Pendant trois jours, La Grange à Dorigny battra au rythme de Symptomania, un festival hors normes qui choisit d’écouter et de faire entendre les voix de la santé mentale autrement. Ici, pas de regard réducteur ni de simple diagnostic : l’expérience proposée explore ce que les vécus psychiatriques, les archives, les arts et les sciences sociales peuvent créer ensemble.
Au cœur de la démarche, une collaboration singulière : l’artiste Caroline Bernard, l’historienne de la psychiatrie Camille Jaccard (UNIL) et la musicienne Joell Nicolas alias Verveine (VRVN) imaginent un espace scénique et sonore où se rencontrent patient·es, pair-aidant·es, soignant·es, chercheur·euses et artistes. La Grange “se transforme alors en organisme vibrant” de récits, de musiques et de performances, entre spectacles, conférences et dispositifs participatifs.
Des archives aux voix d’aujourd’hui
Le programme scientifique « Voix sous dossier » invite à réfléchir à ce que signifie être « mis en dossier » en psychiatrie. Qui écrit ces récits, et dans quel but ? Comment accéder à ces sources sensibles et leur donner une place dans la mémoire collective ? Chercheur·euses, pair-aidant·es et artistes ouvriront un dialogue inédit autour des archives psychiatriques, en croisant sciences sociales, témoignages vécus et créations scéniques.
Tables rondes, présentations de recherches, lectures et discussions collectives rythmeront ces deux journées, avec des intervenant·es venu·es de Suisse et d’ailleurs. On y parlera de l’histoire des internements, des droits des patient·es, mais aussi des initiatives qui réinventent l’accès aux archives et valorisent la parole des personnes concernées.
Entre art et sciences sociales
L’autre partie du festival propose une carte blanche à Caroline Bernard, qui donnera voix à celles et ceux dont les histoires résonnent encore aujourd’hui. Performances, musique et mises en scène alterneront avec des échanges autour de l’art brut, des revendications juridiques ou encore de la mémoire des mouvements antipsychiatriques.
A ces propositions s’ajouteront également desprojets conçus et présentés par des étudiant·e·s, témoignant de l’ancrage pédagogique et participatif du festival, comme le projet proposé par un groupe de la faculté des lettres qui abordera la question de la confrontation à des oeuvres d’art brut : Avec mes yeux je comprends pas (Jimmy Capdevila, Bastien Ribordy, Pauline Lebet) (jeudi 3 octobre à 17h, foyer de La Grange).
Pourquoi venir ?
Parce que Symptomania n’est pas un festival « sur » la folie, mais avec les folies, les vécus et les imaginaires qu’elles portent. Parce qu’il brouille volontairement les frontières entre spectacle, recherche et expérience collective. Et surtout, parce qu’il propose de sortir du cadre médical pour écouter autrement, partager et inventer de nouvelles manières de parler de santé mentale.
9h – 9h30 : Accueil et café 9h30 – 10h : Introduction par Camille Jaccard et Caroline Bernard – Retour sur une collaboration arts/sciences
Comment construit-on un dossier sur une personne ?
10h – 10h30 : Samuel Boussion (historien – Paris 8/CNRS) – Dossiers médico-pédagogiques et leur internationalisation dans l’après-guerre, l’exemple des Semaines pour l’enfance victime de la guerre, 1940-1950
10h30 – 11h : Cristina Ferreira (sociologue – HESAV) – Fragments archivistiques et psychiatrisation des carrières féminines en prison (Genève, années 1970)
11h – 12h : Discussion
D’autres archives sont-elles possibles avec les personnes ?
14h – 14h30 : Matthias Sohr (historien – Unil et pair-proche aidant) – L. W. et son mari J. W. : entente de voix et proche-aidance (1953)
14h30 – 16h : Table ronde Archives-Paroles-Vécus, avec Christel Gumy (historienne – ORCEP, Pro Mente Sana association romande), Olivia Vernay (chercheuse en sciences de l’éducation – ORCEP, Pro Mente Sana association romande) et Léna Dormeau (philosophe, chercheuse indépendante en mad studies [études fols]).
Ve 3.10, 9h-12h et 14h–17h
9h – 9h30 : Accueil et café 9h30 – 10h : Émilie Bovet (socio-anthropologue – HESAV) et Alexia Stantzos (infirmière et adjointe à la direction des soins au Département de psychiatrie – CHUV) – Des histoires pour une histoire : polyphonie de la psychiatrie, dix ans d’archives audiovisuelles
Carte blanche à Caroline Bernard, metteuse en scène
10h – 12h : Table ronde avec Natasa Arvova (pair-facilitatrice, médiatrice), Yves Bancelin (pair-aidant, directeur de l’association Esper Pro) et Pauline Rhenter (avocate spécialiste des droits psychiatriques et sociologue)
Lire et écouter les revendications des personnes
14h – 14h30 : Jessica Schüpbach (historienne – UNIGE), autour de son livre Encres, traces, papiers : L’art d’écrire à l’Asile de Marsens, 1875-1900
14h30 – 15h : Lorraine Odier (sociologue, UNIFR), « … je vous fais une lettre » : intégrer les témoins absents dans l’écriture présente de l’histoire des internements administratifs
15h – 15h30 : Virginie Stucki (sociologue et ergothérapeute – HETSL), autour de son ouvrage Antipsychiatrie et droits des patients. Mouvements contestataires et crise institutionnelle à Genève (1972-1989)
15h30 – 16h : Discussion collective
Rencontre avec les élèves de l’Ecole de soins et santé communautaire (ESSC) 16h – 17h – Organisée par L’éprouvette, Laboratoire Sciences et société, Unil
In the name of the Media, Health & Disablity workgroup, we presentend a panel at The NECS 2025 Conference “Discovering/Uncovering. Navigating the Complexities of Screen Media” (Lisbon, June 18–21, 2025): Navigating (Mental) Health and Environmental Crises Through Cinematic and Digital Lenses.
This panel examines the intersection of (mental) health and environmental crises as depicted in contemporary cinema and media. It explores how audiovisual narratives serve as platforms for uncovering and representing psychological conditions emerging in the Anthropocene era, with a particular focus on eco-anxiety and related mental health challenges.
The presentations investigate the role of autobiographical documentary filmmaking as a self-therapeutic approach to mental illness, highlighting the camera’s function as a tool for self-exploration and empowerment. They analyze how personal narratives within documentaries provide intimate insights into individuals’ experiences with mental illness, emphasizing the therapeutic and reflective aspects of these stories.
Additionally, the panel delves into the concept of “digital topographies of the self,” examining how digital media facilitates the reconstruction and repair of fragmented identities affected by mental health crises. It considers the fluctuating boundaries between private and public spaces in digital autobiographical narratives and how these narratives contribute to a deeper understanding of the human psyche during ecological upheaval.
Furthermore, the discussions address the portrayal of personal suffering as environmental suffering, exploring how filmmakers draw parallels between individual bodily pain and ecological distress. This perspective offers a nuanced understanding of how environmental degradation impacts mental health, reflecting on the interconnectedness of personal and planetary well-being.
By engaging with these themes, the panel aims to foster a comprehensive discussion on the responsibilities and complexities inherent in representing mental health and environmental crises in media. It seeks to uncover how cinematic and media narratives can contribute to destigmatizing mental health challenges and promote a deeper understanding of the psychological impacts of environmental issues in the contemporary world.
References
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TSCHESCHEL, Janin and HARTMANN, Britta (2022). “Gespräche mit verrückten Frauen. Selbsterkundung und Selbstmächtigung im autobiograpischen Dokumentarfilm”, in Tobias Dietrich and Winfried Pauleit (eds.), Kopf/Kino. Psychische Erkrankung und Film, Berlin, Bertz und Fischer, 116-126.
Paper 1: Janin Tschechel – Filmmaking as Therapy. Autobiographical Documentary Filming as a Self-therapeutic Approach to Mental Illness
Paper 2: Mireille Berton – Digital Topographies of the Self: Navigating Mental Health in Je ne me souviens de rien (Diane Sara Bouzgarrou, 2017)
Paper 3: Tobias Dietrich – Personal Suffering as Environmental Suffering: Understanding Body-specific Pain with Ecological References in Erica Monde’s There is not much we can do (2022)
Paper 4: Anna Chiara Sabatino & Paola Lamberti – Digital Healthcare and eco-anxiety: discovering self-representational green storytelling on Ecotok
Je ne me souviens de rien (Diane Sara Bouzgarrou, 2017)
Janin Tschechel – Filmmaking as Therapy. Autobiographical Documentary Filming as a Self-therapeutic Approach to Mental Illnes
Mental illness is often a lifelong journey. It is a journey with its ups and downs, a journey on which people often rediscover themselves and their environment, forcing them to revise their concept of identity.
Against this backdrop, the presentation will highlight the specific challenges and self-therapeutic potential that arise when filmmakers create documentary films about the course of their own illness from the perspective of those affected. These films use the camera not only as a tool of observation, but also as a medium of self-exploration and as a means of providing evidence and reassurance of one’s own emotional state in times of crisis.
The focus of the paper is on long-term projects such as that of Gamma Bak (Schnupfen im Kopf, Germany 2010), who films herself over a period of years in times of crisis, emphasizing the processual nature of her own reflections rather than the completed report of a retrospective. These works unfold a unique dynamic: the camera opens up an emotional resonance space in which the (previously) unspoken becomes visible and can be made the subject of discussion.
The central research questions to be addressed in this lecture are as follows: What role does the camera play as a tool for self-exploration, self-therapy and self-empowerment? What aesthetic and narrative strategies do filmmakers develop to make their subjective experience accessible without turning to voyeurism or pathos? And how can the film diary function as an intermediary between personal processing and public debate?
The analysis situates these works within the field of tension between personal therapy, documentary practice and artistic intervention, and explores the contribution of the filmic medium to dealing with individual traumas, but also to reflecting on social narratives of mental illness.
Janin Tscheschel is a research assistant at the Institute for Linguistics, Media and Music Studies at the University Bonn. She is currently undertaking her PhD, which focuses on the representation of mental illness in documentary film. Prior to this, she completed a bi-national Bachelor’s degree in German-French Studies at the University of Bonn and at the Université Paris Sorbonne, Paris IV. She subsequently pursued a trinational Master’s degree programme in European Film and Media Studies at the Bauhaus University Weimar, the Université Lumière Lyon 2 and the Universiteit Utrecht. Alongside her role as a research assistant, she works as a freelance video/photographer and editor.
Mireille Berton – Digital Topographies of the Self: Navigating Mental Health in Je ne me souviens de rien (Diane Sara Bouzgarrou, 2017)
The French documentary film Je ne me souviens de rien (2017) by Diane Sara Bouzgarrou offers an exploration of mental health through the lens of personal experience and digital media. It serves as a first-person account of the director’s manic-depressive episode during the Tunisian revolution of 2010, intertwining personal turmoil with political upheaval. Utilizing a variety of digital recording devices, Bouzgarrou captures her experiences in real-time, creating a rich archive of audiovisual material. This collection includes footage from a lightweight digital camera, mobile phone recordings, photographs, writings, drawings, and collages. These digital traces, preserved by her partner and fellow filmmaker Thomas Jenkoe, serve as a surrogate memory, compensating for the amnesia that followed her depressive phase. Incorporating textual interludes, the film provides reflective commentary that bridges past and present, offering insights into the director’s journey toward self-reconstruction.
I will argue that “Je ne me souviens de rien” functions as a mnemonic psychic envelope (Anzieu 1995; Lavallée 1999), capable of reconstructing and repairing a damaged self, undermined by the manic-depressive episode, through technological memory. Without being a therapeutic film, it weaves a “digital topography” where the boundaries between private and public space are fluctuating and porous. The digital screens, both in and of the film, serve as supports for a raw artistic gesture that reveals the limits of creative documentary. They precisely sit at the intersection between the Self and the Non-Self (“I had become someone else”, says Bouzgarrou), the psychic and the technological, the intimate and the “extime” (Lacan 2006; Tisseron 2011). In doing so, they become interfaces for inscription, meaning, and communication, while the film transforms into a psychic envelope with containing, protective, and reflective virtues.
Keywords: Diane Sara Bouzgarrou; digital self; self-exploration; documentary; mental illness; Moi-Peau
Mireille Berton is a associate professor in the Department of History and Esthetics of Cinema at the University of Lausanne (Switzerland). Her research focuses on the relationship between cinema and the mind sciences (psychoanalysis, psychiatry, parapsychology), and the cultural history of spectatorship. She is the author of three books, Spectatrices du cinema : aux origines d’un imaginaire (Paris, 2025). Le Médium (au) cinéma. Le spiritisme à l’écran (Geneva, 2021), Le Corps nerveux des spectateurs. Cinéma et sciences du psychisme autour de 1900 (Lausanne, 2015). She is principal investigator of the SNFS project “Cinéma et (neuro)psychiatrie en Suisse: autour de la collection Waldau (1920–1970)” and is editing a collective volume with Julia B. Köhne, Cinematic Explorations of the Mind: Film Cultures in Neurology and Psychiatry in Europe, 1900-1960, to be published by Manchester University Press.
Tobias Dietrich – Personal Suffering as Environmental Suffering: Understanding Body-specific Pain with Ecological References in Erica Monde’s THERE IS NOT MUCH WE CAN DO (2022)
Endometriosis is a sex related chronic illness, that is estimated to globally affect every 10th person with an uterus. Tissue that normally covers the inside of the uterus, grows outside the uterus causing chronic pelvic pain, increased and prolonged menstrual cramps as well as nausea, painful urination and even infertility, amongst others. The history of endometriosis is a history of unacknowledged, misunderstood and misexplained female pain whose criteria of explanation have seemed to be more of moral and anti-feminist assessment than of medical knowledge. To this day, the causes are unknown and the willingness of research policy to investigate them is disproportionately low compared to the economic costs of 22 billion USD that they have caused in 2002 and may have increased since then. In comparison, migraine and Crohn’s disease, for example, cost society 865 million USD or 13-17 billion USD respectively. In contrast, the German government for example is providing 5 million euros annually for an initial period of three years to research the causes, progression and diagnostic and therapeutic approaches to endometriosis, responding to Macron’s 2022 announcement of a national strategy to combat endometriosis, which would envisage France leading the way in research and innovation. Although symptoms have been described since Hippocrates, this disease has only received increasing medical attention in recent decades and political in recent years.
In their essayfilm THERE IS NOT MUCH WE CAN DO (2022), Scotland-based Californian filmmaker and anthropologist Erica Monde, theirself affected by the condition, utilises the parallels to the sickness of nature, which also has only recently received serious research interest, to understand endometriosis not in a clinical context, but in an aesthetic one that places the body in connection with nature. On the one hand, they tie the discourse to the closeness to nature of former female practices, without slipping into the realm of the alternative or esoteric, and on the other hand, Monde refers to the discursive rhetoric of the ‘ecological grief’, which has itself only recently become an emerging scientific term, to pose questions about the troubled body and the diseased environment. The talk will explore how Monde utilises an associative process of audio-visual image-sound-text weaving, using the metaphor of the invasive species of Japanese Knotweed and its ecological and economic consequences for the UK, to present their own medical journey as link of endometriosis to the wider discourse of the ailing planet.
Keywords: eco-anxiety; endometriosis; Erica Monde; ecological grief’; medical journey
Dr. Tobias Dietrich: 2019–2024 university lecturer for film studies and film education at the Institute for Art History – Film Studies – Art Education/ZeMKI at the University of Bremen, Germany, doctoral thesis on the subject of ‘The Aesthetic Dimension of Mental Illness in Contemporary Auteur Films’. Founding member of the U-Bremen research network ‘Health Humanities and Audiovisual Cultures’ (He:Ku), freelance film curator and a member of the film jury at the Scottish Mental Health Arts Festivals, Glasgow. Publications: Kopf/Kino. Psychische Erkrankung und Film (2022, Berlin, co-ed. with Winfried Pauleit). Filme für den Eimer. Das Experimentalkino von Klaus Telscher (2017, Stuttgart).
Anna Chiara Sabatino & Paola Lamberti – Digital Healthcare and eco-anxiety: discovering self-representational green storytelling on Ecotok
In an era marked by ecological crisis, the growing eco-anxiety among the younger generation is not just a reaction to environmental catastrophes, but a symptom of a deep collective malaise. It is no longer just the future that is under threat, but also psychological well-being, since digital social media narratives have increasingly contributed to forming a catastrophic vision of the future, fueling multiple generations’ fears. However, self-narratives on platforms such as TikTok serve as a powerful act of participation, where young people not only confront eco-anxiety but turn these concerns into a journey towards awareness and change.
Through a combination of short formats and remixes (particularly of the documentary genre), the green influencers of the #Ecotok on TikTok combine personal narratives of eco-anxiety with political statements and calls to action. However, a further dimension emerges in the #Everydaylife vlogs, where the environment becomes a catalyst for reconnecting the individual with his or her identity. Such confrontation between opposite stylistic flows and narrative aims leads to a peculiar digital activism based on personal narratives, creating fertile ground for emotional and political explorations on younger generations’ health and well-being.
Our paper therefore aims to explore how the ecological crisis and psychological concerns are represented on Tik Tok self-representations, where younger people not only address their anxieties related to climate change, but also create new modes of ‘emotional navigation’ that combine collective participation with personal growth. In this perspective, digital healthcare manifests itself as an act of resistance in a response to the ecological crisis that is not only political, but also deeply individual and transformative.
Keywords: EcoTok; TikTok; green storytelling; eco-anxiety; self-narrative; ecological grief.
Anna Chiara Sabatino is an Adjunct Professor of Audiovisual Storytelling and Fellow Researcher in Visual Culture at University of Salerno. Member of the steering committee of the Audiovisual Storytelling Lab (Labsav), her ongoing research is focused on cinematic agency, amateur and participatory authorships, self-representation through mobile media and methodological applications for therapeutic images. As documentary filmmaker and Italian MIUR certificated trainee in media education, she holds participatory workshops and masterclasses in Italy and across Europe.
Paola Lamberti is a PhD student in Communication, Media, Languages at the University of Salerno. Her research focuses on the agentive and performative practices of youth narratives on social networks, digital storytelling and the relations between different regimes of subjective, historical and technological temporality. In particular, she focuses on narratives about the climate crisis and eco-anxiety in young people. Since graduating in Corporate Communication and Media, she collaborates with LABSAV (Laboratory of Audiovisual Storytelling) at the University of Salerno
The NECS 2025 Conference “Discovering/Uncovering. Navigating the Complexities of Screen Media”, Lisbon, June 18–21, 2025
The workgroup will be present in Lisbon through panels, individual conferences, round tables and panel moderation. Here is the description of one of the panels proposed by Mireille Berton
Le GRAAP, Association Groupe d’Accueil et d’Action Psychiatrique organise un festival de film consacré aux liens entre santé mentale et prison, du 4 au 7 avril 2025 au Cinématographe, au Casino de Montbenon. Voici le descriptif de la manifestation :
“Bienvenue au Festival de Film-Santé Mentale et Prison, une rencontre unique, qui aura lieu à Lausanne du 4 au 7 avril 2025. Pendant quatre jours et dans l’esprit festif du 7ème Art, L’Action Maladie Psychique et Prison souhaite aborder avec ce festival, deux thèmes particulièrement sensibles, la santé mentale et la prison. Souhaitant porter ce débat sur la place public, ce festival s’adresse à tous.
Le prix d’entrée, s’étalant de CHF 10.- à 160.-, permet l’accès à toutes les bourses, y compris les petits budgets. Vous êtes un professionnel, un spécialiste des domaines de la santé, du social, de la prison et de la justice, alors vous aurez l’occasion de découvrir d’autres facettes de votre réalité quotidienne.
9 Films
Pendant ces 4 jours de Festival, neuf films, documentaires ou fictions, seront projetés. Tous centrés sur la santé mentale et/ou sur l’univers carcéral, ces films se rejoignent par leur profonde humanité et leur volonté de casser les stéréotypes, de dépasser les schémas réducteurs, d’ouvrir des chemins vers la reconstruction de soi et le vivre ensemble.
4 Débats et 4 Dialogues croisés
C’est aussi l’objectif des débats et des dialogues croisés qui suivront : questionner la situation actuelle, partager des réflexions sur les questions non résolues, croiser les connaissances et les expériences, sans faire fi des réalités.
Nous avons invité des personnalités romandes et des experts de vécu (proches et patients) à présenter leurs réflexions et leurs points de vue entre les différents domaines concernés tels que la psychiatrie, la prison, la justice, la politique, l’éthique, les droits humains.”
Journée d’étude, Université de Lausanne, 3 octobre 2024, l’IDHEAP-003. Organisation : Mireille Berton (Section de cinéma, faculté des lettres, UNIL) & Aude Fauvel (Institut des humanités en médecine, CHUV-UNIL). Comité scientifique : Dr Mireille Berton ; Dr Aude Fauvel ; Dr Félix Rietmann (Section de médecine, Université de Fribourg) ; Dr Marianna Scarfone (Faculté des sciences sociales, SAGE, Université de Strasbourg).
Comment la psychiatrie en Suisse a-t-elle médiatisé ses pratiques et ses savoirs (savants ou profanes) ? Quels images et sons a-t-elle fait circuler, dans quels buts et avec quels résultats ? En quoi les spécificités professionnelles, institutionnelles et culturelles de cette branche de la médecine ont-elles infléchi ces productions audiovisuelles ? Et dans quelle mesure la psychiatrie suisse s’est-elle distinguée (ou non) des pays voisins du point de vue de la fabrication d’une archive audiovisuelle ?
La visualité a toujours joué un rôle capital en psychiatrie, comme l’illustre l’exemple bien connu de la photographie, qui a contribué — entre autres — au processus de professionnalisation de cette spécialité. Essentielle dans la formation et la recherche, employée pour véhiculer une image moderne de l’institution, elle a aussi induit la stigmatisation des personnes atteintes de troubles mentaux. Dans le sillage de la photographie, le film, la télévision, la radio et la vidéo ont également participé à construire des savoirs sur la folie, de sorte à les (ré)affirmer, les rationaliser, les promouvoir, les renouveler, etc. Et à chaque fois, selon les époques et contextes de production, de diffusion et de réception, l’audiovisuel a généré différents usages, niveaux de lecture, effets, récits et contre-récits.
Cette journée d’étude vise à explorer comment la psychiatrie en Suisse au XXe siècle s’est emparée des médias audiovisuels pour donner forme à la folie, mais aussi façonner une certaine image d’elle-même, que ces représentations émanent du corps médical et paramédical, des patient·e·s ou de leur entourage. L’objectif de cette rencontre est double : d’une part, rassembler des chercheurs·euses dispersé·e·s s dans différentes régions linguistiques et stimuler les échanges entre eux ; d’autre part, favoriser un dialogue transdisciplinaire entre humanités médicales, histoire de l’art et histoire des médias autour d’objets qui gagnent à être éclairés par leurs regards croisés.
Connue pour avoir laissé quelques figures marquantes à l’histoire de la psychiatrie, de la psychologie et de la psychanalyse, on peut se demander si la Suisse a fait des médias audiovisuels des usages singuliers ou originaux. La question peut en effet se poser au regard de ses particularités. Née au sein des grands centres universitaires, la psychiatrie suisse se définit par la pluralité de ses pratiques, son réseau très dense d’établissements privés et publics, l’émulation entre Suisse romande et Suisse allemande ou encore un intérêt pour la psychanalyse et pour le développement de nouvelles méthodes thérapeutiques (cure par le sommeil, insulinothérapie, thérapie par le travail, art thérapie, etc.). La souveraineté des cantons sur le plan des politiques de soins et la situation géographique de la Suisse au centre de l’Europe (qui font d’elle un lieu ouvert aux courants — centripètes et centrifuges — d’idées, de personnes, de savoir-faire) achèvent de dessiner le profil idiosyncrasique de la psychiatrie suisse.
Si l’implication dans l’étude de la psychopathologie de l’expression (connue aussi sous le nom d’« art brut ») a reçu l’attention soutenue des chercheurs·euses, notamment en histoire de l’art et de la littérature, il reste encore bien des pistes et des corpus à explorer du côté des médias comme la radio, le film, la télévision ou la vidéo. Rattachées encore trop souvent au monde de l’art, critiquées pour être des instruments de pouvoir aux mains des psychiatres, minorées car jugées non scientifiques, les sources audiovisuelles méritent pourtant qu’on s’y attarde afin de recueillir en elles des informations absentes des textes écrits.
De fait, les documents audiovisuels constituent des formes de communication en partie non narratives et non verbales, qui invitent à prêter attention aux corps des patients, médecins, etc., à la manière dont ils interagissent et dont la maladie s’incarne. Dans les cas des films de recherche, les images animées montrent autre chose que le savoir médical, révélant l’éthos des médecins, la résistance des patient·e·s ou les limites d’un projet (scientifique, thérapeutique, institutionnel, etc.). Si ces objets sont emblématiques des normes dictées par les protagonistes de la psychiatrie, ils constituent également des sources plurivoques, éloquentes à plusieurs points de vue, y compris dans leurs silences.
Contexte: cette journée d’étude est organisée dans le cadre de deux recherches financées par le FNS :
Cinéma et (neuro)psychiatrie en Suisse: autour des collections Waldau, 1920-1990 (2021-2025), dir. Mireille Berton (UNIL). Site : https://waldau.hypotheses.org/.
MEDIF (2023-2027), dir. Aude Fauvel (IHM-CHUV-UNIL) et Rémy Amouroux (Institut de psychologie, UNIL). Le projet étudie l’histoire des premières femmes médecins en Suisse romande et en France, des années 1870 à l’entre-deux-guerres, ainsi que leurs contributions aux savoirs médicaux.
9h00-9h30 : Mikhaël Moreau (IHM-CHUV/UNIL) – Comment faire de la publicité pour la psychiatrie ? L’exemple des campagnes de « propagande » pour l’hôpital de Cery dans les années 1960
9h30-10h00 : Dr Elodie Murtas (UNIL) – De l’Abeitstherapie à l’ergothérapie : quand le film s’empare de la thérapeutique psychiatrique occupationnelle
10h00-10h30 : Discussion
10h30-11h00: Pause
Panel 2: Représenter le monde des patient·e·s
Modération : Dr Félix Rietmann (Université de Fribourg)
11h00-11h30 : Dr Jessica Schüpbach (UNIL) – Au fil et au cœur des films de la collection Waldau… les patient·e·s.
11h30-12h00 : Chiara Sartor (Université Humboldt de Berlin) – Médiatiser l’écriture « brute ». De la critique sociale post-soixante-huitarde à l’esthétisation actuelle (1979-2021)
12h00-12h30 : Discussion
12h30-13h45: Pause de midi
Panel 3: Médiatiser la psychanalyse
Modération : Dr Aude Fauvel (IHM-CHUV)
13h45-14h15 : Dr Camille Jaccard (UNIL) – Inconscient et prophylaxie des troubles mentaux sur les ondes de Radio-Lausanne dans l’après-guerre : Les chroniques du psychanalyste Georges Favez (1901-1981)
14h15-14h45 : David Bucheli (UNIBAS) — “Tell me what you see”. Looking at Rorschach’s Inkblots through the Cinema of Robert Siodmak and Ken Jacobs
14h45-15h15 : Discussion
15h15-15h45: Pause
Panel 4 – Mettre en perspective les archives audiovisuelles aujourd’hui
Modération : Prof. Anne-Katrin Weber (UNIL)
15h45-16h15 : Paola Juan (IHM-CHUV/UNIL) – Éthique et productions audiovisuelles (2019-2024) : regards croisés
16h15-16h45 : Alexandra Tilman (CIRCEC) – Retour sur les archives RTS de la psychiatrie des années 1960. Un travail de recherche-documentaire multimédias réalisé à l’Université de Lausanne
16h45-17h15 : Discussion
17h15-17h35: Conclusion
Compte-rendu de la journée d’étude Médiatiser la psychiatrie en Suisse au XXe siècle
Le 3 octobre 2024 s’est tenue à l’Université de Lausanne la journée d’étude Médiatiser la psychiatrie en Suisse au XXe siècle. Cultures audiovisuelles et savoirs sur la folie, organisée par Mireille Berton (Section de cinéma, UNIL) et Aude Fauvel (Institut des humanités en médecine, CHUV-UNIL). Cet événement s’inscrit dans le cadre des recherches financées par le Fonds national suisse (Cinéma et (neuro)psychiatrie en Suisse : autour des collections Waldau, 1920-1990 et MEDIF), ainsi que du programme des 150 ans de l’hôpital de Cery.
L’objectif de cette rencontre était d’interroger comment la psychiatrie suisse a médiatisé ses savoirs et pratiques à travers la photographie, le film, la télévision et la radio. Comment ces médias ont-ils servi à promouvoir certaines représentations de la folie, des institutions psychiatriques et de leurs acteurs ? Quels discours ont-ils véhiculé et quelles résistances ont pu émerger face à ces mises en images ?
Les communications ont offert un panorama riche et varié des usages des médias audiovisuels en psychiatrie, révélant les tensions entre production du savoir, promotion institutionnelle, et enjeux éthiques liés à la représentation des patient·es.
Promouvoir l’institution psychiatrique : un outil de légitimation
Les premières interventions ont mis en lumière l’usage du film comme outil de communication et de légitimation institutionnelle.
Mikhaël Moreau (IHM-CHUV/UNIL) a analysé les campagnes de “propagande” pour l’hôpital de Cery dans les années 1960, initiées sous la direction de Christian Müller. Ces films, réalisés notamment par Nag Ansorge, visaient à améliorer l’image de l’institution face aux critiques émergentes des mouvements antipsychiatriques, tout en attirant de nouveaux soignants.
Elodie Murtas (UNIL) a exploré la représentation de la thérapeutique occupationnelle en psychiatrie, à travers deux films réalisés à différentes périodes (années 1930 et 1950). Son analyse montre comment le dispositif filmique contribue à façonner une vision du soin, où le travail thérapeutique est à la fois valorisé comme outil de réhabilitation et instrumentalisé dans un discours institutionnel.
Ces interventions soulignent le rôle ambigu des films psychiatriques : à la fois outils de promotion institutionnelle et moyens de normaliser certaines pratiques thérapeutiques.
Représenter le monde des patient·es : entre visibilité et réification
Un des enjeux majeurs soulevés lors de cette journée concerne la manière dont les patient·es apparaissent à l’écran et le type de relation qu’ils entretiennent avec le dispositif filmique.
Jessica Schüpbach (UNIL) a proposé une analyse des films de la collection Waldau, s’intéressant à la manière dont les patient·es y sont filmé·es. Ses recherches montrent que ces images, initialement conçues pour documenter des pathologies, permettent aussi d’observer les interactions entre soignants et soigné·es, révélant des moments de résistance ou de réappropriation du corps par les patient·es.
Chiara Sartor (Université Humboldt de Berlin) a exploré la médiatisation de l’écriture « brute » dans les institutions psychiatriques suisses et son évolution entre les années 1970 et aujourd’hui. Elle a montré comment, après une phase où ces écrits ont été intégrés à des démarches critiques post-68, ils ont progressivement été esthétisés et mis en lumière dans des expositions d’art brut.
Ces interventions ont permis de souligner les paradoxes de la médiatisation des patients : si l’image donne une visibilité à des individus souvent marginalisés, elle contribue aussi à fixer certains corps dans un rôle purement symptomatique, réduisant leur expérience à une démonstration clinique.
Médiatiser la psychanalyse : la radio et le cinéma au service de la diffusion des savoirs
La médiatisation de la psychiatrie ne se limite pas au film utilitaire : la radio et le cinéma de fiction ont aussi joué un rôle dans la diffusion des savoirs psy.
Camille Jaccard (UNIL) a présenté les chroniques radiophoniques du psychanalyste Georges Favez, diffusées sur Radio-Lausanne dans les années 1940-1950. Elle a analysé comment la radio a permis une vulgarisation de la psychanalyse, intégrée dans un discours prophylactique visant à éduquer le public sur les troubles mentaux et la vie familiale.
David Bucheli (UNIBAS) s’est intéressé à la représentation du test de Rorschach au cinéma, notamment dans le film The Dark Mirror (Robert Siodmak, 1946). Il a montré que le cinéma a contribué à populariser des outils d’évaluation psychiatrique, participant ainsi à leur ancrage dans l’imaginaire collectif et leur diffusion dans des contextes non médicaux.
Ces présentations ont mis en lumière les interactions entre psychanalyse et médias, révélant comment ces derniers ont contribué à façonner les perceptions populaires des pratiques thérapeutiques et des outils diagnostiques.
Les archives audiovisuelles aujourd’hui : enjeux éthiques et narratifs
Les dernières interventions ont questionné la place des archives psychiatriques aujourd’hui et les dilemmes éthiques qu’elles soulèvent.
Paola Juan (IHM-CHUV/UNIL) a comparé trois productions documentaires récentes sur un même hôpital psychiatrique suisse. Son analyse met en évidence les tiraillements entre les impératifs de protection des patient·es et leur volonté de témoigner de leur vécu institutionnel.
Alexandra Tilman (CIRCEC) a proposé un retour critique sur les archives RTS de la psychiatrie des années 1960, mettant en avant l’écart entre la représentation idéalisée de la prise en charge et la réalité des rapports de pouvoir dans les institutions psychiatriques.
Ces conférences ont soulevé des questions fondamentales sur la diffusion des archives psychiatriques : comment concilier mémoire et respect de la dignité des patient·es ? Comment exploiter ces documents sans reproduire la logique de surveillance et d’objectivation qui les a initialement produits ?
Conclusion : Regards croisés sur la psychiatrie et ses médias
Cette journée d’étude a permis de décloisonner les approches et d’ouvrir un dialogue interdisciplinaire entre histoire des médias, histoire de la psychiatrie et études filmiques.
Plusieurs axes de réflexion ont émergé :
Le rôle des médias dans la légitimation de la psychiatrie : entre promotion institutionnelle et contrôle des représentations.
L’ambivalence des archives audiovisuelles : elles sont à la fois des outils de savoir et des dispositifs de pouvoir.
Les tensions éthiques dans l’exploitation de ces archives : faut-il anonymiser, contextualiser, rendre visibles ou protéger ces documents ?
Les formes de résistance et d’appropriation des patients : certains corpus montrent des patient·es en position d’agentivité, d’autres les réduisent à des corps soumis à l’observation médicale.
À travers ces présentations, on comprend que les médias audiovisuels ont façonné les représentations de la folie et des savoirs en psy en Suisse, et qu’il existe encore une foule de pistes à explorer, notamment en se plongeant dans des archives psychiatriques encore sous-exploitées.
Quelques notes à partir de l’ouvrage d’Andreas Killen, Nervous Systems. Brain Science in the Early Cold War (HarperCollins Publishers, 2023)
Connu pour ses travaux consacrés aux liens entre psychiatrie, folie et modernité, Andreas Killen est spécialiste de l’histoire culturelle et intellectuelle européenne et américaine. Après avoir publié les remarquables Berlin Electropolis : Shock, Nerves, and German Modernity (University of California Press, 2005), 1973: Nervous Breakdown : Watergate, Warhol, and the Birth of Post-Sixties America (Bloomsbury, 2006) et Homo Cinematicus: Science, Motion Pictures, and the Making of Modern Germany (University of Pennsylvania Press, 2017), il sort un nouvel ouvrage consacré aux sciences du cerveau dans le contexte de la Guerre froide, principalement aux États-Unis (Fig. 1) (précisons qu’un projet de recherche du Birbeck College of London, Hidden Intruders, investigue depuis 2015 les échanges entre politique et experts en sciences du psychisme autour du thème du lavage de cerveau).
Fig, 1 – Les couvertures des ouvrages d’Andreas Killen
Killen examine comment les théories du cerveau et de l’esprit vont donner naissance à toute une série de pratiques et de technologies qui interrogent profondément notre rapport à la conscience. L’histoire qu’il retrace débute en 1953 à Sainte-Marguerite-du-Lac-Masson au Québec, lorsque des savants américains et européens se réunissent dans le cadre d’un symposium intitulé Brain Mechanisms and Consciousness. D’éminents neurologues, neurochirurgiens, psychiatres, psychologues, etc., dont Wilder Penfield, Donald O. Hebb, Lawrence Kubie, Edgar Adrian ou W. Grey Walter, échangent leur point de vue autour de cerveau, que l’invention de l’électroencéphalographie (EEG) permet de reconsidérer sous un nouveau jour.
Mis au point en 1929 par le psychiatre allemand Hans Berger, l’EEG fournit un outil diagnostique inédit pour mesurer l’activité du cerveau à travers ses ondes et surtout pour montrer celui-ci “au travail” (Borck 2018, 181). Grâce à cet instrument et aux savoirs qui l’entourent, le cerveau devient une entité accessible et mesurable, et donc maîtrisable.
Pour une analyse de l’imaginaire entourant l’EEG, voir le film réalisé par des chercheurs-euses du projet Objects of the Mind à partir des collections du Science Museum.
Le film utilitaire en psychiatrie permet d’observer le changement de paradigme qui s’opère vers ces années-là en direction des neurosciences et de l’imagerie médicale (notamment la tomographie), censées précisément lever le voile de son opacité. Un film d’Ernst Grünthal (Über senile Demenz ou Senile Demenz und Alzheimer Krankheit, 1948-1953) consacré à la démence sénile et à l’Alzheimer contient des graphes d’EEG réalisés grâce à un appareil financé en 1948 par l’entreprise pharmaceutique Geigy (installé au Laboratoire d’anatomie cérébrale de la Waldau, il est l’un des premiers en Suisse). Il est composé, outre de cartons explicatifs, de deux types d’images : celles de patientes (que l’on stimule, par exemple, pour indiquer leur niveau de réactivité) et celles de plans fixes d’électroencéphalogrammes (Fig. 2).
Fig. 2 – Über senile Demenz ou Senile Demenz und Alzheimer Krankheit, (1948-1953). Collections Waldau, captures d’écran tirées d’ûn film traité et numérisé par la Cinémathèque suisse.Fig. 2 – Über senile Demenz ou Senile Demenz und Alzheimer Krankheit, (1948-1953). Collections Waldau, captures d’écran tirées d’un film traité et numérisé par la Cinémathèque suisse.
L’EEG est par excellence une image opérationnelle — au sens donné par Jussi Parikka (2023) — laquelle renvoie à une culture « invisuelle » fondée en priorité sur des données et leurs infrastructures. Comme l’enseigne l’épistémologie des sciences, la preuve expérimentale se construit à travers une série d’étapes intermédiaires, et « les images opérationnelles renvoient à ces pratiques et infrastructures d’images qui ne sont pas nécessairement particulièrement intéressantes à voir » (Parikka, 2023 : 20, TdA). En ce sens, les collections de films psychiatriques sont pleines d’images « non-vues », conçues pour être transformées, assemblées, enchâssées dans un film ou encore publiées dans des articles scientifiques (comme c’est le cas pour les travaux d’Ernst Grünthal réalisés en collaboration avec son collègue Maurice Rémy). Ces graphes fonctionnent donc autant comme des outils heuristiques et analytiques, que comme des données stockées dans des archives pour éventuellement générer des « preuves » scientifiques dans une opération ultérieure finale.
Dans Senile Demenz und Alzheimer Krankheit, l’aller-retour entre les deux types d’image (animée et fixe) favorise une lecture diagnostique, mais aussi l’émergence d’une appréhension « complète » des symptômes observés. Image cinématographique et image électronique conjuguent en effet leur pouvoir respectif pour construire la complémentarité entre surface et profondeurs. Daté du tournant des années 1950, ce film de recherche est emblématique d’un moment où l’image cinématographique inaugure une série de transitions et d’hybridations sur le long terme avec l’électronique. Pour les psychiatres et les neurologues, l’image électronique permet de pénétrer le mystère d’un organe ou du moins d’en révéler un pan caché. Enchâssée dans le médium filmique, elle livre une image « plate » (une image à lire) des profondeurs de l’esprit, lequel est tout entier contenu dans le cerveau. L’EEG, à l’instar d’autres techniques décrites par Andreas Killen, offre ainsi la possibilité d’aller au cœur de l’esprit humain localisé principalement dans cet organe.
Comme l’illustre la psychiatrie biologique d’Ernst Grünthal, les études conduites dans différents champs du savoir convergent vers l’idée que l’humain est dominé par son système nerveux. Les années 1950-1960 correspondent à ce que Nikolas Rose et Joelle M. Abi-Rached appellent le « neuroscientific turn » ou le « neurobiological age » (2013, 26), un moment au cours duquel se modifie la manière de concevoir le cerveau. Véritable enjeu de savoir et de pouvoir, le cerveau est perçu dans ce contexte comme le lieu privilégié de l’identité, de la personnalité et de la mémoire (Vidal 2022). Si l’idée que le cerveau est le site de l’âme et des nerfs est très ancienne, elle s’affine et s’approfondit grâce aux découvertes sur l’anatomie du cerveau (à la fin du XIXe siècle), grâce à la neurochirurgie (Walter Freeman met au point la technique de la lobotomie en 1936), puis au développement des neurosciences dès les années 1960.
Gateways to the Mind (Owen Crump, Bell Laboratory Science Series, 1958)
L’observation du fonctionnement du cerveau, souligne Andreas Killen, s’adosse donc à l’emploi de technologies qui en visualisent ou en traduisent l’activité, ainsi qu’à des pratiques d’investigation de ses potentialités et ses limites. Électroencéphalographie, stroboscopes, oscilloscopes, exposition aux médias (télévision, cinéma), etc., facilitent l’observation expérimentale du cerveau dans des conditions extrêmes de sous- ou surstimulation. Ces machines avèrent également des fantasmes de pénétration littérale dans le cerveau représenté comme un appareil extrêmement fin et sophistiqué.
Alors que le cerveau est scruté à travers une multitude de dispositifs, il est à son tour conçu à la manière d’un espace rempli d’appareils de vision et d’audition permettant de monitorer ses différentes activités. En témoigne Gateways to the Mind (Owen Crump, Bell Laboratory Science Series, 1958), un film éducatif produit par les Laboratoires Bell afin d’expliquer le fonctionnement des cinq sens. Combinant animation et prise de vues réelles, il représente le précieux organe sous la forme d’une salle de contrôle équipée de toutes sortes de machines (Fig. 3). Grâce au narrateur intradiégétique, le Dr Research (joué par Frank C. Baxter) qui nous guide dans le récit, nous découvrons de manière très didactique les théories des savants tels le psychologue Hadley Cantrill de Princeton (travaux sur la perception), George Wald (sur la physiologie optique), Wilder Penfield de McGill (sur la neurophysiologie de la mémoire) ou encore du psychologue Donald O. Hebb de McGill également.
Fig. 4 – Chambre de privation sensorielle (Gateways to the Mind, Owen Crump, Bell Laboratory Science Series, 1958)
Fig. 5.– Séquence du cinéma du prisonnier (Gateways to the Mind, Owen Crump, Bell Laboratory Science Series, 1958)
L’une des séquences montre justement le « cinéma du prisonnier » traité dans un chapitre par Andreas Killen (2023,113-143). Ce dispositif consiste en une chambre de privation sensorielle où le sujet commence, au bout de quelques dizaines d’heures, à avoir des hallucinations visuelles (Fig. 4). Dans Gateways to the Mind, celles-ci sont transcrites sous la forme d’une séquence en animation (qui débute en surimpression sur le visage du sujet de l’expérience, avant d’occuper tout le cadre). Les volontaires de l’étude conduite par Hebb à McGill indiquent avoir vu des points, des lignes, des formes géométriques, des figures humaines grotesques ou encore un défilé de paires de lunettes roses géantes (Fig. 5). La voix over précise que les images apparaissent comme dans « un film d’animation ». Récurrentes dans les discours des témoins, les métaphores cinématographiques émaillent également les sciences du psychisme analysant les phénomènes du rêve, de l’hallucination, de la paramnésie, de la dépersonnalisation, etc., où les « ciné-dispositifs » servent de modèle épistémologique (Berton 2015).
Durant les années 1950, dans le domaine des sciences ou de la culture, le cerveau devient l’organe maître (Killen 2023, 123), une partie essentielle du corps où se loge l’essence de l’être humain, la subjectivité, la personnalité, la mémoire. Désormais accessible grâce aux technologies électroniques, le cerveau apparaît comme un espace à explorer, à conquérir et à protéger. Il apparaît également comme un territoire “cartographiable” en raison de sa division en zones vouées chacune à des fonctions précises (Sconce 1995, 280). Relayées par la presse généraliste et spécialisée, les découvertes permises par les sciences du cerveau, dessinent une image ambivalente de cet organe : à la fois puissant (capable d’exploits cognitifs, intellectuels, occultes) et vulnérable (ouvert aux chocs psychiques, à l’amnésie, aux influences de toutes sortes), le cerveau est l’objet de tous les fantasmes. Parmi ceux-ci, l’emprise par une force extérieure alimente de nombreuses représentations.
C’est précisément à l’intersection entre sciences du cerveau et parapsychologie (laquelle a le vent en poupe dans les années 1950-1960, Guerre froide oblige) que se situe l’imaginaire du cerveau télépathe. L’affinité entre les tracés de l’électroencéphalogramme et les ondes invisibles qui émanent d’un sujet doté de pouvoirs « psy » (précognition, télékinésie, télépathie, vision à distance, etc.) relèvent de l’évidence pour certains acteurs impliqués dans la conquête du cerveau (Killen 2023, 176 ; Sconce 1995, 290). Rappelons que la Guerre froide correspond à une période où se développe la recherche sur l’espionnage psychique : La CIA encourage un programme recrutant des « médiums-espions » capables de localiser à distance des bombardiers ou toute autre cible stratégique, comme l’illustrent les travaux de deux physiciens au sein du laboratoire d’électronique et de biotechnique de l’institut de recherches de Stanford (SRI) de Palo Alto, Harold Puthoff et Russell Targ (à propos de l’impact du programme SCANATE sur les films de science-fiction, voir Berton 2021, 197-211) (Fig. 6).
Fig. 6 – Putthof et Targ à Palo Alto
Superposant des questions relatives à la souveraineté individuelle et à la souveraineté nationale, l’espionnage psychique soutenu par la CIA s’inscrit dans le même paradigme militaro-politico-idéologique que les pratiques de lavage de cerveau imputées d’abord aux pays ennemis communistes. La Guerre de Corée (1950-1953) laisse en effet derrière elle la hantise du brainswashing sur des soldats américains, le gouvernement répliquant en sollicitant l’expertise des professions psychologiques.
Hollywood participe également à la riposte grâce à The Manchurian Candidate (Un crime dans la tête, John Frankenheimer, 1962) adapté d’un roman de Richard Condon, dans lequel fusionnent plusieurs thématiques : la paranoïa politique, la manipulation par les médias dits de masse et la torture psychologique (Killen 2023, 179-184) (Fig. 7). Centrés sur les péripéties d’un ancien prisonnier de guerre ayant subi un lavage de cerveau pour devenir l’instrument involontaire d’une conspiration communiste internationale, Raymond Shaw (Laurence Harvey), The Manchurian Candidate « n’est pas le simple produit des tensions de la Guerre froide », écrit Killen. Ce film permet d’examiner comment la culture populaire appréhende les effets délétères de la télévision, étroitement associée à l’hypnose et au lavage de cerveau. Une pique envoyée au petit écran par l’industrie cinématographique, un peu bousculée par le succès remporté par sa « rivale » auprès des Américains et Américaines ?
Fig. 7 – The Manchurian Candidate (Un crime dans la tête, John Frankenheimer, 1962)
Pourtant, les deux médias — cinéma et télévision — ont, dès leurs origines, été référés à l’illusion, à la suggestion et à l’aliénation. Sinon, comment expliquer que The Manchurian Candidate soit retiré des écrans à la suite de l’assassinat du Président John. F. Kennedy, par crainte que Lee Harvey Oswald ne fasse des émules (Raymond Shaw est précisément « piloté » pour se débarrasser du chef de l’État) ? Assez ironiquement, dans les années 1960, le média « froid » de la télévision (qui agit par sous-stimulation en activant les ondes alpha du cerveau, à la manière de l’hypnose) et le média « chaud » du cinéma (qui œuvre en faveur d’une surstimulation) — pour reprendre les termes Marshall McLuhan cités par Killen — cristallisent des inquiétudes « cousines ». En cause, l’emprise irrésistible des médias de masse interprétée à l’aune des nouveaux savoirs sur le cerveau et sa malléabilité.
Pour rendre compte de cette histoire où le cerveau devient la valeur cardinale des sciences du psychisme, ainsi que de la culture scientifique et populaire, Andreas Killen propose plusieurs études de cas, auxquelles des « récits cliniques » (« clinical tales ») donnent corps et âme, pourrait-on dire : l’utilisation du stroboscope destiné à reproduire expérimentalement des symptômes d’épilepsie ; l’étude des messages subliminaux diffusés dans les spots publicitaires, films, programmes télévisés, etc. ; ou encore l’emploi de dispositifs hypnotiques, tels que la Dreamachine(« la machine à rêver) » de Brion Gysin (Fig. 8), par les membres de la contre-culture — un dispositif qui fait partie de l’histoire plus large des expériences psychédéliques. Nervous Systems. Brain Science in the Early Cold War est ainsi rempli de dispositifs audiovisuels hybrides et étranges, abordant des questions passionnantes concernant la subjectivité, la mémoire, l’identité, la connaissance et la politique — un livre qui déploie une histoire culturelle et intermédiale des sciences du cerveau — une histoire où le cerveau joue le rôle principal, servant de modèle, de support, de médium, bref, de point de référence.
Fig. 8. La machine à rêver (ou plutôt à hypnotiser)
Très documenté et proposant des analyses très fines, cet ouvrage constitue un excellent outil pour contextualiser une série de films mettant à l’honneur le cerveau, en particulier les films de science-fiction et de série B sortis dans les années 1950 et 1960 — des films qui font également l’objet de commentaires de la part de Killen, à l’instar de Donavan’s Brain (1953) et The Brain (1962), tous deux adaptés du pulp de Curt Siodmak (1942) (Killen 2023, 165). Jeffrey Sconce a déjà tracé ce chemin grâce à un article sur les « brainfilms » de série B qui exploitent la fascination du grand public pour cet organe aux potentialités infinies. Creature with the Atom Brain (1955), The Brain from Planet Arous (1957), The Brain Eaters (1958), Fiend Without a Face (1958), They Saved Hitler’s Brain (1963), The Atomic Brain (1964), The Brain (1965) forment un cycle où le cerveau est un organe « sensible survivant à l’extérieur du corps, un cerveau qui [est] le plus souvent le maître d’œuvre d’un horrible plan de conquête et de contrôle » (Sconce 1995, 278, TdA) (Fig. 9).
Fig. 9 – Affiches de films appartenant au cycle des “brainfilms” (Sconce 1995)
Selon Fernando Vidal, également, l’imaginaire du sujet cérébral est central aux « brain and memories movies », une catégorie de productions où le cerveau joue un rôle visuel et performatif essentiel dans le récit (2022, 14). En attestent les intrigues où l’attribut s’émancipe volontairement ou involontairement du corps pour accomplir un funeste destin. Pensons au truculent The Brain That Wouldn’t Die (Le cerveau qui ne voulait pas mourir, Joseph Green, 1961) qui raconte comment le Dr Bill Cortner (Herb Evans), un brillant chirurgien, cherche à greffer sur un corps humain la tête de sa fiancée, Jan Compton (Virginia Leith), décapitée dans un accident de voiture. Connu pour ses recherches controversées en raison des enjeux éthiques qu’elles soulèvent (il « réemploie » des membres de patients décédés au cours d’opérations), Bill met tout en œuvre pour maintenir la tête de Jan en vie (Fig. 10).
Fig. 10 – The Brain That Wouldn’t Die (Le cerveau qui ne voulait pas mourir, Joseph Green, 1961)
Parallèlement, il part à la recherche d’une femme qui pourrait offrir à sa fiancée un nouveau corps. Mais la tête de Jan se révolte contre cette instrumentalisation répugnante et trouve, grâce à la télépathie, une alliée dans une créature étrange enfermée dans le placard du laboratoire. Expliquée par la frustration d’être rattachée artificiellement à la vie pour satisfaire la folie des grandeurs de Bill, la transformation psychologique de Jan est spectaculaire. D’affable et douce, la jeune femme, une fois privée de corps, donc « réduite » à son cerveau, se mue en monstre cruel et cynique, gagnant au passage quelques pouvoirs télépsychiques. Une manière de suggérer qu’il lui manque un cœur ? Dans tous les cas, le titre du film est contradictoire, en ce que Jan cherche précisément à mourir, tant son état monstrueux la scandalise, tout comme les expérimentations extravagantes de son fiancé.
Autonome, tout-puissant, criminel, ce cerveau imaginaire puise ses racines dans les travaux conduits à la même époque sur le cerveau et l’esprit, dans un curieux mélange entre sensationnalisme et « crédibilité narrative » (Sconce 1995, 297) (Fig. 11). Dans la culture américaine, le cerveau à l’intelligence hypertrophiée est alors l’indice d’une méfiance à l’égard de la science et des scientifiques, lesquels basculent toujours très rapidement dans la « mad science » (la science folle) (idem, 299). Toutefois, en remettant en question les notions d’autonomie individuelle via la figure du cerveau désincarné maléfique, ces films ne font que réaffirmer l’idée qu’il est le siège de l’identité et de la personnalité — des propriétés qui risquent à tout moment de nous échapper.
The Brain from Planet Arous (Ray Buffum, 1958)
Quelles images le cinéma contemporain donne-t-il du cerveau ? Il semble que si celui-ci constitue toujours le lieu clé de la subjectivité, il est indissociable du corps et de l’environnement, conformément aux thèses davantage holistiques défendues dans le domaine des neurosciences (par exemple celle de Stanislas Dehaene, 2014) – pensons à cet égard à Vice-Versa, Peter Docter et Ronaldo Del Carmen, 2015. La culture audiovisuelle semble en outre sensible aux théories contemporaines du cerveau, comme celle qui suggère que cet organe fonctionne comme une machine à prédire (générant constamment des modèles de l’environnement pour anticiper les stimuli sensoriels), celle qui estime que la conscience correspond à la capacité d’un système à intégrer des informations ou encore celle de la connectivité neuronale (qui explore comment les réseaux de connexions structurent et facilitent le traitement de l’information, mais aussi se modifient par l’expérience et l’apprentissage). Nul hasard donc si le cinéma contemporain et les séries TV sont imprégnés de thèmes liés à l’intelligence artificielle, dans des productions qui interrogent les formes, les usages et les conséquences de celle-ci – Her (2013), Transcendance(2014), Lucy(2014), Ex Machina(2015).
Fig. 12 – Des images de neurones et de synapses juxtaposées à des images d’Avatar (2009)
Le motif du sujet cérébral poursuit cependant sa route dans des films comme Avatar (James Cameron, 2009) où la technologie pallie le handicap pour donner à l’individu une nouvelle vie dans une réalité virtuelle améliorée. Mythologies New Age et fantasmes neurobiologiques s’allient ici pour représenter le cerveau comme un paysage onirique (la nature intacte de la terre des Na’vis). L’analogie entre des images de la jungle luxuriante de Pandora et des images de connexions ou cellules cérébrales est frappante à plus d’un titre (Fig. 12). Derrière un discours écologiste, le film procède aussi à une apologie des neurosciences : le héros d’Avatar est bien un sujet cérébral défini entièrement par ses données neurobiologiques emmagasinées dans son système nerveux. Les neurosciences semblent donc encore fonctionner aujourd’hui comme le mythe organisateur du discours et de la représentation de la conscience.
MB
Références
ABI-RACHED, Joelle M. & ROSE, Nikolas, Neuro: the New Brain Sciences and the Management of the Mind, Princeton University Press, 2013.
ABI-RACHED, Joelle M. & ROSE, Nikolas, « The Birth of the Neuromolecular Gaze », History of the Human Sciences, vol. 23, n° 1, 2010, pp. 11-36.
BERTON, Mireille, Le médium (au) cinéma. Le spiritisme à l’écran, Georg, Chêne-Bourg, 2021.
BORCK, Cornelius, Brainwaves. A Cultural History of Electroencephalography, trad. de l’allemand par Ann M. Hentschel, Oxon/New York, Routledge, 2018 [2005].
DEHAENE, Stanislas, Le code de la conscience, Paris, Odile Jacob, 2014.
KILLEN, Andreas, Nervous Systems. Brain Science in the Early Cold War, New York, HarperCollins Publishers, 2023.
PARIKKA, Jussi, Operational Images: From the Visual to the Invisual, Minneapolis, University of Minnesota Press, 2023.
SCONCE, Jeffrey, « Brains from Space: Mapping the Mind in 1950s Science and Cinema », Science as Culture, vol. 5, n°2, 1995, pp. 277-302.
VIDAL, Fernando, Performing Brains on Screen, Amsterdam, Amsterdam University Press, 2022.
Vendredi 23 février, à 20h15, projection-table ronde Les Heures Heureuses (Martine Deyres, 2019), La Ferme des Tilleuls (Renens)
Un événement à ne pas manquer si vous êtes dans la région lausannoise ! La cinéaste Martine Deyres sera là pour parler de son film, Les Heures Heureuses (2019), un documentaire nourri d’archives consacré à l’hôpital de Saint-Alban, un bastion de la psychothérapie institutionnelle et du désaliénisme. Saint-Alban a aussi été un haut lieu de la créativité des patient.e.s, encouragé.e.s à s’exprimer par l’écriture, la peinture, le film, etc., mais aussi des activités communautaires rassemblant sans hiérarchie soignant.e.s et soignés.e.s. Mario Ruspoli, en 1962, réalisera un film sur cette approche humaniste, poétique et politique de la psychiatrie, Regard sur la folie.
Descriptif du site
“Alors qu’en pleine France de Vichy 45 000 internés psychiatriques sont morts de faim dans les hôpitaux psychiatriques de ce pays, l’asile de Saint-Alban sur-Limagnole, en Lozère, est un îlot de résistance et de vie ; il pratique une psychiatrie que l’on peut qualifier de révolutionnaire et désaliéniste. Elle a permis aux malades non seulement de survivre, mais de vivre, vraiment, de créer, et finalement que leurs créations soient vues et reconnues. Grâce à des archives retrouvées dans l’hôpital, Les Heures Heureuses (Martine Deyres, 2019) nous plonge dans une épopée joignant courage politique, humanisme et créativité. L’exemple de Saint-Alban a transformé la psychiatrie d’après-guerre en ouvrant les asiles et en promouvant une psychiatrie communautaire, contribuant en France à la découverte et la reconnaissance des auteur·ices d’Art brut dont plusieurs en francophonie sont issu·e·s de cet hôpital.”
Image tirée du film Les Heures Heureuses (2019)
Ce film est projeté dans le cadre de l’exposition Tous ceux qui errent ne sont pas perdus (du 22 février au 17 mars dans le Caveau), par les artistes de l’Atelier Césure. La projection sera précédée d’une visite guidée de l’exposition par Lailah Simonds (maîtresse socioprofessionnelle) et les artistes, à 18h.
La projection sera suivi d’une table ronde “Art et psychiatrie, une histoire de désaliénisme” en présence de :
Martine Deyres, la cinéaste
Bruno Gravier, psychiatre, professeur à l’UNIL et président du Comité européen du droit éthique et psychiatrique (CEDEP)
Pascal Roman, psychologue, professeur à l’UNIL et commissaire invité de la 6ème biennale de la Collection de l’Art Brut Visages
Mireille Berton, maître d’enseignement et de recherche à la section d’Histoire et esthétique du cinéma à l’UNIL, responsable du projet de recherche « Cinéma et (neuro)psychiatrie en Suisse : autour des collections Waldau (1920-1970) »
Lailah Simonds, maîtresse socioprofessionnelle auprès des Ateliers de réhabilitation du CHUV, Espace Césure
Grand Format : Retour sur archives réalisé conjointement par des chercheurs-euses de l’UNIL, dont Alexandra Tilman, et des journalistes de la RTS. 10 chapitres composés d’entretiens et de documents d’archives pour découvrir l’histoire de la psychiatrie suisse sous un jour inédit.
Descriptif :
“Les années 1960 marquent un tournant dans l’histoire de la psychiatrie. De nouvelles approches dites “modernes” se développent au sein des hôpitaux. On y parle d’ergothérapie, de sociothérapie, de communauté thérapeutique et de psychothérapie institutionnelle. On cherche à déstigmatiser la folie, qui devient une «maladie comme une autre» et les équipes pluridisciplinaires œuvrent pour la guérison rapide et la réintégration du malade mental dans la société. C’est ce que nous racontent les films d’archives de la télévision suisse romande de l’époque.
Pour la première fois, les équipes de journalistes de la RTS sont invitées à entrer dans les hôpitaux et à documenter leurs transformations tout au long des années 1960. Ce dossier propose une réflexion critique sur cette histoire filmée. Il invite à découvrir des extraits des films tournés à l’époque par les journalistes de la RTS et à écouter les paroles de différentes personnalités qui les ont commentées à la lumière de leur expérience et de leur connaissance dans le domaine des troubles psychiques.”
Une contribution de l’UNIL pour les archives de la RTS Avec Cristina Ferreira Marie-Christine Roh Philippe Rey-Bellet Catherine Fussinger Alain Riesen François Valloton Réalisation : Alexandra Tilman Avec la collaboration de Sophie Meyer, Les archives de la RTS Écriture, prise de son et montage : Alexandra Tilman Mixage audio : Jocelyn Robert
Un exposition par les artistes de l’atelier Césure, du 22 février au 17 mars 2024, La Ferme des Tilleuls (Renens, Lausanne) – Vernissage le 21 février à 18h30
Avec un très beau titre – “Tous ceux qui errent ne sont pas perdus” –, la Ferme des Tilleuls accueille une exposition d’oeuvres réalisées dans le cadre de l’atelier Césure consacré à la promotion de l’expression artistique en contexte hospitalier. Dans la tradition de l’hôpital de Cery qui a, pendant de longues années, encouragé les patient.e.s à s’exprimer à travers différents moyens artistiques, l’atelier Césure, en collaboration avec VU.CH, l’Art à l’hôpital, propose ici de découvrir le travail de personnes aux prises avec des troubles psychiques.
“Les artistes de l’atelier Césure ont des parcours de vie d’une grande diversité, à la fois intergénérationnels et multiculturels. Leur seul point commun est de connaître ou d’avoir connu la souffrance psychique. Leur vie a été bouleversée, les rendant parfois étranger·ères à eux·elles-mêmes. A l’atelier Césure, tous·tes se reconstruisent et trouvent dans la créativité partagée un chemin de réhabilitation et de résilience qui aboutit pour certain·es à une nouvelle identité, celle d’artiste. Migration, voyage, identité et appartenance sont parmi les thèmes explorés pour cette exposition multidisciplinaire conçue dans les espaces de Césure et à l’atelier de céramique de La Ferme des Tilleuls. Présentée en même temps que Checkpoint 2, cette exposition parallèle permet de mettre en valeur une création autodidacte, chère à La Ferme des Tilleuls.”
Aël, sans titre, huile sur papier, 2021, Source
La Ferme des Tilleuls
Espace d’exposition et de création Rue de Lausanne 52 1020 Renens – Suisse +41 21 633 03 50 lfdt@fermedestilleuls.ch
Les films réalisés par les patients de l’hôpital de Cery seront projetés lors de deux soirées exceptionnelles au Cinéma Spoutnik à Genève, les 1er novembre et 16 décembre 2023, à 20h30.
Elodie Murtas, qui a rédigé sa thèse de doctorat sur ce corpus, sera présente lors de la soirée du 1er novembre.
Une occasion à ne pas manquer pour découvrir ces petites merveilles d’inventivité et d’humour !
Descriptif de l’événement tiré du site web du Cinéma Spoutnik
“En novembre, on rebranche le cycle cinéma(s) et psychiatrie(s). Sixième chapitre, rendu possible par la complicité de l’ami de Vincent De Roguin, qui nous a mis sur le chemin de ces films. Des choses, dont on n’avait jamais jamais jamais entendu parler. Des choses presque jamais montrées dans notre région alors qu’il s’agit de plus d’une dizaine de films fabriqués tout près, à Lausanne, dans l’hôpital psychiatrique de Cery. Les auteurs et autrices de ces films, ce sont certains patients de l’hôpital, qui se sont réunis en collectif (Groupe cinématographique des patients de Cery). Cette tentative a été menée entre 1959 et 1981, sous l’impulsion notamment du cinéaste vaudois Nag Ansorge, qui a accompagné ce processus de création. Ces films, ce sont des cadeaux, qui nous laissent avec cette merveilleuse sensation: que ce monde, notre monde, est infiniment plus grand, peuplé et riche que ce que la société nous fait voir.
BONJOUR MON ŒIL, Groupe cinématographique des patients de Cery, 1964
Le second film du groupe est un exemple de création collective. En effet, les patients qui débuteront Bonjour mon œil ne seront pas ceux qui le termineront. Au total, vingt-six patients se succéderont pour le réaliser. Le film, d’une durée d’environ quinze minutes, a été réalisé du mois de mai 1963 au mois d’octobre 1964. Celui-ci a nécessité 197 heures de travail. Pour la première fois, une comédienne, Thérèse Loup, a été engagée pour jouer le rôle principal. Les droits de diffusion de Bonjour mon œil seront achetés par la firme pharmaceutique Hoffmann-La Roche. Une version anglaise sera aussi effectuée. Le film est majoritairement tourné en prises de vues réelles, mais des passages sont construits en animation. Deux techniques sont utilisées : l’animation d’objets et de papiers découpés. Le scénario s’est élaboré petit à petit pour se cristalliser autour de l’idée de montrer une journée dans l’hôpital psychiatrique, vue de l’intérieur. Les patients, qui avaient tous vécu un épisode délirant, ont choisi de représenter des hallucinations.
IL GENIO, Groupe cinématographique des patients de Cery, 1967
Réalisée en parallèle au film Les 7 nuits de Sibérie (1967), soit pendant la période allant du 8 février 1965 au 8 avril 1967, cette réalisation apparaît comme un cas à part dans la filmographie du groupe cinématographique de l’Hôpital psychiatrique de Cery. En effet, ce film à tendance documentaire est en fait le portrait d’un des membres du groupe. Celui-ci, défini comme un artiste aux multiples facettes atteint d’un délire mégalomaniaque, a demandé aux autres membres du groupe de l’aider à réaliser ce film, dont il a écrit le scénario, la musique et supervisé le tournage. Tournée entièrement en prises de vues réelles dans un format 16 mm, cette réalisation dure environ vingt-deux minutes. Une danseuse et une patineuse artistique professionnelles ont accepté de participer au tournage.
LE BALLET DE LA CRÉATION, Groupe cinématographique des patients de Cery, 1972
Ce « dessin animé » de seize minutes a été réalisé entre le 19 décembre 1970 et le 29 avril 1972. La technique d’animation de papiers découpés a été choisie pour la totalité du film. Contrairement aux autres réalisations du groupe, Le ballet de la création s’est élaboré autour d’un ensemble de vingt-trois dessins qu’un patient avait apportés à l’atelier cinéma. Le commentaire du film a été écrit par un autre membre du groupe, sous la forme d’un texte intitulé La création du monde. Tous les patients, néanmoins, participeront à la réalisation du film. En plus de la version initiale en français, une version allemande a été réalisée. Le vaste sujet abordé par ce film est, comme le texte de base l’indique, la création du monde.
L’AUTRE, Groupe cinématographique des patients de Cery, 1975
Témoignant d’une nouvelle méthode de travail tentée au sein du groupe, L’autre — aussi intitulé parfois Alter ego — a été tourné entre le 6 mai et le 30 juin 1975. Pour ce film, les patients se sont rencontrés tous les jours et non une matinée de trois heures par semaine comme pour les autres réalisations. Vingt-neuf journées auront été nécessaires à sa réalisation se répartissant ainsi : six jours pour l’écriture du scénario, douze jours pour le tournage et onze jours pour le montage et la sonorisation. Au total, onze patients ont participé à ce film de seize minutes tourné uniquement en prises de vues réelles. Le film met en scène un homme à la recherche de la femme de ses rêves, se laissant ainsi guider par ses délires imaginaires.
LE BAL DE LA PASSION HUMAINE, Groupe cinématographique des patients de Cery, 1977
Le bal de la passion humaine a été réalisé du 2 novembre au 21 décembre 1976 et a nécessité environ 104 heures de travail. Réalisé par un groupe de neuf patients, ce film d’une durée d’environ vingt-deux minutes est entièrement tourné en prises de vues réelles et en couleurs. Le commentaire et les dialogues du film sont en italien sous-titré en français. Flirtant avec la notion de documentaire, l’histoire est celle d’un homme racontant ses difficultés relationnelles avec une autre patiente de l’Hôpital se trouvant dans une unité différente de la sienne.
MÉLODIE DE L’INCONSCIENT, Groupe cinématographique des patients de Cery, 1981
Dernier film du groupe cinématographique de Cery, Mélodie de l’inconscient a été réalisé, du 3 novembre 1980 au 19 février 1981, collectivement par onze patients réguliers et six patients occasionnels – c’est-à-dire ayant participé à moins de cinq séances. Les patients se sont réunis à raison de trois matinées par semaine, soit au total quarante-deux fois pour l’ensemble du film. D’une durée d’environ douze minutes, le film est tourné en couleur et, comme les autres réalisations de Cery, en 16 mm. L’illustration sonore a été créée par le groupe de musicothérapie dirigé par Madeleine Müller. Mélodie de l’inconscient est entièrement créé en animation et plusieurs techniques ont été utilisées : celle des papiers découpés, mais surtout, pour la première fois dans un film du groupe de Cery, l’animation de personnages en pâte à modeler. Le film ne s’appuie pas véritablement sur un scénario, mais plutôt sur des idées s’articulant autour du thème de l’attente. Le sujet reste donc évasif et peu descriptible, mais un texte mis en exergue au générique l’explicite : « Quand une attente, meublée de rêves et de fantasmes, mène finalement vers la rencontre entre deux personnes…».”