images brutales qui ne correspondent plus à la réalité de l’univers asilaire, du moins en apparence.

Titicut Follies, F. Wiseman, 1967

Malgré ces décalages, le cinéma reste aujourd’hui le principal dépositaire iconographique de l’asile. Il le rend familier, mais au prix d’une transformation constante de son sens. Certaines œuvres ont été particulièrement marquantes à cet égard. Titicut Follies, de Frederick Wiseman, montre la violence institutionnelle dans sa banalité quotidienne, révélant l’asymétrie des rapports entre soignant.e.s et patient.e.s. Vol au-dessus d’un nid de coucou (1975) de Miloš Forman, met en scène la tyrannie institutionnelle à travers la figure d’une soignante autoritaire, dévoilant comment la violence de l’institution se greffe sur celle des individus. Dans Shutter Island, l’espace lui-même devient ambigu et schizophrène, oscillant entre lieu de soin et de pouvoir, à l’image de l’incertitude psychique du personnage principal.

Shutter Island, M. Scorsese, 2010

Laurent Gilson propose une lecture formelle et esthétique des films en se concentrant, notamment sur la représentation des espaces de l’asile. Dans Le Cabinet du docteur Caligari (1920), l’espace est distordu, déformé, traduisant visuellement la fragmentation psychique du protagoniste. Dans Vol au-dessus d’un nid de coucou, il est structuré par la contrainte physique et symbolique, strié de grilles et de couloirs. Dans Shutter Island, l’espace devient plié, ambigu, double : à la fois lieu d’enfermement et possible scène de soin — ou d’illusion ; ce pli de l’espace cinématographique renvoie à l’indécidabilité du récit : le héros est-il fou ou victime d’un complot ? Le film refuse de trancher.

Vol au-dessus d’un nid de coucou, M. Forman, 1975

Et que dit le cinéma actuel sur la psychiatrie d’aujourd’hui ? Certains films semblent anticiper des évolutions futures de la psychiatrie, souligne Laurent Gilson. 12 jours (2017) de Raymond Depardon, tourné au Centre hospitalier Le Vinatier dans la région lyonnaise, met en scène des audiences sans psychiatres, où seuls les patient.e.s et les juges sont présents. Ce dispositif préfigure une psychiatrie bureaucratisée, centrée sur la gestion du risque plutôt que sur le soin. Le médecin y devient essentiellement un évaluateur administratif, une figure absente de la relation thérapeutique. Cette psychiatrie de l’après, ou post-psychiatrie, repose sur une logique de contrôle social plus que sur l’accompagnement clinique.

Gilson décrit ainsi un glissement vers une gestion de plus en plus administrative de la folie, sous l’influence d’un néolibéralisme qui tend à pathologiser les conduites normales et pousse les individus à devenir les entrepreneurs.euses de leur propre maladie. L’évaluation du risque, la régulation sociale et la responsabilisation individuelle prennent le pas sur le soin. Si l’asile en tant que structure a été largement démantelé, les dispositifs extrahospitaliers qui l’ont remplacé ne sont pas exempts de logiques de surveillance et de normalisation.

12 jours, R. Depardon, 2017

Depuis les années 1990, le paradigme de la « santé mentale » a redéfini les contours de la prise en charge psychiatrique. Une frontière s’est instaurée entre les « bons » patients — ceux qui acceptent leur maladie et les dispositifs thérapeutiques — et les « mauvais » patients, dits « difficiles », de plus en plus soumis à des hospitalisations sous contrainte. Alors même qu’un discours de désinstitutionnalisation est promu, une emprise renforcée s’exerce sur ceux et celles qui résistent aux nouvelles formes de contrôle. À travers toutes ces évolutions, une constante demeure : la folie reste un objet à encadrer, à maîtriser, à dominer.

À travers ce parcours critique, Gilson montre que le cinéma, tout en conservant la mémoire de l’asile, en réinvente sans cesse les contours, oscillant entre témoignage, dénonciation et ratification de mythes associés à l’institution et à la folie.

Cet essai se distingue par la finesse de ses analyses, qui articulent de manière subtile une approche philosophique du cinéma (Deleuze) avec une connaissance solide de l’histoire de la psychiatrie. Sans céder à la tentation de l’exhaustivité, il choisit de se concentrer sur quelques films emblématiques qui ont durablement marqué l’imaginaire collectif et l’histoire du cinéma. Ce parti pris renforce la profondeur de la réflexion, en inscrivant chaque œuvre dans un réseau de significations philosophiques, esthétiques et politiques.

Il se distingue également par son positionnement face à la psychiatrie d’aujourd’hui, rappelant que son caractère coercitif a muté avec le temps. Laurent Gilson écrit :

« Quiconque écrit sur l’asile — y compris lorsqu’il s’agit d’un texte académique à vocation théorique — ne peut se permettre de faire l’impasse sur la violence qui structure historiquement son fonctionnemet. De l’enfermement à la médication à outrance, de la lobotomie aux électrochocs, le dispositif asilaire s’est érigé dès sa naissance à la fois comme source de matériau humain rendu disponible du fait de sa condition subalterne, et comme laboratoire usant de ce même matériau pour réaliser toutes sortes d’expériences in vivo. Malheureusement, contrairement à ce que d’aucuns se plaisent à suggérer, ce temps n’est guère révolu. Aujourd’hui encore, des personnes sont soumises à des traitements contraints et dégradants, au mépris des droits du patient, au cœur de nos hôpitaux psychiatriques. Pour certaines d’entre elles, il n’y aura guère de sortie ; la mort est toujours une réalité dans nos institutions. Quant aux survivants, quelques-uns dédient leur vie à témoigner et à lutter, mettant à disposition leurs savoirs afin qu’un jour, le plus tôt possible, leur expérience ne puisse se reproduire sur d’autres personnes. Ce texte ne saurait prétendre au statut d’hommage, ni à plus forte raison à celui de soutien à tous les psychiatrisés ; il ne comporte rien qui ne leur soit inconnu. Sinon une dette immense à leur égard. »

Images asilaires est ainsi le fruit d’un travail remarquable, à la croisée de la pensée critique, de la cinéphilie et des savoirs psychiatriques, qui éclaire sous un angle inédit les représentations de la folie à l’écran.

Autres informations sur l’ouvrage

Images asilaires. Essai sur les rapports entre l’asile psychiatrique et le cinéma est publié par les Presses universitaires Saint-Louis Bruxelles en mars 2024, dans la collection « Collection générale » (n° 164). L’ouvrage compte 172 pages et est disponible au format papier (ISBN : 978-2-8028-0278-5) ainsi qu’en version numérique (ISBN : 978-2-8028-0280-8) via la plateforme OpenEdition Books.

Un épisode du podcast « Sous Presse » est consacré à cet ouvrage, offrant une discussion approfondie sur ses thématiques.

Sur ce même sujet, voir l’article La folie au cinéma, entre fascination et répulsion.

MB

[Note de recherche] Sciences et imaginaires du cerveau dans les années 1950-1960

Quelques notes à partir de l’ouvrage d’Andreas Killen, Nervous Systems. Brain Science in the Early Cold War (HarperCollins Publishers, 2023)

Connu pour ses travaux consacrés aux liens entre psychiatrie, folie et modernité, Andreas Killen est spécialiste de l’histoire culturelle et intellectuelle européenne et américaine. Après avoir publié les remarquables Berlin Electropolis : Shock, Nerves, and German Modernity (University of California Press, 2005), 1973: Nervous Breakdown : Watergate, Warhol, and the Birth of Post-Sixties America (Bloomsbury, 2006) et Homo Cinematicus: Science, Motion Pictures, and the Making of Modern Germany (University of Pennsylvania Press, 2017), il sort un nouvel ouvrage consacré aux sciences du cerveau dans le contexte de la Guerre froide, principalement aux États-Unis (Fig. 1) (précisons qu’un projet de recherche du Birbeck College of London, Hidden Intruders, investigue depuis 2015 les échanges entre politique et experts en sciences du psychisme autour du thème du lavage de cerveau).

Fig, 1 – Les couvertures des ouvrages d’Andreas Killen

Killen examine comment les théories du cerveau et de l’esprit vont donner naissance à toute une série de pratiques et de technologies qui interrogent profondément notre rapport à la conscience. L’histoire qu’il retrace débute en 1953 à Sainte-Marguerite-du-Lac-Masson au Québec, lorsque des savants américains et européens se réunissent dans le cadre d’un symposium intitulé Brain Mechanisms and Consciousness. D’éminents neurologues, neurochirurgiens, psychiatres, psychologues, etc., dont Wilder Penfield, Donald O. Hebb, Lawrence Kubie, Edgar Adrian ou W. Grey Walter, échangent leur point de vue autour de cerveau, que l’invention de l’électroencéphalographie (EEG) permet de reconsidérer sous un nouveau jour.

Mis au point en 1929 par le psychiatre allemand Hans Berger, l’EEG fournit un outil diagnostique inédit pour mesurer l’activité du cerveau à travers ses ondes et surtout pour montrer celui-ci “au travail” (Borck 2018, 181). Grâce à cet instrument et aux savoirs qui l’entourent, le cerveau devient une entité accessible et mesurable, et donc maîtrisable.

Pour une analyse de l’imaginaire entourant l’EEG, voir le film réalisé par des chercheurs-euses du projet Objects of the Mind à partir des collections du Science Museum.

Le film utilitaire en psychiatrie permet d’observer le changement de paradigme qui s’opère vers ces années-là en direction des neurosciences et de l’imagerie médicale (notamment la tomographie), censées précisément lever le voile de son opacité. Un film d’Ernst Grünthal (Über senile Demenz ou Senile Demenz und Alzheimer Krankheit, 1948-1953) consacré à la démence sénile et à l’Alzheimer contient des graphes d’EEG réalisés grâce à un appareil financé en 1948 par l’entreprise pharmaceutique Geigy (installé au Laboratoire d’anatomie cérébrale de la Waldau, il est l’un des premiers en Suisse). Il est composé, outre de cartons explicatifs, de deux types d’images : celles de patientes (que l’on stimule, par exemple, pour indiquer leur niveau de réactivité) et celles de plans fixes d’électroencéphalogrammes (Fig. 2).

Fig. 2 – Über senile Demenz ou Senile Demenz und Alzheimer Krankheit, (1948-1953). Collections Waldau, captures d’écran tirées d’ûn film traité et numérisé par la Cinémathèque suisse.
Fig. 2 – Über senile Demenz ou Senile Demenz und Alzheimer Krankheit, (1948-1953). Collections Waldau, captures d’écran tirées d’un film traité et numérisé par la Cinémathèque suisse.

 

L’EEG est par excellence une image opérationnelle — au sens donné par Jussi Parikka (2023) — laquelle renvoie à une culture « invisuelle » fondée en priorité sur des données et leurs infrastructures. Comme l’enseigne l’épistémologie des sciences, la preuve expérimentale se construit à travers une série d’étapes intermédiaires, et « les images opérationnelles renvoient à ces pratiques et infrastructures d’images qui ne sont pas nécessairement particulièrement intéressantes à voir » (Parikka, 2023 : 20, TdA). En ce sens, les collections de films psychiatriques sont pleines d’images « non-vues », conçues pour être transformées, assemblées, enchâssées dans un film ou encore publiées dans des articles scientifiques (comme c’est le cas pour les travaux d’Ernst Grünthal réalisés en collaboration avec son collègue Maurice Rémy). Ces graphes fonctionnent donc autant comme des outils heuristiques et analytiques, que comme des données stockées dans des archives pour éventuellement générer des « preuves » scientifiques dans une opération ultérieure finale.

Dans Senile Demenz und Alzheimer Krankheit, l’aller-retour entre les deux types d’image (animée et fixe) favorise une lecture diagnostique, mais aussi l’émergence d’une appréhension « complète » des symptômes observés. Image cinématographique et image électronique conjuguent en effet leur pouvoir respectif pour construire la complémentarité entre surface et profondeurs. Daté du tournant des années 1950, ce film de recherche est emblématique d’un moment où l’image cinématographique inaugure une série de transitions et d’hybridations sur le long terme avec l’électronique. Pour les psychiatres et les neurologues, l’image électronique permet de pénétrer le mystère d’un organe ou du moins d’en révéler un pan caché. Enchâssée dans le médium filmique, elle livre une image « plate » (une image à lire) des profondeurs de l’esprit, lequel est tout entier contenu dans le cerveau. L’EEG, à l’instar d’autres techniques décrites par Andreas Killen, offre ainsi la possibilité d’aller au cœur de l’esprit humain localisé principalement dans cet organe.

Comme l’illustre la psychiatrie biologique d’Ernst Grünthal, les études conduites dans différents champs du savoir convergent vers l’idée que l’humain est dominé par son système nerveux. Les années 1950-1960 correspondent à ce que Nikolas Rose et Joelle M. Abi-Rached appellent le « neuroscientific turn » ou le « neurobiological age » (2013, 26), un moment au cours duquel se modifie la manière de concevoir le cerveau. Véritable enjeu de savoir et de pouvoir, le cerveau est perçu dans ce contexte comme le lieu privilégié de l’identité, de la personnalité et de la mémoire (Vidal 2022). Si l’idée que le cerveau est le site de l’âme et des nerfs est très ancienne, elle s’affine et s’approfondit grâce aux découvertes sur l’anatomie du cerveau (à la fin du XIXe siècle), grâce à la neurochirurgie (Walter Freeman met au point la technique de la lobotomie en 1936), puis au développement des neurosciences dès les années 1960.

Gateways to the Mind (Owen Crump, Bell Laboratory Science Series, 1958)

L’observation du fonctionnement du cerveau, souligne Andreas Killen, s’adosse donc à l’emploi de technologies qui en visualisent ou en traduisent l’activité, ainsi qu’à des pratiques d’investigation de ses potentialités et ses limites. Électroencéphalographie, stroboscopes, oscilloscopes, exposition aux médias (télévision, cinéma), etc., facilitent l’observation expérimentale du cerveau dans des conditions extrêmes de sous- ou surstimulation. Ces machines avèrent également des fantasmes de pénétration littérale dans le cerveau représenté comme un appareil extrêmement fin et sophistiqué.

Alors que le cerveau est scruté à travers une multitude de dispositifs, il est à son tour conçu à la manière d’un espace rempli d’appareils de vision et d’audition permettant de monitorer ses différentes activités. En témoigne Gateways to the Mind (Owen Crump, Bell Laboratory Science Series, 1958), un film éducatif produit par les Laboratoires Bell afin d’expliquer le fonctionnement des cinq sens. Combinant animation et prise de vues réelles, il représente le précieux organe sous la forme d’une salle de contrôle équipée de toutes sortes de machines (Fig. 3). Grâce au narrateur intradiégétique, le Dr Research (joué par Frank C. Baxter) qui nous guide dans le récit, nous découvrons de manière très didactique les théories des savants tels le psychologue Hadley Cantrill de Princeton (travaux sur la perception), George Wald (sur la physiologie optique), Wilder Penfield de McGill (sur la neurophysiologie de la mémoire) ou encore du psychologue Donald O. Hebb de McGill également.

Fig. 4 – Chambre de privation sensorielle (Gateways to the Mind, Owen Crump, Bell Laboratory Science Series, 1958)

 

Fig. 5.– Séquence du cinéma du prisonnier (Gateways to the Mind, Owen Crump, Bell Laboratory Science Series, 1958)

L’une des séquences montre justement le « cinéma du prisonnier » traité dans un chapitre par Andreas Killen (2023,113-143). Ce dispositif consiste en une chambre de privation sensorielle où le sujet commence, au bout de quelques dizaines d’heures, à avoir des hallucinations visuelles (Fig. 4). Dans Gateways to the Mind, celles-ci sont transcrites sous la forme d’une séquence en animation (qui débute en surimpression sur le visage du sujet de l’expérience, avant d’occuper tout le cadre). Les volontaires de l’étude conduite par Hebb à McGill indiquent avoir vu des points, des lignes, des formes géométriques, des figures humaines grotesques ou encore un défilé de paires de lunettes roses géantes (Fig. 5). La voix over précise que les images apparaissent comme dans « un film d’animation ». Récurrentes dans les discours des témoins, les métaphores cinématographiques émaillent également les sciences du psychisme analysant les phénomènes du rêve, de l’hallucination, de la paramnésie, de la dépersonnalisation, etc., où les « ciné-dispositifs » servent de modèle épistémologique (Berton 2015).

Durant les années 1950, dans le domaine des sciences ou de la culture, le cerveau devient l’organe maître (Killen 2023, 123), une partie essentielle du corps où se loge l’essence de l’être humain, la subjectivité, la personnalité, la mémoire. Désormais accessible grâce aux technologies électroniques, le cerveau apparaît comme un espace à explorer, à conquérir et à protéger. Il apparaît également comme un territoire “cartographiable” en raison de sa division en zones vouées chacune à des fonctions précises (Sconce 1995, 280). Relayées par la presse généraliste et spécialisée, les découvertes permises par les sciences du cerveau, dessinent une image ambivalente de cet organe : à la fois puissant (capable d’exploits cognitifs, intellectuels, occultes) et vulnérable (ouvert aux chocs psychiques, à l’amnésie, aux influences de toutes sortes), le cerveau est l’objet de tous les fantasmes. Parmi ceux-ci, l’emprise par une force extérieure alimente de nombreuses représentations.

C’est précisément à l’intersection entre sciences du cerveau et parapsychologie (laquelle a le vent en poupe dans les années 1950-1960, Guerre froide oblige) que se situe l’imaginaire du cerveau télépathe. L’affinité entre les tracés de l’électroencéphalogramme et les ondes invisibles qui émanent d’un sujet doté de pouvoirs « psy » (précognition, télékinésie, télépathie, vision à distance, etc.) relèvent de l’évidence pour certains acteurs impliqués dans la conquête du cerveau (Killen 2023, 176 ; Sconce 1995, 290). Rappelons que la Guerre froide correspond à une période où se développe la recherche sur l’espionnage psychique : La CIA encourage un programme recrutant des « médiums-espions » capables de localiser à distance des bombardiers ou toute autre cible stratégique, comme l’illustrent les travaux de deux physiciens au sein du laboratoire d’électronique et de biotechnique de l’institut de recherches de Stanford (SRI) de Palo Alto, Harold Puthoff et Russell Targ (à propos de l’impact du programme SCANATE sur les films de science-fiction, voir Berton 2021, 197-211) (Fig. 6).

Fig. 6 – Putthof et Targ à Palo Alto

Superposant des questions relatives à la souveraineté individuelle et à la souveraineté nationale, l’espionnage psychique soutenu par la CIA s’inscrit dans le même paradigme militaro-politico-idéologique que les pratiques de lavage de cerveau imputées d’abord aux pays ennemis communistes. La Guerre de Corée (1950-1953) laisse en effet derrière elle la hantise du brainswashing sur des soldats américains, le gouvernement répliquant en sollicitant l’expertise des professions psychologiques.

Hollywood participe également à la riposte grâce à The Manchurian Candidate (Un crime dans la tête, John Frankenheimer, 1962) adapté d’un roman de Richard Condon, dans lequel fusionnent plusieurs thématiques : la paranoïa politique, la manipulation par les médias dits de masse et la torture psychologique (Killen 2023, 179-184) (Fig. 7). Centrés sur les péripéties d’un ancien prisonnier de guerre ayant subi un lavage de cerveau pour devenir l’instrument involontaire d’une conspiration communiste internationale, Raymond Shaw (Laurence Harvey), The Manchurian Candidate « n’est pas le simple produit des tensions de la Guerre froide », écrit Killen. Ce film permet d’examiner comment la culture populaire appréhende les effets délétères de la télévision, étroitement associée à l’hypnose et au lavage de cerveau. Une pique envoyée au petit écran par l’industrie cinématographique, un peu bousculée par le succès remporté par sa « rivale » auprès des Américains et Américaines ?

Fig. 7 – The Manchurian Candidate (Un crime dans la tête, John Frankenheimer, 1962)

Pourtant, les deux médias — cinéma et télévision — ont, dès leurs origines, été référés à l’illusion, à la suggestion et à l’aliénation. Sinon, comment expliquer que The Manchurian Candidate soit retiré des écrans à la suite de l’assassinat du Président John. F. Kennedy, par crainte que Lee Harvey Oswald ne fasse des émules (Raymond Shaw est précisément « piloté » pour se débarrasser du chef de l’État) ? Assez ironiquement, dans les années 1960, le média « froid » de la télévision (qui agit par sous-stimulation en activant les ondes alpha du cerveau, à la manière de l’hypnose) et le média « chaud » du cinéma (qui œuvre en faveur d’une surstimulation) — pour reprendre les termes Marshall McLuhan cités par Killen — cristallisent des inquiétudes « cousines ». En cause, l’emprise irrésistible des médias de masse interprétée à l’aune des nouveaux savoirs sur le cerveau et sa malléabilité.

Pour rendre compte de cette histoire où le cerveau devient la valeur cardinale des sciences du psychisme, ainsi que de la culture scientifique et populaire, Andreas Killen propose plusieurs études de cas, auxquelles des « récits cliniques » (« clinical tales ») donnent corps et âme, pourrait-on dire : l’utilisation du stroboscope destiné à reproduire expérimentalement des symptômes d’épilepsie ; l’étude des messages subliminaux diffusés dans les spots publicitaires, films, programmes télévisés, etc. ; ou encore l’emploi de dispositifs hypnotiques, tels que la Dreamachine (« la machine à rêver) » de Brion Gysin (Fig. 8), par les membres de la contre-culture — un dispositif qui fait partie de l’histoire plus large des expériences psychédéliques. Nervous Systems. Brain Science in the Early Cold War est ainsi rempli de dispositifs audiovisuels hybrides et étranges, abordant des questions passionnantes concernant la subjectivité, la mémoire, l’identité, la connaissance et la politique — un livre qui déploie une histoire culturelle et intermédiale des sciences du cerveau — une histoire où le cerveau joue le rôle principal, servant de modèle, de support, de médium, bref, de point de référence.

Fig. 8. La machine à rêver (ou plutôt à hypnotiser)

Très documenté et proposant des analyses très fines, cet ouvrage constitue un excellent outil pour contextualiser une série de films mettant à l’honneur le cerveau, en particulier les films de science-fiction et de série B sortis dans les années 1950 et 1960 — des films qui font également l’objet de commentaires de la part de Killen, à l’instar de Donavan’s Brain (1953) et The Brain (1962), tous deux adaptés du pulp de Curt Siodmak (1942) (Killen 2023, 165). Jeffrey Sconce a déjà tracé ce chemin grâce à un article sur les « brainfilms » de série B qui exploitent la fascination du grand public pour cet organe aux potentialités infinies. Creature with the Atom Brain (1955), The Brain from Planet Arous (1957), The Brain Eaters (1958), Fiend Without a Face (1958), They Saved Hitler’s Brain (1963), The Atomic Brain (1964), The Brain (1965) forment un cycle où le cerveau est un organe « sensible survivant à l’extérieur du corps, un cerveau qui [est] le plus souvent le maître d’œuvre d’un horrible plan de conquête et de contrôle » (Sconce 1995, 278, TdA) (Fig. 9).

Fig. 9 – Affiches de films appartenant au cycle des “brainfilms” (Sconce 1995)

Selon Fernando Vidal, également, l’imaginaire du sujet cérébral est central aux « brain and memories movies », une catégorie de productions où le cerveau joue un rôle visuel et performatif essentiel dans le récit (2022, 14). En attestent les intrigues où l’attribut s’émancipe volontairement ou involontairement du corps pour accomplir un funeste destin. Pensons au truculent The Brain That Wouldn’t Die (Le cerveau qui ne voulait pas mourir, Joseph Green, 1961) qui raconte comment le Dr Bill Cortner (Herb Evans), un brillant chirurgien, cherche à greffer sur un corps humain la tête de sa fiancée, Jan Compton (Virginia Leith), décapitée dans un accident de voiture. Connu pour ses recherches controversées en raison des enjeux éthiques qu’elles soulèvent (il « réemploie » des membres de patients décédés au cours d’opérations), Bill met tout en œuvre pour maintenir la tête de Jan en vie (Fig. 10).

Fig. 10 – The Brain That Wouldn’t Die (Le cerveau qui ne voulait pas mourir, Joseph Green, 1961)

Parallèlement, il part à la recherche d’une femme qui pourrait offrir à sa fiancée un nouveau corps. Mais la tête de Jan se révolte contre cette instrumentalisation répugnante et trouve, grâce à la télépathie, une alliée dans une créature étrange enfermée dans le placard du laboratoire. Expliquée par la frustration d’être rattachée artificiellement à la vie pour satisfaire la folie des grandeurs de Bill, la transformation psychologique de Jan est spectaculaire. D’affable et douce, la jeune femme, une fois privée de corps, donc « réduite » à son cerveau, se mue en monstre cruel et cynique, gagnant au passage quelques pouvoirs télépsychiques. Une manière de suggérer qu’il lui manque un cœur ? Dans tous les cas, le titre du film est contradictoire, en ce que Jan cherche précisément à mourir, tant son état monstrueux la scandalise, tout comme les expérimentations extravagantes de son fiancé.  

Autonome, tout-puissant, criminel, ce cerveau imaginaire puise ses racines dans les travaux conduits à la même époque sur le cerveau et l’esprit, dans un curieux mélange entre sensationnalisme et « crédibilité narrative » (Sconce 1995, 297) (Fig. 11). Dans la culture américaine, le cerveau à l’intelligence hypertrophiée est alors l’indice d’une méfiance à l’égard de la science et des scientifiques, lesquels basculent toujours très rapidement dans la « mad science » (la science folle) (idem, 299). Toutefois, en remettant en question les notions d’autonomie individuelle via la figure du cerveau désincarné maléfique, ces films ne font que réaffirmer l’idée qu’il est le siège de l’identité et de la personnalité — des propriétés qui risquent à tout moment de nous échapper.

The Brain from Planet Arous (Ray Buffum, 1958)

Quelles images le cinéma contemporain donne-t-il du cerveau ? Il semble que si celui-ci constitue toujours le lieu clé de la subjectivité, il est indissociable du corps et de l’environnement, conformément aux thèses davantage holistiques défendues dans le domaine des neurosciences (par exemple celle de Stanislas Dehaene, 2014) – pensons à cet égard à Vice-Versa, Peter Docter et Ronaldo Del Carmen, 2015.  La culture audiovisuelle semble en outre sensible aux théories contemporaines du cerveau, comme celle qui suggère que cet organe fonctionne comme une machine à prédire (générant constamment des modèles de l’environnement pour anticiper les stimuli sensoriels), celle qui estime que la conscience correspond à la capacité d’un système à intégrer des informations ou encore celle de la connectivité neuronale (qui explore comment les réseaux de connexions structurent et facilitent le traitement de l’information, mais aussi se modifient par l’expérience et l’apprentissage). Nul hasard donc si le cinéma contemporain et les séries TV sont imprégnés de thèmes liés à l’intelligence artificielle, dans des productions qui interrogent les formes, les usages et les conséquences de celle-ci Her (2013), Transcendance (2014), Lucy (2014), Ex Machina (2015).

Fig. 12 – Des images de neurones et de synapses juxtaposées à des images d’Avatar (2009)

Le motif du sujet cérébral poursuit cependant sa route dans des films comme Avatar (James Cameron, 2009) où la technologie pallie le handicap pour donner à l’individu une nouvelle vie dans une réalité virtuelle améliorée. Mythologies New Age et fantasmes neurobiologiques s’allient ici pour représenter le cerveau comme un paysage onirique (la nature intacte de la terre des Na’vis). L’analogie entre des images de la jungle luxuriante de Pandora et des images de connexions ou cellules cérébrales est frappante à plus d’un titre (Fig. 12). Derrière un discours écologiste, le film procède aussi à une apologie des neurosciences : le héros d’Avatar est bien un sujet cérébral défini entièrement par ses données neurobiologiques emmagasinées dans son système nerveux. Les neurosciences semblent donc encore fonctionner aujourd’hui comme le mythe organisateur du discours et de la représentation de la conscience.

MB

Références

ABI-RACHED, Joelle M. & ROSE, Nikolas, Neuro: the New Brain Sciences and the Management of the Mind, Princeton University Press, 2013.

ABI-RACHED, Joelle M. & ROSE, Nikolas, « The Birth of the Neuromolecular Gaze », History of the Human Sciences, vol. 23, n° 1, 2010, pp. 11-36.

BERTON, Mireille, Le médium (au) cinéma. Le spiritisme à l’écran, Georg, Chêne-Bourg, 2021.

BORCK, Cornelius, Brainwaves. A Cultural History of Electroencephalography, trad. de l’allemand par Ann M. Hentschel, Oxon/New York, Routledge, 2018 [2005].

DEHAENE, Stanislas, Le code de la conscience, Paris, Odile Jacob, 2014.

KILLEN, Andreas, Nervous Systems. Brain Science in the Early Cold War, New York, HarperCollins Publishers, 2023.

PARIKKA, Jussi, Operational Images: From the Visual to the Invisual, Minneapolis, University of Minnesota Press, 2023.

SCONCE, Jeffrey, « Brains from Space: Mapping the Mind in 1950s Science and Cinema », Science as Culture, vol. 5, n°2, 1995, pp. 277-302.

VIDAL, Fernando, Performing Brains on Screen, Amsterdam, Amsterdam University Press, 2022.

[Actualité] Harry Yi-Jui, Made by the Millions. Mental Disorders and the Early Years of the World Health Organization, Cambridge Mass/Londres, The MIT Press, 2021

Descriptif de l’éditeur :

“Cet ouvrage étudie les travaux de l’Organisation mondiale de la santé (World Health Organization) après la Seconde Guerre mondiale sur l’épidémiologie et la classification des troubles mentaux et sa vision d’une « psyché mondiale ».

En 1948, l’Organisation mondiale de la santé a commencé à préparer son projet de psychiatrie sociale, qui visait à découvrir l’épidémiologie et à parvenir à une classification des troubles mentaux. Dans Mad by the Millions, Harry Y-Jui Wu examine l’ambitieux projet de l’OMS, soutenant qu’il a été façonné par la foi d’après-guerre dans la technologie et l’expertise et par la vision universalisante d’une « psyché mondiale ». Wu montre que l’internationalisme scientifique idéalisé de l’OMS a jeté les bases d’un système mondial de santé mentale hautement rationalisé, toujours d’actualité

En examinant les interactions entre l’OMS et les pays en développement, Wu propose une analyse de la « transnationalité » de la santé mentale. Il examine le partage des connaissances entre l’organisation et ses collaborateurs africains et latino-américains, et étudie en détail le choix par l’OMS d’un scientifique taïwanais, Tsung-yi Lin, comme médecin-conseil et chef du projet de psychiatrie sociale. Il évoque la quête de normalisation des scientifiques – non seulement pour synchroniser les secteurs de l’organisation, mais aussi pour produire un langage commun de la psychiatrie – et la manière dont les progrès technologiques y ont contribué. Wu examine pourquoi l’optimisme et l’idéalisme du projet de psychiatrie sociale se sont transformés en insatisfaction, en réévaluant la première modalité de production de connaissances de l’OMS à travers le concept de « zone de traitement des exportations ». Enfin, il examine le projet de l’OMS à la lumière des débats actuels sur la psychiatrie et la santé mentale mondiale, les scientifiques déplaçant leurs préoccupations de la création de métriques universelles vers l’importance des matrices locales.”